• GERRIT THOMAS RIETVELD (holandés, 1888- 1964)
    Lámpara de mesa, 1925, metal niquelado y pintado y bombilla parcialmente pintada
    CRP107

    Arquitecto y diseñador de muebles nacido en Utrecht y notable por su aplicación de los principios de De Stijl. Fue aprendiz en el negocio de ebanistería de su padre y luego estudió arquitectura en Utrecht. Se vincula a De Stijl en 1918; por las mismas fechas crea su famoso sillón rojo y azul, que con su insistencia en la geometría y su uso de los colores lleva a la práctica las directrices de dicho movimiento, como en 1921 –uno de los primeros ejemplos en arquitectura– su diseño de una pequeña joyería en Ámsterdam. Su obra maestra es la Casa Schroeder (Utrecht, 1924), que destaca por su interrelación de formas en ángulo recto, planos y líneas y por su uso de colores primarios. Su relación con De Stijl continuó hasta la disolución del grupo en 1931. Desde 1936 hasta el final de la II Guerra Mundial se dedicó al diseño de muebles. Después de 1945 recibió importantes encargos arquitectónicos, como la fábrica textil De Ploeg (Bergreik, 1956), una urbanización (1954-1956) en Hoograven y la academia de arte (1962) en Arnhem.

  • EILEEN GRAY (irlandesa, 1878- 1976)
    Lámpara, c. 1918, madera lavada y base con incrustaciones de marfil, pie rotatorio cubierto de piel de serpiente de cascabel, pantalla rotatoria de pergamino decorado con tinta china y cosida con catgut sobre un armazón de alambre de hierro pintado de rojo.
    CRP188

    Nace en el condado de Wexford, en Irlanda, en una familia aristocrática. Estudia en la Slade School of Fine Arts de Londres de 1898 a 1902. Se inicia en la pintura pero cuando se instala en París en 1907 se interesa por el lacado de muebles, que aprende con el maestro japonés Seizo Sougarawa. En 1913 expone en el Salon des Artistes Décorateurs y llama la atención del coleccionista Jacques Doucet, para el que realiza la famosa mesa Lotus y la pantalla de cuatro paneles titulada Le destin. En 1922 abre su propia tienda, la Galerie Jean Désert. Sus propuestas se apartan de lo meramente decorativo y se caracterizan por su abstracción, sencillez y funcionalidad. Máxima representante del Art Deco, son muy apreciados sus muebles con tubos de acero cromado y cristal. Su vida personal es muy intensa: conduce ambulancias durante la I Guerra Mundial en París; forma parte de los círculos de lesbianas de su época, junto a Romaine Brooks, Gabrielle Bloch, Loie Fuller o Natalie Barney, y mantiene una relación íntima con el arquitecto rumano Jean Badovici, que la impulsa a experimentar directamente con la arquitectura. En 1926 proyecta la célebre casa E.1027 (Francia), que despierta la admiración de Le Corbusier y acaba siendo motivo de conflicto entre ambos. En 1972 la Royal Society of Arts reconoce su trayectoria como diseñadora, arquitecta y artista otorgándole la distinción de Royal Designer for Industry. Hay obra suya en el Metropolitan y en el Victoria & Albert.

  • VAKLAV KOCURA (Checa)
    Lamp Cyclope-Vako 38, c. 1938, latón niquelado con cristal azul
    CRP195

    Sin datos biográficos

  • JOSEF HOFFMANN (austríaco, 1870-1956)
    Lámpara de pie, 1903, en latón martillado y con baño de plata
    CRP203

    Nacido en Plenitz (Moravia), es un arquitecto cuya obra ue importante en el desarrollo temprano de la arquitectura moderna en Europa. Estudió con Otto Wagner en Viena y en 1899 se suma a la fundación de la Secesión vienesa, más modernista que los planteamientos de Wagner. Desde 1899 enseña en la Universität für angewandte Kunst (Viena) y en 1903 participa en la creación de los Werkstätte vieneses, centro que dirigió durante 30 años. De su primera época destaca el Sanatorio de Purkersdorf; su obra maestra es la Casa Stoclet (Bruselas), cuyo exterior posee una monumental elegancia. Diseña los pabellones austríacos para la exposición del Deutscher Werkbund en Colonia (1914) y la Bienal de Venecia de 1934. En 1920 es nombrado arquitecto municipal de Viena y en 1924 y 1925 realiza diversos proyectos de casas para la ciudad.

  • WILHELM WAGENFELD (alemán, 1900-1990)
    Lámpara de pie, 1926, en latón niquelado, con una pantalla en Diffuna (un material de papel procesado fabricado por G. Schanzenbach & Co. GmbH, Frankfurt) y un pomo de vidrio transparente.
    CRP173

    Nace en Bremen. Es platero y diseñador industrial. Hizo sobre todo obras en cristal y en metal; algunos de sus diseños se siguen produciendo en la actualidad. Asistió a la Kunstgewerbeschule y después fue alumno de la Bauhaus; entró a formar parte del German Werkbund. Se negó a ingresar en el partido nazi y como castigo fue enviado, en calidad de “incordio político”, a servir en el Frente Oriental. Trabajó en la Bauhaus (Weimar); cuando cerró en 1930 debido a las presiones nazis empezó a trabajar por cuenta propia y a enseñar en otras instituciones. Su obra más famosa es la lámpara de mesa WA 24, de 1924.

  • LÉOPOLD LECLERCQ (belga, 1911- 1977)
    Stabile, 1951, hierro patinado y madera pintada
    CRP215

    Nace en Koekelberg (Bélgica) y estudia en la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten de Gante. Su trabajo evoluciona del expresionismo al arte abstracto geométrico; sus pinturas se caracterizan por su simplicidad y colorido. Realiza collages con papeles y
    materiales de plástico. Imparte clases en el Instituto Belga de Textiles en su ciudad natal.

  • PABLO RUIZ PICASSO (español, 1881- 1973)
    Don Quijote y Sancho Panza, 11.8.1955, tinta sobre papel
    CRP337

    Pintor, escultor, grabador, ceramista y escenógrafo, es el artista más influyente del siglo XX y con Braque creador del cubismo. Nacido en Málaga, estudió en Barcelona y Madrid. En 1900 visita París, donde se estableció de manera definitiva en 1904. Su estilo varió considerablemente; al principio usaba colores fuertes (1900-01), luego vinieron sus Épocas Azul y Rosa; en 1906-7 sufrió la influencia de Cézanne y de la escultura africana y empezó a descartar los medios convencionales para crear una ilusión de realidad y utilizar procedimentos conceptuales; pinta Les señoritas de Aviñón (1907), el inicio del cubismo, un nuevo lenguaje pictórico que había de seguir elaborando. En 1908 él y Braque empezaron a trabajar en líneas paralelas; en 1915, mientras desarrolla su estilo cubista, empezó a trabajar en la dirección opuesta, representando figuras de un clasicismo lineal, escultórico y monumental. Después de 1925 inicia un personal vocabulario surrealista de poderosos símbolos para expresar angustias personales. La Guerra Civil española le inspiró el Guernica, la primera referencia en su obra a acontecimientos políticos; en 1944 ingresó en el Partido Comunista. En los años de la posguerra, buen parte de su obra se centra la guerra y la paz, y después de 1955 en el tema del artista y sus poderes mágicos. Como escenógrafo produjo algunos decorados para los Ballets Rusos de Diaghilev en 1917-19.

  • MARC EEMANS (belga, 1907- 1998)
    Sin título, c. 1930, vidrio eglomizado
    CRP163

    Pintor, poeta y crítico belga de arte; nace en Termonde (Bélgica). Mientras estudia en la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten (Bruselas) conoce a Victor Servanckx, que le enseña los principios del arte no figurativo. A los 15 años entra en el grupo de vanguardia belga 7 Arts. Sus primeras y revolucionarias obras son assemblages constructivistas y pinturas no figurativas meticulosamente equilibradas en solemnes y sutiles armonías de color, que prefiguran las de Mark Rothko. En 1925 empieza a alejarse del arte no figurativo y se convierte en el primer pintor surrealista de Bélgica, antes de Magritte. Exponiendo con Salvador Dalí entabla amistad también con miembros de la Societé
    du Mystère, grupo surrealista belga. Sus pinturas de este período se inspiran en las cualidades espirituales de los prerrafaelitas, los románticos alemanes y los simbolistas. En 1939 expone en los Indépendants en el Stedelijk Museum (Ámsterdam). Desde entonces sus obras se han exhibido en muchos lugares, entre ellos el Museum voor Schone Kunsten (Gante) y el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York). Como poeta y escritor colaboró con la revista surrealista Distances, que dirigía desde París Camille Goeman, primero en ocuparse de la obra de Dalí. Antaño en el meollo mismo de los acontecimientos ideológicos del grupo surrealista, decidió abandonarlo para desarrollar sus experiencias en solitario, pero mantuvo la amistad con Goemans, Magritte y Mesens. Su obra se conserva en colecciones públicas como las de los Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique (Bruselas y Amberes).

  • GERRIT THOMAS RIETVEID (holandés, 1888- 1964)
    Lámpara de techo con tres luces, diseñada en 1920 y ejecutada posteriormente,
    CRP102
  • GERRIT THOMAS RIETVELD (holandés, 1888- 1964)
    Elling sideboard, diseñado en 1919 y ejecutado posteriormente, contrachapado de haya teñido
    CRP103
  • VICTOR SERVRANCKX (belga, 1897- 1965)
    Sin título, 1918, grafito sobre papel
    CRP079

    Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Académie royale des beaux-arts (Bruselas), donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense del’estéthique,influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus (Chicago), oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales (París, 1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes (Bruselas) organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo (Lisboa), Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid), Museum voor Schone Kunsten (Gante), Centre national d’art et de culture Georges Pompidou (París) o Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique (Amberes y Bruselas). Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal (Leiden) y la Tate Modern (Londres).

  • HENRY VAN VELDE (belga, 1863- 1957)
    Lámpara de techo con tres luces, c. 1898, latón
    CRP017

    Nace en Amberes. Pintor, arquitecto y diseñador de interiores. Junto con Victor Horta y Paul Hankar es uno de los principales fundadores y representantes del modernismo en Bélgica. La parte más importante de su carrera transcurrió en Alemania e influyó en los arquitectos
    y diseñadores alemanes. Estudió en la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten, luego en Carolus-Duran (París); adoptó el puntillismo; en 1889 se convirtió en miembro de Les XX. En 1892 abandonó la pintura y se dedicó a la decoración y al diseño (plata y oro, porcelana, moda, alfombras, textiles). Mostró su obra en la Exposición Universal de París de 1900. En torno al cambio de siglo diseñó algunas villas en su estilo arquitectónico modernista. Se estableció en Weimar y en 1904 funda la Kunstgewerbeschule, sentando las bases para su amalgama por Gropius con laHochschule für bildende Kunst, que dará la Bauhaus en 1919. Tras su regreso al país inicia su “segundo período belga”; en 1926 pone en marcha el Instituto Superior de Artes Decorativas (Bruselas) y es nombrado profesor del Instituto de Arte y Arqueología de la Universidad de Gante. Es autor de varias casas privadas, entre ellas su residencia en Tervuren, la Nouvelle Maison, y del pabellón belga para
    la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la vie moderne de París (1937) y para la Universal de Nueva York (1939); construye también la Biblioteca Municipal de Gante, los edificios para la Bauhaus (Weimar) y para el museo Kröller-Müller (Otterlo) y otras obras en Alemania y Bruselas, además de diseñar interiores de trasatlántico y mobiliario para trenes de la SNCB.

  • PIERRE-LOIUS FLOUQUET (francés, 1900- 1967)
    Arquitectura, c. 1920, gouache sobre papel
    CRP397

    Nace en París; en 1910 la familia marcha a Bruselas, en cuya Académie royale des beaux-arts estudia con Constant Montald y Gisbert Combaz. Se relaciona con los vanguardistas de Amberes, Berlín, Bruselas, Lausana y París; comparte estudio con Magritte en Bruselas. En los círculos modernistas se le conoce por sus abstracciones y obras biomórficas y geométricas. En 1921 participa en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Ginebra y, con Magritte, en el Centre d’Art (Bruselas). Es cofundador del grupo vanguardista 7 Arts; es responsable de la sección de pintura de su revista y su ilustrador. Con Eisenstein, Ernst, Gropius, Schlemmer, Servranckx y otros es un invitado habitual en la Maison des Artistes de la baronesa Hélène de Mandrot, en su Château de La Sarraz (cerca de Lausana), donde se celebraron el I Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, el I Congreso de Cine Independiente en 1929 y muchas otros manifestaciones artísticas revolucionarias de comienzos del siglo. Hélène de Mandrot, como Katherine Dreier y Gertrude Stein, es uno de los puntales del arte moderno. En 1925, Flouquet fundó el grupo L’Assaut con Gailliard y organizó exposiciones bajo su égida. Convertido en líder de La Plastique Pure, expone con regularidad en el extranjero: Buenos Aires, Chicago, Leipzig, Madrid, Monza, Nueva York, París, Filadelfia y Zurich; en solitario, en 1925 en la galería Der Sturm y en 1927 en el Deutsche Werkbund de Stuttgart, fundado por Henry van de Velde, que lo invitó. Diseñó muchas portadas para la revolucionaria revista de arte Der Sturm. Su obra está representada en
    los Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique (Bruselas y Amberes), Museum voor Schone Kunsten (Gante) o Musée de Grenoble; se ha
    expuesto en el Stedelijk Museum Lakenhal (Leiden), el de Gante y la Tate Modern (Londres) entre otros.

  • PIET HEIN EEK (neerlandés, 1967)
    Polo Cabinet, 2010, acero negro y cerámica
    CRP336

    Diseñador industrial holandés. Estudia en la Academia de Diseño (Eindhoven); se aleja de la tendencia minimalista y trabaja con materiales humildes con el propósito de lograr eficiencia, sostenibilidad y responsabilidad social. Parte de materiales reciclados y en 1990 empieza sus armarios “scrapwood”. Creó una empresa con el diseñador Nob Ruijgrok y fabrica toda clase de objetos para el hogar; fundó un restaurante equipado con sus piezas, así como una galería de arte, todo en su estudio de Eindhoven.

  • ERNEST TROVA (estadounidense, 1927-2009)
    De Falling Man Series, 1967, acrílico sobre lienzo, 97,16 x 66 cm
    CRP401

    Nace en Clayton (Missouri). Pintor y escultor autodidacta, a los 20 años obtiene el primer premio en la Exposición de Missouri con su pintura parcialmente goteada, Roman Boy; la revista Life le dedica una página. Le influyen Willem de Kooning y el poeta Ezra Pound, pero no se adscribe a ningún movimiento. En 1964 crea su serie más famosa, The Falling Man. Su hombre imperfecto y vulnerable, sin brazos y panzudo, aparece en esculturas, pinturas y grabados. Expone en distintas ediciones de la Bienal de Whitney y de Venecia, y en la Documenta de Kassel (Alemania). En 1969, el New York Times lo proclama uno de los mejores escultores norteamericanos modernos. Su trabajo se muestra en el MoMA, el Guggenheim y el Whitney Museum of American Art (Nueva York); el Walker Art Center (Minneapolis) o la Tate Modern (Londres). Durante más de 20 años es representado por la célebre Galería Pace (Nueva York); en 1984 la dejó e inició una serie de decisiones erróneas –encaminadas a hacer producciones masivas y comerciales de sus trabajos– que lo condujeron a una etapa final de decadencia y olvido.

  • Figure double (óleo sobre lienzo)
    Figure double, c. 1935,
    CRP194

    Nace en Lieja (Bélgica). Estudia dibujo en la Academie des Beaux-Arts de su ciudad natal; se diploma en tipografía y trabaja como especialista en dibujo técnico después de la I Guerra Mundial. En 1920 se une al Groupe Moderne d’Art, impulsado por el escritor y ensayista belga Georges Linze, como lo fue la revista Anthologie, para difundir las nuevas tendencias de vanguardia. Ejecuta ilustraciones y grabados para libros pero se decantará por la abstracción. En 1922 entabla amistad con el pintor y artista gráfico checo Frantisek Kupka. En 1923 se instala en Lille y se une a intelectuales de vanguardia como el pintor Felix del Marle y los escritores Émile Donce-Brisy y Charles Rochat, con quienes colabora en la revista de literatura y arte Vouloir. Entre 1945 y 1958 vive en París; participa en las exposiciones del Salon des Réalités
    Nouvelles con sus características composiciones geométricas de círculos, espirales y estrellas. En 1976, una operación de cataratas afecta a su visión pero continúa pintando hasta el final de su vida, utilizando lápices de colores sobre cartón. En 1985 se celebra una retrospectiva en el Musée d’Art Moderne de Villeneuve d’Ascq (Lille). Se conserva obramsuya en los Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique.

  • JEAN-PIERRE YVARAL (francés, 1934- 2002)
    Sin título, c. 1965, CRP226
    CRP226

    Nace en París; es hijo de Victor Vasarely, artista francés nacido en Hungría y uno de los protagonistas del Op Art. Su carrera fue muy influida por su padre; estudia artes gráficas y publicidad en la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs e inicia su trayectoria en la abstracción constructiva. En 1960 es uno de los fundadores del Grupo de Investigación del Arte Visual (GRAV) y colabora con otros creadores cinéticos como François Morellet, Julio Le Parc, Joël Stein, Francisco Sobrino, Horacio García Rossi y Vera Molnar, junto a los que muestra su obra por todo el mundo durante ocho años. En 1966 presenta su primera exposición en la Howard Wise Gallery (Nueva York). Con su trabajo, centrado en composiciones geométricas simples, busca generar en el espectador la sensación de movimiento con efectos de aceleración óptica. En 1975 acuña la expresión “arte numérico”: obras de arte compuestas de acuerdo con algoritmos. Es un precursor del arte digital, ya que trabaja sobre imágenes procesadas por ordenador. En los años 70 crea el logotipo de la firma Renault y en 1996 el de los Juegos Olímpicos de Atlanta. Es seleccionado para representar a Francia en Artec 90 (Nagoya, Japón). Hay obra suya en el MoMA y en la Tate Gallery (Londres), entre otros.