RECORRIDO POR LAS SALAS

Vista de la sala 10 del museo con obras de Rottluff, Daumier, De Troyer y Hofer entre otros.

RECORRIDO POR LAS SALAS

Vista de la sala 10 del museo con obras de Rottluff, Daumier, De Troyer y Hofer entre otros.

Planta inferior

PLANTA INFERIOR

Planta superior

PLANTA SUPERIOR

Planta inferior

PLANTA INFERIOR

Planta superior

PLANTA SUPERIOR

SALAS -1 y 1

Vista de las salas -1 y 1, con las obras de Navarro (suelo) y Ceccobelli

Vista de las salas -1 y 1, con las obras de Navarro (suelo) y Ceccobelli.

Miquel Navarro, Sombras Lunares

Miquel Navarro, Sombras Lunares.

Atlante, Bruno Ceccobelli

Paul Manes, The Fifth Seal.

Atlante, Bruno Ceccobelli

Jan Vanriet, Roberto Polo.

SALAS -1 (exposición temporal) y 1

 

-1 Miquel Navarro (español, 1945)
Sombras lunares, 2005, hierro fundido

Nace en Mislata (Valencia), donde sigue residiendo. Estudia en la Academia de San Carlos de Valencia; empieza pintando, pero desde 1972 se dedica casi exclusivamente a la escultura. Ha recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1986 y otros muchos galardones (de la Asociación de Críticos de Arte; de la Generalitat valenciana; Premio Internacional Julio González en 2008…). Desde 2008 es académico de San Fernando. Tiene obra en museos de todo el mundo (Guggenheim de Nueva York, Reina Sofía de Madrid, IVAM de Valencia, Centre Pompidou de París, Sofía Imbert de Caracas, Alemania, Japón…) y en grandes colecciones (Banco de España, Argentaria, Renfe, Aena…). Ha participado en infinidad de exposiciones individuales y colectivas desde 1973. Una peculiar faceta suya es la escultura monumental para espacios públicos (Valencia, Bilbao, Vitoria, Madrid, Bruselas). 

 

1 René Stoeltie (holandés, 1957)
Roberto Polo, The Eye, 2010, impresión única en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes
CRP287

Nace en Arnhem (Holanda); la familia se establece enseguida en Ámsterdam, donde él estudia diseño gráfico. En 1979 va a Bruselas y en 1980 abre una galería. Desde 1988 publica fotografías en muchas revistas importantes con su esposa, Barbara, artista y crítica de arte, como escritora. Trabaja en diseño de interiores en numerosas ciudades mientras expone fotografías y publica libros. En 2013 los esposos abren en Bruselas la Galería Geminal, que en 2018 se traslada a Latam-Saint-Martin.

 

2 Bruno Ceccobelli (italiano, 1952)
Atlante (antes titulado Cosmo di cosmo), 2004, mordiente sobre fieltro
CRP292

Nace en Montecastello di Vibio (Italia). Pintor y escultor, vive y trabaja en Todi. Fue uno de los seis fundadores de la Nuova Scuola Romana o Scuola di San Lorenzo, movimiento que surge del Arte Povera y de la Transvanguardia a fines del siglo XX; a principios de los 80 se instala junto con otros artistas en un amplio espacio industrial abandonado en el barrio de San Lorenzo de Roma. En 1984 da un curso de formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Senegal, experiencia muy importante para él. En 2003 publica una colección de ensayos sobre su anhelo de una futura sociedad estética. En 2009 se celebra en Rovereto una retrospectiva sobre el grupo de San Lorenzo. Durante todos esos años participa en diversas exposiciones en Italia e internacionales.

 

3 Jan Vanriet (belga, 1948)
Roberto Polo, 2014, óleo sobre lienzo
CRP268

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas, la 1082 en París y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta  Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros.

 

4 Paul Manes (estadounidense, 1948)
The Fifth Seal, 2006, óleo sobre lienzo 
CRP251

Nace en Austin, Texas (EE.UU.). Se gradúa en Empresariales en la Lamar University (Beaumont) y en Bellas Artes en el Hunter College de Nueva York. Desde 1985, fecha de una muestra colectiva en la galería Kouros, muestra su obra en museos y galerías de EE UU, Italia, Francia y Alemania. Ha trabajado en el ámbito de la abstracción y de la figuración; no hace distinciones entre ambas. Alejado de las tendencias artísticas en boga, se inspira en creadores como Goya, el Bosco, Velázquez, El Greco, Rembrandt, Cézanne, Pollock o Rauschenberg. “El presente está conectado con el pasado y se convierte en una proyección hacia el futuro, donde la tradición se encuentra con la innovación y el mundo se desbloquea y se vuelve líquido y gaseoso y las formas se transforman en nuevas formas”, declara. Tras más de 30 años en Nueva York, en 2014 se traslada a Carbondale (Colorado). Actualmente hay obras suya en el MoMA, Solomon R. Guggenheim, Houston Museum of Fine Arts, Detroit Institute of Arts o Art Museum of Southwest Texas. En 2016 es incluido en la muestra Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.

SALAS -1 y 1

Vista de las salas -1 y 1, con las obras de Navarro (suelo) y Ceccobelli

Vista de las salas -1 y 1, con las obras de Navarro (suelo) y Ceccobelli.

Miquel Navarro, Sombras Lunares

Miquel Navarro, Sombras Lunares.

Atlante, Bruno Ceccobelli

Paul Manes, The Fifth Seal.

Atlante, Bruno Ceccobelli

Jan Vanriet, Roberto Polo.

SALAS -1 (exposición temporal) y 1

-1 Miquel Navarro (español, 1945)
Sombras lunares, 2005, hierro fundido

Nace en Mislata (Valencia), donde sigue residiendo. Estudia en la Academia de San Carlos de Valencia; empieza pintando, pero desde 1972 se dedica casi exclusivamente a la escultura. Ha recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1986 y otros muchos galardones (de la Asociación de Críticos de Arte; de la Generalitat valenciana; Premio Internacional Julio González en 2008…). Desde 2008 es académico de San Fernando. Tiene obra en museos de todo el mundo (Guggenheim de Nueva York, Reina Sofía de Madrid, IVAM de Valencia, Centre Pompidou de París, Sofía Imbert de Caracas, Alemania, Japón…) y en grandes colecciones (Banco de España, Argentaria, Renfe, Aena…). Ha participado en infinidad de exposiciones individuales y colectivas desde 1973. Una peculiar faceta suya es la escultura monumental para espacios públicos (Valencia, Bilbao, Vitoria, Madrid, Bruselas). 

 

1 René Stoeltie (holandés, 1957)
Roberto Polo, The Eye, 2010, impresión única en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes
CRP287

Nace en Arnhem (Holanda); la familia se establece enseguida en Ámsterdam, donde él estudia diseño gráfico. En 1979 va a Bruselas y en 1980 abre una galería. Desde 1988 publica fotografías en muchas revistas importantes con su esposa, Barbara, artista y crítica de arte, como escritora. Trabaja en diseño de interiores en numerosas ciudades mientras expone fotografías y publica libros. En 2013 los esposos abren en Bruselas la Galería Geminal, que en 2018 se traslada a Latam-Saint-Martin.

 

2 Bruno Ceccobelli (italiano, 1952)
Atlante (antes titulado Cosmo di cosmo), 2004, mordiente sobre fieltro
CRP292

Nace en Montecastello di Vibio (Italia). Pintor y escultor, vive y trabaja en Todi. Fue uno de los seis fundadores de la Nuova Scuola Romana o Scuola di San Lorenzo, movimiento que surge del Arte Povera y de la Transvanguardia a fines del siglo XX; a principios de los 80 se instala junto con otros artistas en un amplio espacio industrial abandonado en el barrio de San Lorenzo de Roma. En 1984 da un curso de formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Senegal, experiencia muy importante para él. En 2003 publica una colección de ensayos sobre su anhelo de una futura sociedad estética. En 2009 se celebra en Rovereto una retrospectiva sobre el grupo de San Lorenzo. Durante todos esos años participa en diversas exposiciones en Italia e internacionales.

 

3 Jan Vanriet (belga, 1948)
Roberto Polo, 2014, óleo sobre lienzo
CRP268

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas, la 1082 en París y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta  Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros.

 

4 Paul Manes (estadounidense, 1948)
The Fifth Seal, 2006, óleo sobre lienzo 
CRP251

Nace en Austin, Texas (EE.UU.). Se gradúa en Empresariales en la Lamar University (Beaumont) y en Bellas Artes en el Hunter College de Nueva York. Desde 1985, fecha de una muestra colectiva en la galería Kouros, muestra su obra en museos y galerías de EE UU, Italia, Francia y Alemania. Ha trabajado en el ámbito de la abstracción y de la figuración; no hace distinciones entre ambas. Alejado de las tendencias artísticas en boga, se inspira en creadores como Goya, el Bosco, Velázquez, El Greco, Rembrandt, Cézanne, Pollock o Rauschenberg. “El presente está conectado con el pasado y se convierte en una proyección hacia el futuro, donde la tradición se encuentra con la innovación y el mundo se desbloquea y se vuelve líquido y gaseoso y las formas se transforman en nuevas formas”, declara. Tras más de 30 años en Nueva York, en 2014 se traslada a Carbondale (Colorado). Actualmente hay obras suya en el MoMA, Solomon R. Guggenheim, Houston Museum of Fine Arts, Detroit Institute of Arts o Art Museum of Southwest Texas. En 2016 es incluido en la muestra Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.

SALA 2

Vista de sala, con obras de Mellery (izq. y centro) y de Spilliaert

Vista de sala, con obras de Mellery (izq. y centro) y de Spilliaert.

1 Xavier Mellery, Au Béguinage. Pendant la prière du jour.

Xavier Mellery, Au Béguinage. Pendant la prière du jour.

3 Léon Spilliaert, Notre Dame au coeur

Léon Spilliaert, Notre Dame au coeur.

Paul Manes, The Entry of Christ into New York II.

Paul Manes, The Entry of Christ into New York II.

Paul Manes, La noche oscura

Paul Manes, La noche oscura.

SALA 2 

 

1 Xavier Mellery (belga, 1845-1921)
Au Béguinage. Pendant la prière du jour, 1890, carboncillo, tinta china y acuarela sobre papel
CRP010

Nace en Laken (Bélgica). Pintor, dibujante e ilustrador, se le considera el precursor del movimiento simbolista belga. Empieza a trabajar con Charles Albert, pintor decorador; se forma en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, principalmente con Jean-François Portaels. En 1870 obtiene el Premio de Roma y se va a estudiar la pintura del Renacimiento (le fascinan especialmente la Capilla Sixtina y Carpaccio). Diseña las 48 esculturas de los oficios históricos para el Petit Sablon de Bruselas. Entre sus discípulos destaca Fernand Khnopff. Hay obras suyas en los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica.

Artista cuyas preferencias se decantan por la representación de interiores, destaca en los de iglesias y conventos, muy adecuados para su gusto por las escenas recogidas, cercanas y familiares, pobladas por figuras tranquilas, en estas dos obras entregadas a sus quehaceres. En Durante la oración del día llama la atención que la única que está de frente no tenga cara, como tampoco la imagen del Cristo crucificado, que, curiosamente, posee mayor corporeidad que las planas figuras de las monjas. 

 

2 Xavier Mellery (belga, 1845-1921) 
L’Ouvroirc. 1890, lápiz sobre papel
CRP011

Este dibujo incluye una imagen religiosa similar al Cristo de la obra anterior; la atmósfera, realzada por la luz, es de gran sosiego y el silencio que emana es más plácido que el que domina la otra obra, algo misteriosa e inquietante. Las beguinas eran una orden femenina seglar fundada en los Países Bajos en el siglo XII; sus miembros hacían vida religiosa pero no se ligaban a votos estrictos y podían dejar la comunidad para contraer matrimonio. Se creía que su denominación tenía su origen en el apodo de su fundador, Lambert Bègue o Le Bègue, el tartamudo, sacerdote de Lieja. 

 

3 Léon Spilliaert (belga, 1881-1946)
Notre Dame au coeur, 1907, aguada de tinta china, acuarela y lápiz de color sobre papel 
CRP030

Nace en Ostende (Bélgica). Su formación es autodidacta; en su juventud dibuja escenas de la vida cotidiana en zonas rurales de Bélgica. Su estilo es simbolista y expresionista; se caracterizará por los tonos oscuros, la atmósfera de pesadilla y unos sentimientos de angustia y soledad; revela influencia de artistas como Munch y Khnopff. Utiliza la acuarela, el gouache, el pastel y mezclas de técnicas. En su época madura pinta el mar en obras más coloristas. Es autor, sobre todo en los comienzos del siglo XX, de numerosos autorretratos en tonos que tienden a la monocromía como la mayor parte de su producción, conservada principalmente en los museos de Ostende y Bruselas; también hay obras suyas en el Musée d’Orsay.  

Esta extraña obra se inserta en el género más cultivado por el artista después del retrato y el paisaje: la naturaleza muerta. Se diría que reproduce alguna imagen que hubiera visto ocasionalmente y le hubiese chocado por el añadido de lo que parece ser un exvoto o una ofrenda, un colgante en figura de corazón. Se podría aventurar un análisis en relación con su tendencia a lo alucinatorio y siniestro, que halla cumplida expresión en su entusiasmo por Poe, quien junto con Nietzsche y el simbolista belga Maeterlinck ejerció notable influencia sobre él.    

 

4 Jean-Joseph Carriès (francés,1855-1894) 
La Mère Callamand, c. 1888, escayola patinada en madera vieja
CRP009

Escultor, ceramista y miniaturista nacido en Lyon. En 1864 fue a París a estudiar en la École des Beaux-Arts con Augustin-Alexandre Dumont. Expuso por primera vez en los Salones parisienses de 1879 y 1881. Después de ver una muestra de piezas japonesas en la Exposición Internacional de 1878 en París empezó a realizar máscaras policromas con muecas terroríficas. En 1892 presentó una gran muestra en París; el ministro de Cultura francés y un museo de Hamburgo adquirieron obras suyas. Ese año se le concede la Legión de Honor. En 1893 realiza Faune, su escultura más famosa.  

La monja Marie-Anne Agnès Callamand, de las hermanas de la caridad de san Vicente de Paúl, había nacido en 1810 y murió en 1882 (con lo que el busto sería un homenaje póstumo) o en 1892. Como superiora, estaba a cargo del orfelinato donde vivieron Carriès, huérfano desde los seis años, sus dos hermanos y su hermana; cuidó de ellos y, al ver que el pequeño Jean-Joseph tenía talento artístico, lo puso de aprendiz con el escultor Pierre Vermare, dedicado a la creación de objetos devocionales; más adelante marcharía a París. Su hermana, que se hizo novicia, murió a temprana edad en 1876. Carriès ejecutó un busto de ella titulado La novice.

La exposición Jean-Joseph Carriès, la matière de l`étrange, celebrada en el Petit Palais de París en 2007-08, dedicó una galería a esta etapa temprana de la vida del artista en Lyon; en ella figuraba otro busto de la monja titulado La réligieuse (Musée de la Ville de Paris).

 

5 Paul Manes (estadounidense, 1948)
The Entry of Christ in New York, 1993-2006, óleo sobre lienzo
CRP250

Nace en Austin, Texas (EE UU). Se gradúa en Empresariales en la Lamar University (Beaumont) y en Bellas Artes en el Hunter College de Nueva York. Desde 1985, fecha de una muestra colectiva en la galería Kouros, muestra su obra en museos y galerías de EE UU, Italia, Francia y Alemania. Ha trabajado en el ámbito de la abstracción y de la figuración; no hace distinciones entre ambas. Alejado de las tendencias artísticas en boga, se inspira en creadores como Goya, el Bosco, Velázquez, El Greco, Rembrandt, Cézanne, Pollock o Rauschenberg. “El presente está conectado con el pasado y se convierte en una proyección hacia el futuro, donde la tradición se encuentra con la innovación y el mundo se desbloquea y se vuelve líquido y gaseoso y las formas se transforman en nuevas formas”, declara. Tras más de 30 años en Nueva York, en 2014 se traslada a Carbondale (Colorado). Actualmente hay obras suya en el MoMA, Solomon R. Guggenheim, Houston Museum of Fine Arts, Detroit Institute of Arts o Art Museum of Southwest Texas. En 2016 es incluido en la muestra Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.  

Su título y concepción aluden a la obra del belga James Ensor La entrada de Cristo en Bruselas (1889), con sus caras transformadas en máscaras y su aire de farsa grotesca. 

 

6 Paul Manes (estadounidense, 1948)
La noche oscura, 2008, óleo sobre lienzo
CRP252

 

7 Gustave Moreau (francés, 1826-1898) 
La Chimèrec. 1856, tinta china sobre papel
CRP003

El artista más importante del simbolismo francés nació en París y fue discípulo del ecléctico Chassériau, cuyas pinturas de diosas de mar le impresionaron profundamente. Es muy conocido por el erotismo de sus óleos y acuarelas de asuntos mitológicos y religiosos y por sus interpretaciones enigmáticas de figuras de la historia antigua y de la mitología, como Salomé o Edipo. Muestra un creciente interés por el exotismo y la violencia; sus colores luminosos, como de piedra preciosa, son realzados por una iluminación dramática. Fue profesor en la École des Beaux Arts y sus enseñanzas se hicieron muy populares; dio clase a destacados fauvistas, entre ellos Matisse y Rouault. Legó su casa y unas 8.000 obras al Estado francés; ahora forman el Musée Gustave Moreau en París.

Existen varias versiones del mismo asunto fechadas en 1867: dos al óleo sobre tabla (Colección Wildenstein y Fogg Art Museum de Cambridge, EE UU) y otra a la aguada, de hacia ese mismo año (ant. Colección Duruffé, expuesta en 1906); hacia 1879 añadirá una acuarela circular. La composición se repetirá también en un aguafuerte y esmaltes en los años 70 y en 1897. Moreau conocía la Quimera de Arezzo, obra etrusca en bronce. En vez del monstruo compuesto por un león, una cabra y un dragón, representa un centauro alado que se lanza al vacío desde un risco con una mujer colgada de su cuello. En las décadas de 1850 y 1860 el artista aún no se ha convertido en un creador de mitos y ésta es una de sus pocas obras dominadas por una fantasía desbordante. La Quimera es un tema caro a la imaginación en Francia por sus múltiples significados simbólicos y psicológicos; es frecuente en la literatura del siglo XIX desde el romanticismo hasta el simbolismo, pero menos en el arte. La interpretación de Moreau se halla próxima al poema de Théophile Gautier, aunque en él es un simbolo femenino y en el pintor es un personaje masculino. Éste arrastra a la mujer a la destrucción, sentido revelado en una nota de Moreau sobre los peligros de la fantasía. 

SALA 2

Vista de sala, con obras de Mellery (izq. y centro) y de Spilliaert

Vista de sala, con obras de Mellery (izq. y centro) y de Spilliaert.

1 Xavier Mellery, Au Béguinage. Pendant la prière du jour.

Xavier Mellery, Au Béguinage. Pendant la prière du jour.

3 Léon Spilliaert, Notre Dame au coeur

Léon Spilliaert, Notre Dame au coeur.

Paul Manes, The Entry of Christ into New York II.

Paul Manes, The Entry of Christ into New York II.

Paul Manes, La noche oscura

Paul Manes, La noche oscura.

SALAS 2

1 Xavier Mellery (belga, 1845-1921)
Au Béguinage. Pendant la prière du jour, 1890, carboncillo, tinta china y acuarela sobre papel
CRP010

Nace en Laken (Bélgica). Pintor, dibujante e ilustrador, se le considera el precursor del movimiento simbolista belga. Empieza a trabajar con Charles Albert, pintor decorador; se forma en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, principalmente con Jean-François Portaels. En 1870 obtiene el Premio de Roma y se va a estudiar la pintura del Renacimiento (le fascinan especialmente la Capilla Sixtina y Carpaccio). Diseña las 48 esculturas de los oficios históricos para el Petit Sablon de Bruselas. Entre sus discípulos destaca Fernand Khnopff. Hay obras suyas en los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica.

Artista cuyas preferencias se decantan por la representación de interiores, destaca en los de iglesias y conventos, muy adecuados para su gusto por las escenas recogidas, cercanas y familiares, pobladas por figuras tranquilas, en estas dos obras entregadas a sus quehaceres. En Durante la oración del día llama la atención que la única que está de frente no tenga cara, como tampoco la imagen del Cristo crucificado, que, curiosamente, posee mayor corporeidad que las planas figuras de las monjas. 

2 Xavier Mellery (belga, 1845-1921) 
L’Ouvroirc. 1890, lápiz sobre papel
CRP011

Este dibujo incluye una imagen religiosa similar al Cristo de la obra anterior; la atmósfera, realzada por la luz, es de gran sosiego y el silencio que emana es más plácido que el que domina la otra obra, algo misteriosa e inquietante. Las beguinas eran una orden femenina seglar fundada en los Países Bajos en el siglo XII; sus miembros hacían vida religiosa pero no se ligaban a votos estrictos y podían dejar la comunidad para contraer matrimonio. Se creía que su denominación tenía su origen en el apodo de su fundador, Lambert Bègue o Le Bègue, el tartamudo, sacerdote de Lieja. 

 

3 Léon Spilliaert (belga, 1881-1946)
Notre Dame au coeur, 1907, aguada de tinta china, acuarela y lápiz de color sobre papel 
CRP030

Nace en Ostende (Bélgica). Su formación es autodidacta; en su juventud dibuja escenas de la vida cotidiana en zonas rurales de Bélgica. Su estilo es simbolista y expresionista; se caracterizará por los tonos oscuros, la atmósfera de pesadilla y unos sentimientos de angustia y soledad; revela influencia de artistas como Munch y Khnopff. Utiliza la acuarela, el gouache, el pastel y mezclas de técnicas. En su época madura pinta el mar en obras más coloristas. Es autor, sobre todo en los comienzos del siglo XX, de numerosos autorretratos en tonos que tienden a la monocromía como la mayor parte de su producción, conservada principalmente en los museos de Ostende y Bruselas; también hay obras suyas en el Musée d’Orsay.  

Esta extraña obra se inserta en el género más cultivado por el artista después del retrato y el paisaje: la naturaleza muerta. Se diría que reproduce alguna imagen que hubiera visto ocasionalmente y le hubiese chocado por el añadido de lo que parece ser un exvoto o una ofrenda, un colgante en figura de corazón. Se podría aventurar un análisis en relación con su tendencia a lo alucinatorio y siniestro, que halla cumplida expresión en su entusiasmo por Poe, quien junto con Nietzsche y el simbolista belga Maeterlinck ejerció notable influencia sobre él.    

 

4 Jean-Joseph Carriès (francés,1855-1894) 
La Mère Callamand, c. 1888, escayola patinada en madera vieja
CRP009

Escultor, ceramista y miniaturista nacido en Lyon. En 1864 fue a París a estudiar en la École des Beaux-Arts con Augustin-Alexandre Dumont. Expuso por primera vez en los Salones parisienses de 1879 y 1881. Después de ver una muestra de piezas japonesas en la Exposición Internacional de 1878 en París empezó a realizar máscaras policromas con muecas terroríficas. En 1892 presentó una gran muestra en París; el ministro de Cultura francés y un museo de Hamburgo adquirieron obras suyas. Ese año se le concede la Legión de Honor. En 1893 realiza Faune, su escultura más famosa.  

La monja Marie-Anne Agnès Callamand, de las hermanas de la caridad de san Vicente de Paúl, había nacido en 1810 y murió en 1882 (con lo que el busto sería un homenaje póstumo) o en 1892. Como superiora, estaba a cargo del orfelinato donde vivieron Carriès, huérfano desde los seis años, sus dos hermanos y su hermana; cuidó de ellos y, al ver que el pequeño Jean-Joseph tenía talento artístico, lo puso de aprendiz con el escultor Pierre Vermare, dedicado a la creación de objetos devocionales; más adelante marcharía a París. Su hermana, que se hizo novicia, murió a temprana edad en 1876. Carriès ejecutó un busto de ella titulado La novice.

La exposición Jean-Joseph Carriès, la matière de l`étrange, celebrada en el Petit Palais de París en 2007-08, dedicó una galería a esta etapa temprana de la vida del artista en Lyon; en ella figuraba otro busto de la monja titulado La réligieuse (Musée de la Ville de Paris).

 

5 Paul Manes (estadounidense, 1948)
The Entry of Christ in New York, 1993-2006, óleo sobre lienzo
CRP250

Nace en Austin, Texas (EE UU). Se gradúa en Empresariales en la Lamar University (Beaumont) y en Bellas Artes en el Hunter College de Nueva York. Desde 1985, fecha de una muestra colectiva en la galería Kouros, muestra su obra en museos y galerías de EE UU, Italia, Francia y Alemania. Ha trabajado en el ámbito de la abstracción y de la figuración; no hace distinciones entre ambas. Alejado de las tendencias artísticas en boga, se inspira en creadores como Goya, el Bosco, Velázquez, El Greco, Rembrandt, Cézanne, Pollock o Rauschenberg. “El presente está conectado con el pasado y se convierte en una proyección hacia el futuro, donde la tradición se encuentra con la innovación y el mundo se desbloquea y se vuelve líquido y gaseoso y las formas se transforman en nuevas formas”, declara. Tras más de 30 años en Nueva York, en 2014 se traslada a Carbondale (Colorado). Actualmente hay obras suya en el MoMA, Solomon R. Guggenheim, Houston Museum of Fine Arts, Detroit Institute of Arts o Art Museum of Southwest Texas. En 2016 es incluido en la muestra Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.  

Su título y concepción aluden a la obra del belga James Ensor La entrada de Cristo en Bruselas (1889), con sus caras transformadas en máscaras y su aire de farsa grotesca. 

 

6 Paul Manes (estadounidense, 1948)
La noche oscura, 2008, óleo sobre lienzo
CRP252

 

7 Gustave Moreau (francés, 1826-1898) 
La Chimèrec. 1856, tinta china sobre papel
CRP003

El artista más importante del simbolismo francés nació en París y fue discípulo del ecléctico Chassériau, cuyas pinturas de diosas de mar le impresionaron profundamente. Es muy conocido por el erotismo de sus óleos y acuarelas de asuntos mitológicos y religiosos y por sus interpretaciones enigmáticas de figuras de la historia antigua y de la mitología, como Salomé o Edipo. Muestra un creciente interés por el exotismo y la violencia; sus colores luminosos, como de piedra preciosa, son realzados por una iluminación dramática. Fue profesor en la École des Beaux Arts y sus enseñanzas se hicieron muy populares; dio clase a destacados fauvistas, entre ellos Matisse y Rouault. Legó su casa y unas 8.000 obras al Estado francés; ahora forman el Musée Gustave Moreau en París.

Existen varias versiones del mismo asunto fechadas en 1867: dos al óleo sobre tabla (Colección Wildenstein y Fogg Art Museum de Cambridge, EE UU) y otra a la aguada, de hacia ese mismo año (ant. Colección Duruffé, expuesta en 1906); hacia 1879 añadirá una acuarela circular. La composición se repetirá también en un aguafuerte y esmaltes en los años 70 y en 1897. Moreau conocía la Quimera de Arezzo, obra etrusca en bronce. En vez del monstruo compuesto por un león, una cabra y un dragón, representa un centauro alado que se lanza al vacío desde un risco con una mujer colgada de su cuello. En las décadas de 1850 y 1860 el artista aún no se ha convertido en un creador de mitos y ésta es una de sus pocas obras dominadas por una fantasía desbordante. La Quimera es un tema caro a la imaginación en Francia por sus múltiples significados simbólicos y psicológicos; es frecuente en la literatura del siglo XIX desde el romanticismo hasta el simbolismo, pero menos en el arte. La interpretación de Moreau se halla próxima al poema de Théophile Gautier, aunque en él es un simbolo femenino y en el pintor es un personaje masculino. Éste arrastra a la mujer a la destrucción, sentido revelado en una nota de Moreau sobre los peligros de la fantasía. 

SALA 3

Vista de sala con el Gesú de Longobardi en el centro y obras de Vanriet y De Cock en paneles.

Vista de sala con el Gesú de Longobardi en el centro y obras de Vanriet y De Cock en paneles.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Maria Roosen, Red Roosenary.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Koen De Cock, Laying Man 1.

Koen De Cock, Laying Man 1.

SALA 3 

 

1 Andrew Tift (inglés, 1968)
22 Years Later (díptico), 2016, acrílico sobre lienzo
CRP383

Pintor realista figurativo, especializado en el retrato, nace en Walsall (Inglaterra), estudia en el Stafford College of Art y se gradúa en la University of Central England. En 1995 expone Sayonara Pet en la National Portrait Gallery de Londres, serie basada en los trabajadores de la industria japonesa del automóvil, y gana el BP Travel Award. En 1998 retrata a Tony Benn, miembro laborista de la Cámara de los Comunes. En 2003 es invitado por Andreeva, su galería en Santa Fe (Nuevo México), a explorar la región y hacer retratos de sus gentes -nativos americanos, hippies, vaqueros y veteranos de Vietnam- que expone en EE UU en 2004. Sus obras se exhiben con regularidad en el concurso anual BP Portrait Award. En 2006 obtiene el primer premio por su tríptico de Kitty Garman, primera esposa de Lucien Freud; otros galardones suyos son el del Festival de Japón, el de Pintura Europea en el Museo Frissiras en Atenas y el del Grupo Emerson (Academia de Bellas Artes de Manchester). En 2009 presenta Portraits, trabajos inspirados en sus viajes por Nuevo México y Tokio, en Plus One Gallery (Londres). En 2018 expone en The New Art Gallery de Walsall.

 

2 Nino Longobardi (italiano, 1953)
Gesù, 2018, resina y latón
CRP389

Nace en Nápoles (Italia). De formación autodidacta, en 1968 conoce al galerista Lucio Amelio y a críticos y artistas como Carlo Alfano y Joseph Beuys, que le influirán. Su obra se centra en la figura masculina, con pocos trazos sintéticos y una paleta cromática reducida. Con el dibujo, la pintura y la escultura explora temas como el cuerpo, la muerte y el peso del pasado. En 1978 celebra su primera individual en el estudio de Gianni Pisani, a la que siguen distintas muestras en la galería de Amelio. En noviembre de 1980, el terremoto de Irpinia, que produce importantes daños en Nápoles, añade un sentido trágico a sus creaciones; explora el poder destructivo de la naturaleza y colabora con Amelio en la gran exposición Terrae Motus en torno al tema del terremoto, con obras de más de 50 destacados artistas internacionales. En 1982 participa en la colectiva Italian Art Now: an American Perspective (Guggenheim de Nueva York) y en Avanguardia Trasavanguardia (Murallas Aurelianas en Roma). En 1983 presenta su trabajo en la Fundación Joan Miró de Barcelona. En 1998 expone en el Palacio Real de Milán y en 1999 en el Castel Nuovo napolitano; en 2000, en la Galería Cívica de Módena; en 2001, en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles y en 2013 en el Nacional de Capodimonte.

 

3 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Moments before the flood, Stonehaven, UK, 2009, impresión en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond, edición 5
CRP328

Nace en Schoten (Amberes, Bélgica). Estudia fotografía en la Academia de Gante. En 1982 comienza su carrera como fotógrafo independiente y es uno de los fundadores de la galería de fotos XYZ. Entre 1982 y 1989 enseña en la Real Academia de Bellas Artes de Gante, en el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes y en la Escuela de Artes Decorativas de París. En 1994 entra en la agencia Magnum. En el tríptico Trinity (2007) trata el poder y la violencia en el mundo; en Congo (2009) rememora el espíritu del país antes de su independencia; con Momentos antes de la inundación (2012) alerta de los peligros del calentamiento global: en la serie Cuba, la lucha (2015), expuesta en la galería Roberto Polo (Bruselas), analiza la lenta transición del comunismo a una mentalidad más capitalista. También se ha adentrado en los campos de trabajo de Siberia, en la vida cotidiana de India, en la Rusia de antes y después de la caída del Muro o en el entorno de la delincuencia juvenil en Flandes. Ha recibido el Premio del Libro del Festival de Arles (1990), el W. Eugene Smith (1990) y el Kodak (1992). En 2012 es elegido miembro de la Real Academia de Artes y Ciencias de Bruselas. Expone su trabajo en galerías y museos de todo el mundo.

 

4 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Red Roosenary, 2008, cristal, cuerda de escalada y talla de Virgen del siglo XVI
CRP312

Nace en Oisterwijk (Holanda). ​Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. ​Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.

Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.

 

5 Jan Vanriet (belga, 1948)
Marrano, Trace (Black), 2002, óleo sobre lienzo
CRP265

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas, 1082 en París y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta  Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros.

 

6 Jan Vanriet (belga, 1948) 
Berlin, The Salute, 2014, óleo sobre lienzo
CRP269

 

7 Koen De Cock (belga, 1978)
Laying Man 1, 2014, óleo sobre lienzo
CRP291

Nace en Gante (Bélgica); afincado en su ciudad natal, aunque actualmente trabaja como artista y profesor de arte en Shanghai. Se graduó en escultura en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, estudió un año en la Academia de Bellas Artes de Tianjin (China) y otro en la de Tbilisi (Georgia) como estudiante de posgrado. En 2013, Shepherds, su primera individual en la galería Roberto Polo Gallery, destacó por su originalidad, por su tema, a un tiempo clásico y singular, y su técnica de acuarela sobre papel que combinaba rigor e imaginación. Luego presentó su directa sucesora, Hermits & Wrestlers, pinturas al óleo sobre lienzo. Ambos títulos aluden a su tema predilecto, el desnudo masculino luchando por fundirse con una naturaleza exuberante e ilimitada. Es admirador de Durero, Cranach el Viejo y Paulus Pontius, artistas en los que tiene presencia lo miguelangelesco; Pontius representaba partes del cuerpo de una manera tan extrema e irreal que adquirían vida propia y se convirtieron en modelo para artistas posteriores. De Cock las ha copiado para entender las transformaciones anatómicas de Pontius; este aprendizaje requería rigor técnico e imitar la línea grabada. Sus desnudos están simbiótica y simbólicamente integrado en la naturaleza, su anatomía desmembrada y a menudo luchando violentamente entre ellos.

SALA 3

Vista de sala con el Gesú de Longobardi en el centro y obras de Vanriet y De Cock en paneles.

Vista de sala con el Gesú de Longobardi en el centro y obras de Vanriet y De Cock en paneles.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Maria Roosen, Red Roosenary.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Koen De Cock, Laying Man 1.

Koen De Cock, Laying Man 1.

SALA 3

1 Andrew Tift (inglés, 1968)
22 Years Later (díptico), 2016, acrílico sobre lienzo
CRP383

Pintor realista figurativo, especializado en el retrato, nace en Walsall (Inglaterra), estudia en el Stafford College of Art y se gradúa en la University of Central England. En 1995 expone Sayonara Pet en la National Portrait Gallery de Londres, serie basada en los trabajadores de la industria japonesa del automóvil, y gana el BP Travel Award. En 1998 retrata a Tony Benn, miembro laborista de la Cámara de los Comunes. En 2003 es invitado por Andreeva, su galería en Santa Fe (Nuevo México), a explorar la región y hacer retratos de sus gentes -nativos americanos, hippies, vaqueros y veteranos de Vietnam- que expone en EE UU en 2004. Sus obras se exhiben con regularidad en el concurso anual BP Portrait Award. En 2006 obtiene el primer premio por su tríptico de Kitty Garman, primera esposa de Lucien Freud; otros galardones suyos son el del Festival de Japón, el de Pintura Europea en el Museo Frissiras en Atenas y el del Grupo Emerson (Academia de Bellas Artes de Manchester). En 2009 presenta Portraits, trabajos inspirados en sus viajes por Nuevo México y Tokio, en Plus One Gallery (Londres). En 2018 expone en The New Art Gallery de Walsall.

 

2 Nino Longobardi (italiano, 1953)
Gesù, 2018, resina y latón
CRP389

Nace en Nápoles (Italia). De formación autodidacta, en 1968 conoce al galerista Lucio Amelio y a críticos y artistas como Carlo Alfano y Joseph Beuys, que le influirán. Su obra se centra en la figura masculina, con pocos trazos sintéticos y una paleta cromática reducida. Con el dibujo, la pintura y la escultura explora temas como el cuerpo, la muerte y el peso del pasado. En 1978 celebra su primera individual en el estudio de Gianni Pisani, a la que siguen distintas muestras en la galería de Amelio. En noviembre de 1980, el terremoto de Irpinia, que produce importantes daños en Nápoles, añade un sentido trágico a sus creaciones; explora el poder destructivo de la naturaleza y colabora con Amelio en la gran exposición Terrae Motus en torno al tema del terremoto, con obras de más de 50 destacados artistas internacionales. En 1982 participa en la colectiva Italian Art Now: an American Perspective (Guggenheim de Nueva York) y en Avanguardia Trasavanguardia (Murallas Aurelianas en Roma). En 1983 presenta su trabajo en la Fundación Joan Miró de Barcelona. En 1998 expone en el Palacio Real de Milán y en 1999 en el Castel Nuovo napolitano; en 2000, en la Galería Cívica de Módena; en 2001, en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles y en 2013 en el Nacional de Capodimonte.

 

3 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Moments before the flood, Stonehaven, UK, 2009, impresión pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond, edición 5
CRP328

Nace en Schoten (Amberes, Bélgica). Estudia fotografía en la Academia de Gante. En 1982 comienza su carrera como fotógrafo independiente y es uno de los fundadores de la galería de fotos XYZ. Entre 1982 y 1989 enseña en la Real Academia de Bellas Artes de Gante, en el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes y en la Escuela de Artes Decorativas de París. En 1994 entra en la agencia Magnum. En el tríptico Trinity (2007) trata el poder y la violencia en el mundo; en Congo (2009) rememora el espíritu del país antes de su independencia; con Momentos antes de la inundación (2012) alerta de los peligros del calentamiento global: en la serie Cuba, la lucha (2015), expuesta en la galería Roberto Polo (Bruselas), analiza la lenta transición del comunismo a una mentalidad más capitalista. También se ha adentrado en los campos de trabajo de Siberia, en la vida cotidiana de India, en la Rusia de antes y después de la caída del Muro o en el entorno de la delincuencia juvenil en Flandes. Ha recibido el Premio del Libro del Festival de Arles (1990), el W. Eugene Smith (1990) y el Kodak (1992). En 2012 es elegido miembro de la Real Academia de Artes y Ciencias de Bruselas. Expone su trabajo en galerías y museos de todo el mundo.

 

4 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Red Roosenary, 2008, cristal, cuerda de escalada y talla de Virgen del siglo XVI
CRP312

Nace en Oisterwijk (Holanda). ​Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. ​Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.

Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.

 

5 Jan Vanriet (belga, 1948)
Marrano, Trace (Black), 2002, óleo sobre lienzo
CRP265

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas, 1082 en París y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta  Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros.

 

6 Jan Vanriet (belga, 1948) 
Berlin, The Salute, 2014, óleo sobre lienzo/ oil on canvas
CRP269

 

7 Koen De Cock (belga, 1978)
Laying Man 1, 2014, óleo sobre lienzo
CRP291

Nace en Gante (Bélgica); afincado en su ciudad natal, aunque actualmente trabaja como artista y profesor de arte en Shanghai. Se graduó en escultura en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, estudió un año en la Academia de Bellas Artes de Tianjin (China) y otro en la de Tbilisi (Georgia) como estudiante de posgrado. En 2013, Shepherds, su primera individual en la galería Roberto Polo Gallery, destacó por su originalidad, por su tema, a un tiempo clásico y singular, y su técnica de acuarela sobre papel que combinaba rigor e imaginación. Luego presentó su directa sucesora, Hermits & Wrestlers, pinturas al óleo sobre lienzo. Ambos títulos aluden a su tema predilecto, el desnudo masculino luchando por fundirse con una naturaleza exuberante e ilimitada. Es admirador de Durero, Cranach el Viejo y Paulus Pontius, artistas en los que tiene presencia lo miguelangelesco; Pontius representaba partes del cuerpo de una manera tan extrema e irreal que adquirían vida propia y se convirtieron en modelo para artistas posteriores. De Cock las ha copiado para entender las transformaciones anatómicas de Pontius; este aprendizaje requería rigor técnico e imitar la línea grabada. Sus desnudos están simbiótica y simbólicamente integrado en la naturaleza, su anatomía desmembrada y a menudo luchando violentamente entre ellos.

SALAS 4 y 5

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Arturo Casanova, Famiglia Modigliani, omaggio ad Amedeo.

Ivan Liun, Carpintero.

Ivan Kliun, Carpintero.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Rossella Vasta, Holzwege (políptico).

Maria Roosen, Red Roosenary.

Rossella Vasta, Holzwege (políptico) (2).

SALA 4

 

1 Ivan Kliun (ruso, 1873-1943)
Carpintero, 1915, assemblage
CRP046 

Nace en Bolshie Gorki e inicia su formación artística en Kiev. En Moscú asiste a los estudios privados de Rerberg, Fisher e Ilia Mashkov. En 1910 entra en contacto con la Unión de la Juventud y participa en su última exposición (San Petersburgo, 1913-1914); en esa época empieza a trabajar en tres dimensiones con esculturas y relieves de inspiración cubofuturista como Paisaje que pasa rápidamente. Entabla amistad con Malevich y Matiushin; en 1915 apoya el suprematismo. Colabora en la revista de Malevich y participa en varias exposiciones importantes: Tranvía V (Petrogrado, 1915), 0.10 (Petrogrado, 1916), El Almacén (Moscú, 1916) y Sota de Diamantes (Moscú 1916). En 1918 colabora en la decoración de Moscú para el primer aniversario de la Revolución. De 1918 a 1921 dirige la Oficina Central de Exposiciones del Departamento de Bellas Artes del Gobierno; a la vez da clases en los Estudios Libres de Arte del Estado y en los VKhUTEMAs (Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado) moscovitas. En 1924 entra a formar parte del grupo Cuatro Artes, lo que marca su alejamiento del suprematismo a mediados de los veinte para ir hacia un estilo figurativo caracterizado por la similitud con Ozenfant y Le Corbusier. Se conservan obras suyas en el MoMA, Los Angeles County Museum y el Thyssen-Bornemisza de Madrid.  

La obra, firmada, fechada e inscrita en el lateral derecho, abajo, con el título (Pilshchik, aserrador) en cirílico (ПИъщик / I. Kliun 1915), está compuesta por objetos encontrados en madera natural y pintada, metal y metal pintado. Kliun era hijo de un carpintero de Bolshiye Gorki, una aldea cerca de Moscú. Expuso su escultura por primera vez en 0.10: La última exposición futurista. Hasta donde sabemos, de las 16 esculturas que expuso sólo se han conservado cuatro; una de ellas es Carpintero; otra, sin título pero mencionada como Cabeza de campesino, se encuentra en colección particular española; las otras dos, Relieve suprematista con elementos de volumen y El músico, se conservan en la Galería Trétiakov de Moscú. 

El título hace referencia al oficio del padre de Kliun. Los dientes y la sierra se asemejan a los que aparecen en otras obras del artista: las pinturas Autorretrato con sierra, de hacia 1914 (Galería Estatal Trétiakov, Moscú), y Cabeza cubo-futurista de hombre con sierra, de 1914 (Museo Astrakhanskiy, Astracán), y el dibujo sobre papel Retrato de Kazimir Malevich, su mejor amigo, de hacia 1914 (colección particular). Irónicamente, las pinturas de Kazimir Malevich Retrato de  Ivan Kliun, de 1911, y Retrato perfeccionado de Ivan Vasilievich Kliun, de 1913, representan a Kliun con sierras. Es casi como si el oficio de su padre hubiera estigmatizado su imagen.

Ivan Vasilievich Kliun la regaló en los años veinte a Elisaweta Orechova, bailarina de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev antes de 1927. La hija de Orechova, Irena Voutke, la vendió en 1992 a un coleccionista privado holandés. Acompaña la escultura un informe de datación por carbono 14 emitido por el Institut Royal du Patrimoine Artistique, Bruselas.

 

2 Ernest Trova (estadounidense, 1927-2009)
Falling Man (Series No. 89), 1963, acrílico sobre lienzo
CRP224

Nace en Clayton (Missouri). Pintor y escultor autodidacta, a los 20 años obtiene el primer premio en la Exposición de Missouri con su pintura parcialmente goteada Roman Boy; la revista Life le dedica una página. Le influyen Willem de Kooning y el poeta Ezra Pound, pero no se adscribe a ningún movimiento. En 1964 crea su serie más famosa, The Falling Man. Su hombre imperfecto y vulnerable, sin brazos y panzudo, aparece en esculturas, pinturas y grabados. Expone en distintas ediciones de la Bienal de Whitney y de Venecia, y en la Documenta de Kassel (Alemania). En 1969, el New York Times lo proclama uno de los mejores escultores norteamericanos modernos. Su trabajo se muestra en el MoMA, el Guggenheim y el Whitney Museum of American Art (Nueva York); el Walker Art Center en Minneapolis o la Tate Modern de Londres. Durante más de 20 años es representado por la célebre Galería Pace (Nueva York); en 1984 la dejó e inició una serie de decisiones erróneas –encaminadas a hacer producciones masivas y comerciales de sus trabajos- que lo condujeron a una etapa final de decadencia y olvido.

 

3 Arturo Casanova (italiano, 1966)
Torre mística (políptico de 24 elementos), 2008-17, óleo sobre lienzo y tinta sobre papel montado sobre lienzo 
CRP301

Nace en Caserta (Campania, Italia). De formación autodidacta, se inicia a principios de los 90 en la figuración, pero desde 1995 se centra en la creación de piezas abstractas monocromas, con predilección por el azul. Cultiva la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación, el diseño y el videoarte para expresar realidades trascendentes, cercanas a la experiencia mística, “a la dimensión sagrada del arte en oposición a cualquier atracción decorativa superficial (…) ofreciendo al espectador una experiencia de calma y oración”, como indica la crítica Barbara Rose. En 2003 participa en la XIV Quadriennale d’Arte di Roma; en 2004, en Monocromos: de Malevich al presente en el Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); en 2005 presenta su trabajo en el Museo MACIA en San José (Costa Rica); en 2011 representa a su país en la 54 Bienal de Venecia con la obra monumental en bronce L’elmo di Fieramosca, que posteriormente se instala en la Piazza Umberto I de Capua, ciudad donde el artista vive y trabaja.

 

SALA 5 

 

4 Rossella Vasta (italiana, 1962) 
Holzwege (octáptico), Graal, 1997, óleo sobre lienzo
CRP288

Nace en Palermo (Italia), pero la familia se traslada pronto a Umbría. Es una artista autodidacta. En 1987 se gradúa en Filosofía por la Universidad de Perugia; su tesis se titula “Educación visual para el desarrollo de la personalidad creativa”. Vive unos años en EE UU y en 1997 presenta su trabajo artístico en el Palazzo della Penna de Perugia junto con otras creadoras. En 1999 marcha a Alemania y ejecuta, en la abadía cisterciense de Marienstatt, una serie de obras que se exhibirán en el Museo de Bochum. En 2003 obtiene el primer premio de pintura en la Bienal de Florencia. Académica y miembro de la Junta de Directores de la Academia de Bellas Artes Pietro Vannucci de Perugia, su obra se ha expuesto en galerías y museos de dentro y fuera de Italia. Su trabajo más conocido es Table of Silence, ideado en 2007. Se compone de cien platos de cerámica que se repiten como un mantra y nos invitan a reflexionar sobre el hecho de que todos compartimos el mismo espacio en la tierra y estamos invitados a la misma mesa. La pieza se ha expuesto en distintos países, en colaboración con artistas de cada uno, que se convierten en anfitriones.

 

5 Arturo Casanova (italiano, 1966)
Famiglia Modigliani, omaggio ad Amedeo, 2009, mármol
CRP302

Nace en Caserta (Campania, Italia). De formación autodidacta, se inicia a principios de los 90 en la figuración, pero desde 1995 se centra en la creación de piezas abstractas monocromas, con predilección por el azul. Cultiva la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación, el diseño y el videoarte para expresar realidades trascendentes, cercanas a la experiencia mística, “a la dimensión sagrada del arte en oposición a cualquier atracción decorativa superficial (…) ofreciendo al espectador una experiencia de calma y oración”, como indica la crítica Barbara Rose. En 2003 participa en la XIV Quadriennale d’Arte di Roma; en 2004, en Monocromos: de Malevich al presente en el Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); en 2005 presenta su trabajo en el Museo MACIA en San José (Costa Rica); en 2011 representa a su país en la 54 Bienal de Venecia con la obra monumental en bronce L’elmo di Fieramosca, que posteriormente se instala en la Piazza Umberto I de Capua, ciudad donde el artista vive y trabaja.

SALAS 4 y 5

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Arturo Casanova, Famiglia Modigliani, omaggio ad Amedeo.

Ivan Liun, Carpintero.

Ivan Kliun, Carpintero.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Rossella Vasta, Holzwege (políptico).

Maria Roosen, Red Roosenary.

Rossella Vasta, Holzwege (políptico) (2).

SALA 4

1 Ivan Kliun (ruso, 1873-1943)
Carpintero, 1915, assemblage
CRP046 

Nace en Bolshie Gorki e inicia su formación artística en Kiev. En Moscú asiste a los estudios privados de Rerberg, Fisher e Ilia Mashkov. En 1910 entra en contacto con la Unión de la Juventud y participa en su última exposición (San Petersburgo, 1913-1914); en esa época empieza a trabajar en tres dimensiones con esculturas y relieves de inspiración cubofuturista como Paisaje que pasa rápidamente. Entabla amistad con Malevich y Matiushin; en 1915 apoya el suprematismo. Colabora en la revista de Malevich y participa en varias exposiciones importantes: Tranvía V (Petrogrado, 1915), 0.10 (Petrogrado, 1916), El Almacén (Moscú, 1916) y Sota de Diamantes (Moscú 1916). En 1918 colabora en la decoración de Moscú para el primer aniversario de la Revolución. De 1918 a 1921 dirige la Oficina Central de Exposiciones del Departamento de Bellas Artes del Gobierno; a la vez da clases en los Estudios Libres de Arte del Estado y en los VKhUTEMAs (Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado) moscovitas. En 1924 entra a formar parte del grupo Cuatro Artes, lo que marca su alejamiento del suprematismo a mediados de los veinte para ir hacia un estilo figurativo caracterizado por la similitud con Ozenfant y Le Corbusier. Se conservan obras suyas en el MoMA, Los Angeles County Museum y el Thyssen-Bornemisza de Madrid.  

La obra, firmada, fechada e inscrita en el lateral derecho, abajo, con el título (Pilshchik, aserrador) en cirílico (ПИъщик / I. Kliun 1915), está compuesta por objetos encontrados en madera natural y pintada, metal y metal pintado. Kliun era hijo de un carpintero de Bolshiye Gorki, una aldea cerca de Moscú. Expuso su escultura por primera vez en 0.10: La última exposición futurista. Hasta donde sabemos, de las 16 esculturas que expuso sólo se han conservado cuatro; una de ellas es Carpintero; otra, sin título pero mencionada como Cabeza de campesino, se encuentra en colección particular española; las otras dos, Relieve suprematista con elementos de volumen y El músico, se conservan en la Galería Trétiakov de Moscú. 

El título hace referencia al oficio del padre de Kliun. Los dientes y la sierra se asemejan a los que aparecen en otras obras del artista: las pinturas Autorretrato con sierra, de hacia 1914 (Galería Estatal Trétiakov, Moscú), y Cabeza cubo-futurista de hombre con sierra, de 1914 (Museo Astrakhanskiy, Astracán), y el dibujo sobre papel Retrato de Kazimir Malevich, su mejor amigo, de hacia 1914 (colección particular). Irónicamente, las pinturas de Kazimir Malevich Retrato de  Ivan Kliun, de 1911, y Retrato perfeccionado de Ivan Vasilievich Kliun, de 1913, representan a Kliun con sierras. Es casi como si el oficio de su padre hubiera estigmatizado su imagen.

Ivan Vasilievich Kliun la regaló en los años veinte a Elisaweta Orechova, bailarina de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev antes de 1927. La hija de Orechova, Irena Voutke, la vendió en 1992 a un coleccionista privado holandés. Acompaña la escultura un informe de datación por carbono 14 emitido por el Institut Royal du Patrimoine Artistique, Bruselas.

 

2 Ernest Trova (estadounidense, 1927-2009)
Falling Man (Series No. 89), 1963, acrílico sobre lienzo
CRP224

Nace en Clayton (Missouri). Pintor y escultor autodidacta, a los 20 años obtiene el primer premio en la Exposición de Missouri con su pintura parcialmente goteada Roman Boy; la revista Life le dedica una página. Le influyen Willem de Kooning y el poeta Ezra Pound, pero no se adscribe a ningún movimiento. En 1964 crea su serie más famosa, The Falling Man. Su hombre imperfecto y vulnerable, sin brazos y panzudo, aparece en esculturas, pinturas y grabados. Expone en distintas ediciones de la Bienal de Whitney y de Venecia, y en la Documenta de Kassel (Alemania). En 1969, el New York Times lo proclama uno de los mejores escultores norteamericanos modernos. Su trabajo se muestra en el MoMA, el Guggenheim y el Whitney Museum of American Art (Nueva York); el Walker Art Center en Minneapolis o la Tate Modern de Londres. Durante más de 20 años es representado por la célebre Galería Pace (Nueva York); en 1984 la dejó e inició una serie de decisiones erróneas –encaminadas a hacer producciones masivas y comerciales de sus trabajos- que lo condujeron a una etapa final de decadencia y olvido.

 

3 Arturo Casanova (italiano, 1966)
Torre mística (políptico de 24 elementos), 2008-17, óleo sobre lienzo y tinta sobre papel montado sobre lienzo 
CRP301

Nace en Caserta (Campania, Italia). De formación autodidacta, se inicia a principios de los 90 en la figuración, pero desde 1995 se centra en la creación de piezas abstractas monocromas, con predilección por el azul. Cultiva la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación, el diseño y el videoarte para expresar realidades trascendentes, cercanas a la experiencia mística, “a la dimensión sagrada del arte en oposición a cualquier atracción decorativa superficial (…) ofreciendo al espectador una experiencia de calma y oración”, como indica la crítica Barbara Rose. En 2003 participa en la XIV Quadriennale d’Arte di Roma; en 2004, en Monocromos: de Malevich al presente en el Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); en 2005 presenta su trabajo en el Museo MACIA en San José (Costa Rica); en 2011 representa a su país en la 54 Bienal de Venecia con la obra monumental en bronce L’elmo di Fieramosca, que posteriormente se instala en la Piazza Umberto I de Capua, ciudad donde el artista vive y trabaja.

SALA 5

4 Rossella Vasta (italiana, 1962) 
Holzwege (octáptico), Graal, 1997, óleo sobre lienzo
CRP288

Nace en Palermo (Italia), pero la familia se traslada pronto a Umbría. Es una artista autodidacta. En 1987 se gradúa en Filosofía por la Universidad de Perugia; su tesis se titula “Educación visual para el desarrollo de la personalidad creativa”. Vive unos años en EE UU y en 1997 presenta su trabajo artístico en el Palazzo della Penna de Perugia junto con otras creadoras. En 1999 marcha a Alemania y ejecuta, en la abadía cisterciense de Marienstatt, una serie de obras que se exhibirán en el Museo de Bochum. En 2003 obtiene el primer premio de pintura en la Bienal de Florencia. Académica y miembro de la Junta de Directores de la Academia de Bellas Artes Pietro Vannucci de Perugia, su obra se ha expuesto en galerías y museos de dentro y fuera de Italia. Su trabajo más conocido es Table of Silence, ideado en 2007. Se compone de cien platos de cerámica que se repiten como un mantra y nos invitan a reflexionar sobre el hecho de que todos compartimos el mismo espacio en la tierra y estamos invitados a la misma mesa. La pieza se ha expuesto en distintos países, en colaboración con artistas de cada uno, que se convierten en anfitriones.

 

5 Arturo Casanova (italiano, 1966)
Famiglia Modigliani, omaggio ad Amedeo, 2009, mármol
CRP302

Nace en Caserta (Campania, Italia). De formación autodidacta, se inicia a principios de los 90 en la figuración, pero desde 1995 se centra en la creación de piezas abstractas monocromas, con predilección por el azul. Cultiva la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación, el diseño y el videoarte para expresar realidades trascendentes, cercanas a la experiencia mística, “a la dimensión sagrada del arte en oposición a cualquier atracción decorativa superficial (…) ofreciendo al espectador una experiencia de calma y oración”, como indica la crítica Barbara Rose. En 2003 participa en la XIV Quadriennale d’Arte di Roma; en 2004, en Monocromos: de Malevich al presente en el Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); en 2005 presenta su trabajo en el Museo MACIA en San José (Costa Rica); en 2011 representa a su país en la 54 Bienal de Venecia con la obra monumental en bronce L’elmo di Fieramosca, que posteriormente se instala en la Piazza Umberto I de Capua, ciudad donde el artista vive y trabaja.

CLAUSTRO

Vista general del claustro, con Miss Him de Annabelle Hyvrier en primer plano.

Vista general del claustro, con Miss Him de Annabelle Hyvrier en primer plano.

Ivan Liun, Carpintero.

Roberto Caracciolo, Teresa de Lisieux.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Juan Garaizábal, West gate of the Bohemian church, Berlin, nerve of steel.

CLAUSTRO

 

1, 2 y 3 Roberto Caracciolo (Italian, 1960)
Teresa de Ávila, Teresa de Lisieux, Juan de la Cruz, 2019, cerámica vidriada
CRP390

Nace en Nueva York; vive y trabaja en Roma. Estudia en el Instituto de Arte de Urbino y en la Studio School de Nueva York; a comienzos de los años 80 trabaja como ayudante de diseñador de escenografías con Dante Ferreti. Ha sido profesor o conferenciante en las Academias de Bellas Artes y otras instituciones de Turín, Perugia, Siena, Venecia, Nueva York, Chicago, Roma y Montecastello di Vibio. Entre 1999 y 2013 fue profesor adjunto en la Universidad de Nueva York en Florencia; entre 2007 y 2010 fue Arts Liaison de la Academia Americana en Roma, donde organizaba exposiciones.

 
4 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Miss Him, 2013, cedro y hierro
CRP349

Nace en Lyon (Francia). En 1995 se gradúa en la Real Academia de Bellas Artes, donde vive y trabaja desde 1989. Para sus esculturas utiliza sobre todo madera y bronce; son piezas monumentales que suelen evocar sensualidad y violencia. También emplea hierro, papel y cuentas de vidrio pintadas. Sus obras e instalaciones, ha señalado la crítica, “hablan con delicadeza y fuerza de un mundo que no es lo que parece y donde sus esculturas cobran vida gradualmente para contar una historia que no deja indiferente a nadie”. Empieza a exponer en 1996 y desde entonces su producción se muestra con regularidad en galerías y museos de Bélgica, París, Ginebra o Lyon. En 2005, tras superar un cáncer, reproduce en su escultura órganos vitales como el corazón y recrea una “máquina del llanto”. Hasta 2011 se dedica a la enseñanza de la escultura clásica en su academia La ligne d’horizon.

5 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Woman, 2012, cedro y hierro 
CRP345

6 Juan Garaizábal (español, 1971)
Puerta occidental de la iglesia bohemia de Berlín, nervio de acero, 2011, hierro
CRP343

Nace en Madrid. Se dedica al arte conceptual, a la escultura y al grabado. Cultiva también el dibujo, el videoarte y las instalaciones de luz y sonido. Es conocido internacionalmente por sus esculturas públicas monumentales. Con su proyecto “Memorias Urbanas” se propone recuperar elementos arquitectónicos desaparecidos utilizando estructuras escultóricas y luz. Estudió dibujo en IB67; luego siguió estudios superiores en CESEM (Reims). En la actualidad trabaja entre Berlín y Madrid desarrollando sus intervenciones conceptuales en espacios públicos. Realiza con sus propias manos la mayoría de los trabajos que le exigen sus obras, para lo cual aprendió técnicas de forja de hierro y acero, iluminación, carpintería, albañilería y materiales plásticos. Entre sus instalaciones públicas de memoria urbana destacan Bucarest (2007), Berlín (2012), Venecia (2013) o Miami-La Habana (2016).

 

CLAUSTRO

Vista general del claustro, con Miss Him de Annabelle Hyvrier en primer plano.

Ivan Liun, Carpintero.

Roberto Caracciolo, Teresa de Lisieux.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Juan Garaizábal, West gate of the Bohemian church, Berlin, nerve of steel.

CLAUSTRO

1, 2 y 3 Roberto Caracciolo (Italian, 1960)
Teresa de Ávila, Teresa de Lisieux, Juan de la Cruz, 2019, cerámica vidriada
CRP390

Nace en Nueva York; vive y trabaja en Roma. Estudia en el Instituto de Arte de Urbino y en la Studio School de Nueva York; a comienzos de los años 80 trabaja como ayudante de diseñador de escenografías con Dante Ferreti. Ha sido profesor o conferenciante en las Academias de Bellas Artes y otras instituciones de Turín, Perugia, Siena, Venecia, Nueva York, Chicago, Roma y Montecastello di Vibio. Entre 1999 y 2013 fue profesor adjunto en la Universidad de Nueva York en Florencia; entre 2007 y 2010 fue Arts Liaison de la Academia Americana en Roma, donde organizaba exposiciones.

 
4 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Miss Him, 2013, cedro y hierro
CRP349

Nace en Lyon (Francia). En 1995 se gradúa en la Real Academia de Bellas Artes, donde vive y trabaja desde 1989. Para sus esculturas utiliza sobre todo madera y bronce; son piezas monumentales que suelen evocar sensualidad y violencia. También emplea hierro, papel y cuentas de vidrio pintadas. Sus obras e instalaciones, ha señalado la crítica, “hablan con delicadeza y fuerza de un mundo que no es lo que parece y donde sus esculturas cobran vida gradualmente para contar una historia que no deja indiferente a nadie”. Empieza a exponer en 1996 y desde entonces su producción se muestra con regularidad en galerías y museos de Bélgica, París, Ginebra o Lyon. En 2005, tras superar un cáncer, reproduce en su escultura órganos vitales como el corazón y recrea una “máquina del llanto”. Hasta 2011 se dedica a la enseñanza de la escultura clásica en su academia La ligne d’horizon.

5 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Woman, 2012, cedro y hierro 
CRP345

6 Juan Garaizábal (español, 1971)
Puerta occidental de la iglesia bohemia de Berlín, nervio de acero, 2011, hierro
CRP343

Nace en Madrid. Se dedica al arte conceptual, a la escultura y al grabado. Cultiva también el dibujo, el videoarte y las instalaciones de luz y sonido. Es conocido internacionalmente por sus esculturas públicas monumentales. Con su proyecto “Memorias Urbanas” se propone recuperar elementos arquitectónicos desaparecidos utilizando estructuras escultóricas y luz. Estudió dibujo en IB67; luego siguió estudios superiores en CESEM (Reims). En la actualidad trabaja entre Berlín y Madrid desarrollando sus intervenciones conceptuales en espacios públicos. Realiza con sus propias manos la mayoría de los trabajos que le exigen sus obras, para lo cual aprendió técnicas de forja de hierro y acero, iluminación, carpintería, albañilería y materiales plásticos. Entre sus instalaciones públicas de memoria urbana destacan Bucarest (2007), Berlín (2012), Venecia (2013) o Miami-La Habana (2016).

 

SALA 6

Vista de sala con el Gesú de Longobardi en el centro y obras de Vanriet y De Cock en paneles.

Vista de la sala 6, con obras de Rottluf, Vantongerloo, Maes y otros.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Karl Schmidt-Rottluff, Sin título. 

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Marthe Donas, Le livre d’images.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Wassily Kandinsky, A Street in Murnau.

Georges Vantongerloo, Construction.

 Georges Vantongerloo, Construcción.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Eugène Delacroix, Femme de pêcheur à la plage.

SALA 6 

 

1 Joszef Rippl-Ronai (húngaro, 1861-1927)
Los jardines del Luxemburgo, c. 1898, bordado de lana sombreado al óleo sobre lienzo
CRP016

Nace en Kaposvár (Hungría). En 1884 marcha a Munich, como muchos de los artistas de su país antes de gravitar hacia París, a estudiar pintura y en 1886 a la capital francesa, donde es discípulo de Munkácsy, el realista húngaro más destacado. En 1888 recibe la influencia de los nabis. Vuelve a Hungría, donde se celebra una importante exposición de su producción de la década 1890-1900. Expone en Alemania y Austria con gran éxito. Realiza también trabajos de diseño de interiores, muebles y vidrieras. Se conservan pinturas suyas en la Galería Nacionalde Hungría (Budapest), National Gallery de Washington, Musée d’Orsay, el MoMA o los museos de Cleveland y Chicago.

Abajo a la derecha se ve el monograma R.

Rippl-Ronai era amigo íntimo de Aristide Maillol, que realizó varios bordados antes de convertirse en escultor. Maillol abandonó el bordado porque le había provocado ceguera durante varios meses. Inspirado por los bordados de Maillol, Rippl-Ronai dibujó a tinta en el reverso del lienzo, bordado posteriormente por su mujer. La influencia de Maillol es evidente en el uso del point lancé por Rippl-Ronai; sin embargo, los points lancés de Rippl-Ronai, con frecuencia realzados con pintura al óleo, son de lana y no de seda, más apretados y más planos que los de Maillol. Esto acentúa el carácter decorativo y artesanal de sus cuadros bordados. Maillol y Rippl-Ronai visitaron juntos el museo parisiense de Cluny para admirar los tapices del Renacimiento español, realizados en point lancé. En oposición a los colores delicados y los contrastes sutiles de Maillol, los colores de Rippl-Ronai son brillantes y sus contrastes marcado, lo que aumenta más aún su aire decorativo y artesanal. 

Como sus pinturas de hacia 1910, el estilo de los cuadros bordados de Rippl-Ronai se caracteriza por sus tonos verdes, amarillos, rojos y malvas, separados por negro o marrón; utilizaba colores especialmente contrastados que en 1898 no se atrevía a emplear en sus pinturas de la época -los rojos vivos de sus cuadros bordados contrastan fuertemente con sus amarillos, verdes y negros-, si bien los utilizará una década más tarde en pinturas como Je peins Lazarine et Anelle au jardin, Hepi et les autres ont chaud y Ambiance d’été au jardin de la villa Roma, de hacia 1910. La composición de colores de sus cuadros bordados es la siguiente: el verde es el color dominante, el amarillo el secundario, el rojo terciario y el malva el análogo. El fondo de estas obras es siempre verde (árboles) y amarillo (la luz que se filtra a través de ellos). 

 

2 Eugène Delacroix (francés, 1798-1863)
La mujer del pescador en la playa, c. 1843-45, óleo sobre lienzo
CRP002

El más grande de los pintores románticos franceses; su uso del color influyó en el desarrollo del impresionismo y el posimpresionismo. Nace en Charenton-Saint-Maurice, cerca de París; estudia con el famoso pintor académico Guérin y admira a Rubens, a Rafael, a los venecianos y a sus contemporáneos ingleses. Se inspira en acontecimientos históricos y contemporáneos, así como en la literatura; es gran lector y amigo de famosos escritores. En 1825 marcha a Londres y entabla relación con los pintores ingleses; la literatura inglesa le suministra también temas. En 1831 recibe la Legión de Honor; su cuadro más célebre, La Libertad guiando al pueblo, es adquirido por el Estado y expuesto en el Salón con enorme éxito. En 1832 viaja a Marruecos acompañando al embajador francés; descubre Oriente con su luz y sus colores y la experiencia le inspira escenas exóticas toda su vida. En 1839 viaja a los Países Bajos y estudia a fondo a Rubens. Durante tres décadas ejecuta numerosos ciclos decorativos en edificios oficiales e iglesias, sin dejar de enviar obras al Salón.

La firma “E.D.” es utilizada en ocasiones por el artista esos años, sobradamente consolidada su fama; antes prefería una forma más completa. El título reproduce el de una obra del Mesdag Museum (La Haya) atribuida a Jean-François Millet, probablemente inspirada en Delacroix; fue adquirida a un marchante antes de 1886 y se le han asignado fechas entre 1848 y 1855-60. La relación con Millet viene de un préstamo de la obra del Mesdag Museum en 1887; se describe como “una mujer vieja sentada en una roca contempla el mar con terror”. Pudiera tratarse de un estudio parcial para una obra mayor; el pequeño tamaño y la factura abocetada y expresionista se corresponden con los numerosos trabajos de este tipo que realizó durante toda su vida. A este tipo de obras se refiere lo que dijo de él Claude Monet en una carta de 1859: “Son sólo insinuaciones, bosquejos, pero, como siempre, tienen fuego y movimiento”. El análisis de laboratorio confirmó una  fecha anterior a 1850 y que los colores se corresponden con los empleados por Delacroix. 

Ha llamado la atención una cierta proximidad a las Sibilas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina; en efecto, su postura y proporciones la asemejan sobre todo a la Pérsica; con todas ellas comparte el canon manierista de cuerpo alargado y poderoso y  cabeza pequeña. Es una muestra más de su permanente vocación clásica y de su admiración por los grandes maestros del pasado. 

 

3 Dante Gabriel Rossetti (inglés,1828-1882) & William Morris (inglés,1834-1896)
The Owl Chair, 1856, madera de kapur natural y pintada
CRP004 

Rossetti, nacido en Londres, era miembro de una familia anglo-italiana de literatos; él mismo era pintor y poeta y en 1848 fundó la Hermandad Prerrafaelita, un movimiento artístico que idealizaba la Edad Media. En su juventud fue discípulo informal de Ford Madox Brown, que le transmitió su admiración por los nazarenos, los prerrafaelitas alemanes, y se propuso recuperar la pureza del arte prerrenacentista junto con William Holman Hunt, John Everett Millais y otros. Unía pintura, poesía e idealismo social. El ritual y la ornamentación de la época gótica le influyeron profundamente. En 1854 logró un poderoso patrón, el crítico de arte John Ruskin, pero para entonces el grupo se había deshecho. Posteriormente, con Edward Burne-Jones y William Morris inició una segunda fase del movimiento, marcada por el entusiasmo por un pasado legendario y la ambición de reformar las artes aplicadas, propugnando que el ámbito de las artes incluyera la artesanía. Con Morris como espíritu impulsor, diseñaron vidrieras, encuadernaciones de libros, papeles de pared, bordados o muebles.

Morris nació en Walthamstow, cerca de Londres; diseñador, artesano, poeta y socialista pionero, sus diseños de piezas de artes decorativas revolucionaron el gusto victoriano. En su juventud trabajó con G. E. Street, uno de los arquitectos del movimiento Revival, que se proponía revivir el gótico; bajo la influencia de Dante Gabriel Rossetti abandona la arquitectura por la pintura. Con Ford Madox Brown, Rossetti, Burne-Jones y otros funda en 1861 la empresa Morris, Marshall, Faulkner & Company, una asociación de “obreros de las bellas artes”, para hacer muebles, tejidos, vidrieras, papel de pared…; en 1874 la empresa es reorganizada como Morris & Company. En 1883 empieza a recorrer zonas industriales para difundir el socialismo; funda la Liga Socialista y posteriormente la Sociedad Socialista de Hammersmith. En 1891 empieza a funcionar la Kelmscott Press; en ella imprimen magníficos libros en tipografías diseñadas por Morris e inspirados en fuentes medievales. 

Estaba en el apartamento que Morris compartió con Burne-Jones en el 17 de Lion Square, Bloomsbury (Londres). En el Victoria & Albert Museum de Londres se conservan dos sillas muy similares a ésta, fechadas en 1856, el año que marca el inicio de la amistad de Rossetti con Morris y  Burne-Jones, a la sazón estudiantes en Oxford, y el comienzo de la segunda etapa de la Hermandad Prerrafaelita. Morris realizó muebles con diseños de Rossetti y de Burne-Jones; estas sillas corresponden a un tipo de muebles sólidos de aspecto rural y aire evocadoramente medieval. Pretendían comercializarlos a precios bajos para que todos tuvieran acceso a ellos. Con Rossetti creó también un sillón fino con asiento de juncos.

 

4 Georges Lacombe (francés, 1868-1916)
Retrato de Marie Lacombe y sus hijas, 1907-08, madera
CRP031

Nace en Versalles en una familia acomodada; no necesita vivir del arte y no vende sus pinturas. Es pintor y escultor; estudia con Henri Gervex and Alfred Philippe Roll en la Académie Julian. Admira sobre todo a Gauguin; su obra es simbolista y recuerda a las estampas japonesas. Pasa los veranos en la costa de Bretaña; establece relación con los nabis, muy interesados en Gauguin y en la búsqueda de un lenguaje pictórico más expresivo en forma y color. Pinta escenas bretonas y el mar. Hacia 1893 conoce a Gauguin y empieza a tallar sencillas esculturas en madera. Hay obra suya en el Musée d’Orsay, la Galería Nacional de Washington, el Cortauld Institute, la colección Norton Simon y los museos de Indianápolis, Quimper o Rennes.

 

5 Armand Point (francés,1860/61-1932)
Armario, c. 1892, tilo con guarniciones de latón
CRP014

Nace en Argel. Es un pintor, grabador y diseñador del ámbito simbolista. Primero pinta escenas orientalistas de Argelia; en 1888 marcha a París y estudia en la Academia de Bellas Artes con Auguste Herst y Fernand Cormon. A partir de 1890 expone en la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Le influyen Ruskin y los prerrafaelitas; es miembro del primer grupo nabi. Viaja a Italia y ve la Primavera de Botticelli; este artista y Leonardo le causan una gran impresión y se propone resucitar el arte de los siglos XV y XVI. Luego se adhiere plenamente al simbolismo; en 1896-1901 reside en Marlotte y funda el taller Haute-Claire, no lejos de la sede de la escuela de Barbizon. Con el cambio de siglo se interesa de manera creciente por las artes decorativas y quiere emular a William Morris.

Tallado por el escultor Charles Virion (1865-1946) sobre diseño de Point. Procede del dormitorio del propio Point. En una pata de la cama que forma parte del mobiliario de dormitorio aparece la firma “AP” con las letras entrelazadas. Fue diseñado por Armand Point, para su uso personal, en la Association de la Haute Claire de Marlotte, en el bosque de Fontainebleau. Inspirándose en la Red House de William Morris, Point fundó la Association de la Haute Claire en 1892; fue la primera colonia de artistas en Europa continental creada con la finalidad de producir obras de las artes decorativas diseñadas por un artista. Point se rodeó de artesanos que transcribieron sus dibujos a metal, esmalte, madera y otros soportes, a menudo utilizando técnicas del Renacimiento italiano caídas en el olvido. Expuesto en 2006-09 en el Musée des Arts Décoratifs de París.

 

6 Eduard Bick (suizo, 1883-1947)
Muchacha de pie, c. 1900, fresno teñido
CRP021

Nace en Wil (Suiza); es escultor, dibujante y artista gráfico; trabaja en Zurich y en Sant’Abbondio, donde se crea a su muerte la fundación que lleva su nombre. Es hijo de un orfebre y aprende este oficio. En 1906 ingresa en la Kunstakademie de Munich; en 1908 se traslada a Roma y empieza a dedicarse a la escultura. Entre 1910 y 1914 vive en Berlín, pero pasa temporadas en Italia. Al estallar la guerra regresa a Wil y después a Berlín; en 1919 vuelve definitivamente a Suiza; se afincará en Zurich, donde muere.

La obra procede de la herencia de Odette Valabregue Wurzburger (francesa, nacida en Aviñón y fallecida en Cleveland en 2006), filántropa, profesora de Derecho cofundadora de la Cleveland International Piano Competition y miembro condecorado de la Resistencia francesa. Una escultura similar de madera, con el mismo título y fecha y 79,5 cm de alto, fue donada por el barón August Freiherr von der Heydt al Museo de Bellas Artes de Weimar. El Museo Von der Heydt de Wuppertal posee otra escultura parecida, documentada y reproducida en el catálogo de la colección de escultura de dicho museo.  

 

7 William Degouve de Nuncques (francés, 1857-1935)
Romeo y Julieta, 1899, óleo sobre lienzo
CRP020

Nace en Monthermé (Ardenas, Francia); la familia se establece en Bélgica. Pintor autodidacta, entra en contacto con los poetas simbolistas belgas y pertenece al grupo Les XX. Viaja mucho y pinta vistas de Italia, Austria y Francia; entre 1900 y 1902 vive en las Baleares, dedicado a pintar paisajes. Hay obra suya en el Musée d’Orsay, Kröller- Müller de Otterlo y Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique de Bruselas, entre otros.

Titulado también Los amantes. El artista es casi desconocido en España pero goza de celebridad en el ámbito del simbolismo centroeuropeo. Halló inspiración en poetas simbolistas franceses como Stéphane Mallarmé y Rémy de Gourmont, pero sobre todo en el poeta y novelista simbolista belga Georges Rodenbach. Son muy representativos de su estilo sus imágenes misteriosas de casas y panoramas de bosques, y sobre todo parques de noche con farolas que proyectan enigmáticas sombras, como La casa rosada (1892), que transmiten la atmósfera de magia y misterio de sus obras; se ha dicho que influyó en el surrealismo, sobre todo en Magritte, cuatro décadas más joven, por sus efectos lumínicos. 

 

8 Henri Edmond Cross (francés,1856-1910)
Vista de Gravelinas (norte), desde el Grand-Fort-Philippe, c. 1891, óleo sobre lienzo
CRP012

Nace en Douai (Francia). La primera vez que expone en el Salón, en 1881, cambia su apellido, Delacroix, por la forma en inglés Cross para no ser confundido con Eugène Delacroix; al principio usa sólo el nombre Henri pero luego utiliza Henri-Edmond para evitar confusión con el escultor Henri Cross. Estudia en Lille con Alphonse Colas. En 1884 participa en la fundación de la Sociedad de Artistas Independientes. La influencia de Seurat y Signac lo hará adherirse al puntillismo. Antes se hallaba en la órbita de Manet y los impresionistas, pero en 1891 realiza su primera obra neoimpresionista. Se establece en el sur de Francia; pinta marinas y escenas de la vida campesina desde un punto de vista cercano al anarquismo. A mediados de los 90, Signac y él abandonan los puntitos de color por una técnica a modo de teselas de mosaico, un estilo importante en la formación del fauvismo. Hay obra suya en el Hermitage, el Musée d’Orsay, el Metropolitan y el Thyssen de Madrid, y en los museos de Chicago, San Francisco, Colonia…

La fecha aproximada de esta pintura, 1891, marca el punto de inflexión en la vida y el estilo del artista: en marzo muere Seurat, que había pasado su último verano precisamente en Gravelinas, cerca de Dunquerque, pintando paisajes y planeando El circo, su obra postrera. Rechazada su Baño en Asnières por el jurado del Salón oficial en 1884, Seurat decide fundar con sus amigos la Société des Artistes Indépendents. Al año siguiente el divisionismo o puntillismo está ya plenamente formulado y a él se adhieren varios artistas además de Cross: Signac, Dubois-Pillet, Maximilian Luce o el belga Van Rysselberghe, además de Pissarro, temporalmente; asimismo atrae la atención de Gauguin, Van Gogh y Regoyos. 

También en 1891 realiza su primera obra puntillista, un retrato de su esposa, y por razones de salud se instala definitivamente en el sur, primero en Cabassa y luego en Saint-Clair, cerca de Saint-Tropez, donde va Signac. Éste, el principal representante del movimiento tras la temprana desaparición de su creador, fue un gran viajero y pintó los puertos franceses. El de Gravelinas, en la luminosa y colorista visión de Cross, es una excelente muestra de la interpretación de un estilo tan riguroso por parte del artista de Douai, quien, valiéndose de puntos más grandes y de un cromatismo resplandeciente, ejercería una influencia en los comienzos del fauvismo en la obra de Matisse, Derain y Braque. Si la fecha  asignada a este cuadro es correcta, significa una anticipación a este posterior desarrollo.

 

9 Wassily Kandinsky (ruso, 1866-1944)
Una calle en Murnau, c. 1908, óleo sobre cartón madera
CRP032

Nace en Moscú; tras aprender música y pintura, estudia derecho y economía en la Universidad moscovita, donde enseñará desde 1892. Descubre a Rembrandt, a los impresionistas y a Wagner y decide dedicarse a la pintura. Se traslada a Munich y estudia con el pintor Anton Azbe y en la Academia. En 1902 expone por primera vez con la Berliner Sezession y en 1904 en el Salón de Otoño de París. Se inspira en la música de Arnold Schönberg y en los escritos de Wilhelm Worringer. Con Franz Marc funda el grupo expresionista Der Blaue Reiter; en 1911 celebran su primera exposición en la galería Tannhäuser de Munich. Esos años elige el camino de la abstracción pura; sus ideas teóricas se encuentran en escritos como De lo espiritual en el arte o Punto y línea sobre plano. En 1914 se traslada a Suiza y luego a Moscú; en 1917 es miembro del Comisariado Popular de Instrucción Pública. Cuando se impone el realismo socialista regresa a Alemania y da clase en la Bauhaus, que cerrarán los nazis en 1933; su arte es considerado “degenerado” y él huye a París; en Neuilly-sur-Seine su pintura recupera la abstracción libre de sus primeros años. Hay obra suya en grandes museos como el MoMA, Solomon R. Guggenheim de Nueva York, Musée National d’Art Moderne de París, Neue Pinakothek de Munich, Ludwig de Colonia o Galería Trétiakov.

En el verano de 1908 Kandinsky y su pareja, la pintora Gabriele Münter, descubren Murnau, cerca de Munich; será para él un paraíso terrenal y el lugar donde reelabore sus planteamientos artísticos, que muy pronto lo conducirán a la abstracción pura. Al año siguiente compran un casa, en la que pasarán temporadas hasta 1914. En sus repetidas estancias pinta muchos pequeños estudios al óleo de Murnau, generalmente, como aquí, una calle ancha en perspectiva hacia el fondo con colores vivos y contrastados, o bien caminos de campo.

 

10 Hermann Max Pechstein (alemán, 1881-1955)
Retrato de Charlotte Kaprolat, c. 1909, óleo sobre lino
CRP033

Pintor y grabador; miembro destacado del grupo expresionista alemán Die Brücke y conocido sobre todo por sus desnudos y paisajes. Nace en Zwickau (Alemania); en 1900 marcha a estudiar a Dresde. En 1906 se une a Die Brücke; ello y su conocimiento de las obras de Matisse lo llevan a usar discordantes combinaciones de colores de efecto muy emotivos. En 1910 es uno de los fundadores de la Neue Sezession berlinesa. En 1914 viaja al Pacifico Sur, donde pinta asuntos exóticos en un estilo primitivista. De regreso en Alemania diseña vidrieras y mosaicos y ocupa un puesto docente en Berlín. Es obligado a dimitir cuando los nazis declaran “decadente” su obra; no volverá a ocupar su cargo hasta después de la guerra.

Es una obra muy representativa de los cambios que experimenta el arte en el paso del siglo XIX al XX y en concreto del expresionismo alemán, al sustituir la representación objetiva de la realidad por la experiencia del artista, su expresión y su efecto sobre el espectador. El año 1909 es clave en la evolución de Pechstein con su primer viaje a Nidden (Báltico): en contacto con la naturaleza, crea en libertad y madura su estilo; esos dos años suponen la culminación de su arte, que funde forma, color y expresión. Es también una fecha fundamental por marcar el comienzo de la plenitud de Die Brücke, que recibe el decisivo estímulo del fauvismo.

 

11 Jean-Jacques Gailliard (belga, 1890-1976)
El Paraíso carmesí, 1917, óleo sobre lienzo
CRP065

Nace en Bruselas. Es pintor, dibujante, grabador, litógrafo y escultor; es uno de los primeros artistas abstractos belgas. En 1912 le seducen las tesis místicas del teósofo sueco Swedenborg y se convierte a la Iglesia de la Nueva Jerusalén. Desde 1923 participa en las exposiciones de La Lanterne Sourde, 7 Arts y Les Peintres Constructeurs; en 1924 es profesor de dibujo en el Instituto de Artes y Oficios de Bruselas; en 1925 funda con Flouquet y otros el grupo L’Assaut. En 1971 es elegido miembro de la Academia de Ciencias, Letras y Bellas Artes de Bélgica, sección de Artes Plásticas. Pinta vistas urbanas, paisajes, marinas, retratos, desnudos y naturalezas muertas; hay obra suya en museos de Bélgica y también de Estados Unidos, Israel, Francia e Irlanda.

La pintura procede de la reina Isabel de Bélgica, de quien pasó al Dr. Kyriakidis, representante europeo de Grecia en Bruselas. El reverso lleva el rótulo RE (reina Elisabeth) y el número de inventario manuscrito 945.

 

12 Georges Vantongerloo (belga, 1886-1965)
Caja, c. 1916-25, exterior, pintura al óleo sobre cartón con imprimación; interior forrado de papel
CRP057

Nace en Amberes; es el más célebre pionero belga de la pintura y la escultura abstractas. Estudia en las Academias de Bellas Artes de Amberes y Bruselas. De 1914 a 1918 vive en Holanda; en 1917 expone en el Cercle Hollando-Belge. Después crea obras abstractas puramente geométricas; aunque sus composiciones a modo de rejilla puedan parecer arbitrarias, están determinadas por relaciones matemáticas. Conoce al futurista belga Schmalzigaug y a Mondrian, Van der Leck y Van Doesburg. En 1924 publica su panfleto L’Art et son avenir. En 1931 expone en el Museo de Artes Decorativas de París y es elegido vicepresidente de la asociación de artistas vanguardistas Abstraction-Création. En 1936 participa en la muestra Cubism and Abstract Art del MoMA. Expone con Bill y Antoine Pevsner en el Kunsthaus de Zurich en 1949. Su 75 cumpleaños se celebró con una individual en la galería Suzanne Bollag de Zurich; en 1962 se presentó una amplia retrospectiva en la nueva galería Marlborough de Londres; con posterioridad ha habido muchas otras. Su obra está representada en innumerables colecciones públicas: Art Institute de Chicago, Groeningemuseum de Brujas, Kroِller-Müller de Otterlo, Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, colección Berardo de Lisboa, MoMA de Nueva York, Bellas Artes de Gante, Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas, Solomon R. Guggenheim de Nueva York y Tate Modern de Londres.

Procede del prestigioso coleccionista y filántropo americano Louis E. Stern, nacido en Rusia. Su Louis E. Stern Foundation eligió el Philadelphia Museum of Art en 1962 como receptor de parte de su colección. Stern fue miembro de la junta de gobierno de dicho museo desde 1950 hasta su muerte. 

La caja fue heredada por la hermana de Stern y después por miembros sucesivos de su familia. 

 

13 Georges Vantongerloo (belga, 1886-1965)
Construcción/Construction, c. 1917, madera de teca
CRP058

 

14 Edmond van Dooren (belga, 1896-1965)
Impresión de ciudad, Londres,1919, óleo sobre lienzo
CRP062

Pintor y diseñador gráfico, nace en Amberes. En 1911 ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, donde sorprende por su osadía cromática. Sus primeras obras, de 1914, son paisajes impresionistas en plein air. Pero le interesa más la forma que el contenido; en la Academia entabla amistad con Jozef Peeters; en 1916-1919 tienen una común pasión por representar metrópolis futuristas; estas pinturas prefiguran las imágenes de la película Metrópolis de Fritz Lang (1927). Cultivan también un tipo de estilo simbolista y romántico relacionado con su adoración por la música de Wagner. Influido por Robert Delaunay, la obra de Van Dooren se hace cada vez más abstracta. En 1918 funda con Peeters el grupo Arte Moderno, del que foman parte Cockx, Léonard y Maes; establecen contacto con Der Sturm y organizan tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Utiliza la técnica del grabado al linóleo, que favorece la abstracción geométrica. Sin embargo, su arte evoluciona hacia unas visiones de una utopía futurista, a menudo impregnadas de veneración por la máquina. Su imaginería futurista prefigura muchas películas de Spielberg. Expuso en Breda y Amberes (1956 y 1963); desde los años 70 se ha incluido obra suya en numerosas exposiciones sobre la vanguardia belga, entre las que destaca Modernisme. L’art abstrait belge et l’Europe (Museo de Bellas Artes de Gante, 2013). Tiene obra en dicho museo y en el de Amberes, entre otros.

 

15 Gustav Wunderwald (alemán, 1882-1945)
Grunewaldstrasse, Berlin-Westend, 1918, óleo sobre lienzo
CRP096

Nace en Colonia. Empieza de aprendiz con Wilhelm Kuhn; en 1899-1900 trabaja pintando decorados para muchos teatros de Alemania y el extranjero, y para la Ópera de Berlín. Tras la I Guerra Mundial se establece en Berlín; pinta escenas de la vida en los barrios de esta ciudad dentro del estilo de la Nueva Objetividad. En 1927 empieza a exponer escenas urbanas y paisajes; tendrá que dejar de hacerlo con la subida al poder de los nazis y sobrevive coloreando películas. Terminada la guerra, no tiene ocasión de volver a ejercer su profesión, pues muere al beber agua envenenada en el confuso Berlín de 1945.

 

16 Karl Schmidt-Rottluff (alemán, 1884-1976)
Sin título, 1910-11, textil
CRP034

Pintor y grabador celebrado por sus paisajes y grabados expresionistas, nació en Rottluff (Sajonia, Alemania) y empezó a estudiar arquitectura en Dresde, donde conoció a Kirchner y a Heckel. En 1905 ambos se trasladan a para estudiar y pintar; juntos formaron el grupo expresionista Die Brücke y presentaron su primera exposición en Leipzig. Añade a su nombre el de su población natal, Rottluff. En obras como Día de viento (1907) deja ver la transición de su estilo temprano al maduro de obras como Autorretrato con monóculo (1910), caracterizado por atrevidos colores disonantes. En 1911 se traslada a Berlín; numerosas obras de este período revelan su nuevo interés por el cubismo. Cuando los nazis suben al poder se le prohíbe pintar y es expulsado de la Academia Prusiana de las Artes; en 1937 se retiran de los museos muchas de sus pinturas y se incluyen algunas en la exposición Arte degenerado. En 1947 es contratado como profesor en la Universidad de las Artes de Berlín. Alemania le homenajea con numerosas retrospectivas y en 1956 recibe la medalla Pour le Mérite, la más alta distinción de Prusia. En 1964 es el principal promotor del Brücke Museum de Berlín, inaugurado en 1967 con las obras donadas por él y otros miembros de grupo. Sus obras pueden verse en el MoMA, Los Angeles County Museum, Muscarelle Museum of Art (Williamsburg), Museum am Theaterplatz (Chemnitz)…

La obra fue encargada al artista por Wilhelm Niemeyer, de Hamburgo, cuyos descendientes lo prestaron al Landesmuseum Schleswig-Holstein hasta 1999; en 2008 la vendieron (Christie’s, Londres, Old Master, Modern and Contemporary Prints); fue adquirida por Ronny van de Velde, de Amberes, quien la vendió en 2012 (De Vuyst, Lokeren, 12 de mayo de 2012, Oude Meesters, Moderne en Hedendaagse Kunst) a su actual propietario.  

Tras ser clasificado como “artista degenerado” y serle prohibida la creación artística, sus obras fueron robadas por funcionarios nazis, escondidas (muchas reaparecieron en el Hermitage de San Petersburgo, donde permanecieron), quemadas o vendidas en pública subasta en Suiza. Los historiadoras del arte coinciden en reconocerlo como uno de los los expresionistas alemanes más importantes. Schmidt-Rottluff no se veía sólo como pintor, escultor y grabador; también se interesaba por las artes aplicadas, tal vez motivado por el concepto de Gesamtkunstwerk u obra de arte total. Fue tal vez durante su estancia en el Fiordo Hardanger, en Noruega, en el verano de 1911, y posiblemente por influencia del arte popular noruego, cuando creó sus primeras obras de este tipo, que empezó a exponer ese año y al siguiente en una muestra en Colonia, uno de cuyos organizadores, Wilhelm Niemeyer – profesor de la Kunstgewerbeschule de Hamburgo e impulsor de la modernización de las artes aplicadas alemanas-, fue uno de los primeros coleccionistas que adquirieron obras del artista en esta modalidad, entre ellas el presente textil. El proyecto de diseño más importante de Schmidt-Rottluff fue encargado por Rosa Schapire en 1921 para el interior de su piso de Osterbekstrasse de Hamburgo; el proyecto, que incluía muebles, alfombras y diversos objetos de madera y metal, fue en parte confiscado y vendido como “arte degenerado” por el gobierno nazi y en parte destruido en los bombardeos de la II Guerra Mundial.

 

17 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Construcción, c. 1925, madera exótica
CRP134

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

En el reverso lleva el monograma KM en el ángulo inferior derecho y el sello de cera de la familia del último propietario en el ángulo superior derecho. Herman Maes, nieto del artista y fideicomisario de su archivo familiar, ha confirmado la autenticidad de la obra. De la herencia de Karel Maes pasó a Pieter Albertyn, de Amberes.

 

18 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1923, óleo sobre tabla de madera
CRP132

Firmado en el anverso, ángulo inferior derecho: KM. En el reverso lleva la inscripción a lápiz H vd Velde.

Acompaña al cuadro un certificado de autenticidad emitido por Herman Maes, nieto del artista. Procede de Piet Maes, el hijo del artista; heredado por Herman Maes; después, de Walter Daems, St. Truiden (Flandes), Bélgica.

 

19 Georg Kolbe (alemán, 1877-1947)
Henry van de Velde, 1913, bronce
CRP037

Nace en Waldheim (Alemania); estudia en la Escuela de Artes Aplicadas de Dresde, luego en la Academia de Bellas Artes de Munich y pasa seis meses en la Académie Julian de París. En 1898 inicia un estancia en Roma y se interesa por la escultura. A principios del siglo XX se dedica sobre todo al desnudo idealizado, que moldea y contorsiona; se percibe la influencia de Rodin y Maillol. En 1903 se establece en Berlín; es miembro de la Sezession y en 1913 se pasa a la Freie Sezession. En 1915 se alista voluntario; en el ejército se le encarga el diseño de memoriales de guerra. En 1919 es elegido miembro de la Academia de Berlín. Su obra de los años 30 posee una monumentalidad más heroica que atrae a los jerarcas nazis; se integra en la estructura de la Cámara de Cultura del Reich.

 

20 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
El tango, 1920, tinta china sobre papel
CRP071

Nace en Amberes. A sugerencia de su amigo Van Doesburg, para evitar prejuicios por ser mujer firma también obras como Tour d’Onasky y Tour Donas. Según Katherine Dreier, fundadora de la legendaria Société Anonyme, es “la primera pintora abstracta de Bélgica”. Se forma en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes; en 1916 estudia el arte de la vidriera en Irlanda. La exposición de André Lothe en París la introdujo en el cubismo. Sus primeras obras plenamente abstractas y poscubistas datan de 1917. Fue también una precursora del surrealismo. En 1918 ingresa en la célebre Section D’Or en París, que se inspira en el cubismo y el orfismo. La mayor contribución de Donas al arte moderno es haber sido la primera en empujar el cubismo a la abstracción. En 1919, Van Doesburgh publicó en De Stijl varios artículos sobre ella situándola entre los protagonistas del arte moderno. En 1920 expuso en Der Sturm, la galería de Herwarth Walden y centro vanguardista de Berlín; compraron todas las obras Walden y Katherine Dreier, quienes, aconsejados por Marcel Duchamp, reunieron una impresionante colección de piezas maestras de la vanguardia internacional, núcleo de las colecciones de la Yale University Art Gallery de New Haven y del MoMA de Nueva York. Expuso de nuevo en Der Sturm en 1923. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas presentó una retrospectiva suya en 1960. Su producción se ha mostrado en el Museo de Bellas Artes de Gante, el Von der Heydt de Wuppertal, los de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes o la Tate Modern de Londres. En cooperación con la Yale University Art Gallery y la Fundación Archipenko de Bearsville (Nueva York), el Museo de Bellas Artes de Gante presentó una importante muestra de su obra en 2016.

La artista se sentía intrigada por el movimiento y por el juego con las formas convexas y cóncavas, con las diagonales y con la alternacia de elementos anguloso y redondeados. Esto y su fascinación por la danza la llevan en 1917 a trabajar sobre el tema del tango hasta el despojamiento total y la reducción de las figuras a pura geometría en 1920. 

 

21 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
El Tango, Der Sturm, 1920, portada de revista con título, firma y fecha
CRP072

 

22 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Naturaleza muerta ‘K’, c. 1917-1918, óleo sobre lienzo
CRP068

 

23 Marthe Donas (belga/Belgian, 1885-1967)
El libro de imágenes, c. 1918, óleo sobre yeso y cartón 
CRP069 

Firmado al óleo por la artista en el anverso, abajo hacia la derecha: Tour Donas. El reverso contiene la inscripción al óleo por la artista 

N:16/Le livre d’images par/Tour Donas, así como dos etiquetas rectangulares de papel.

Marthe Donas conoció a Alexander Archipenko en 1917. Las revolucionarias shaped paintings de la artista belga revelan la influencia de las esculto-pinturas del ruso, probablemente inspiradas en los iconos rusos. Donas describió la técnica que usó en estas pinturas, que creó en sus capitales años 1917 y 1919, como facture épaisse en relief. Sin embargo, mientras que las esculto-pinturas de Archipenko, como los iconos rusos, tienen fondos cuadrangulares convencionales, Donas elimina el fondo, creando así las primeras shaped paintings de la historia del arte occidental, que prefiguran las del pop art americano de la década de 1960 (Jim Dine, James Rosenquist y Tom Wesselmann). Además, estas obras tienen las mismas formas irregulares de lo representado, convirtiéndose así en objetos, en pinturas objeto. Donas compuso este cuadro siguiendo la silueta de un huevo, símbolo de la maternidad, que es su tema.

 

24 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Adán y  Eva, 1927, assemblage en técnicas mixtas
CRP076

Firmado y fechado en el anverso, abajo a la derecha: Donas 1927. La artista la vendió a Maurits Bilcke, famoso crítico belga de arte, en 1961. La Fundación  Marthe Donas confirmó la autenticidad y fecha del cuadro, que la artista incluyó en el inventario de su obra para el año 1927. Su hija, Françoise Franke van Meir, las confirmó igualmente y recuerda haber visto la obra en casa cuando era pequeña. 

 

25 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Naturaleza muerta de la cuchara, 1920, grafito sobre papel
CRP074

 

26 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Maceta de cinerarias, 1923, técnicas mixtas sobre tabla
CRP075 

Firmado y fechado en el reverso, arriba a la derecha: Pot de Cinéraires/Donas/Sceaux avril 1923.

 

 

Edmund-Kesting, Verschränku

Edmund Kesting, Ensamblajes.

Eileen-Gray, Sin título

Eileen-Gray, Sin título.

El Lissittzky, Proun.

El Lissittzky, Proun.

Paul Joostens, Dada-object

 Paul Joostens, Dada Object.

Franz Marc, Dos caballos en un paisaje.

Franz Marc, Dos caballos en un paisaje.

Kurt Schwitters, Sin título.

Kurt Schwitters, Sin título.

 

27 Kurt Schwitters (alemán, 1887-1948)
Sin título, 1929, madera pintada
CRP184

Nace en Hannover (Alemania). Estudia en las Academias de Dresde y Berlín y en 1918 expone sus primeras obras, cubo-futuristas, en Der Sturm. Atraído por la naciente escuela dadá y rechazado por el círculo berlinés, formó su propia variante en Hannover; empezó a crear composiciones con objetos cotidianos de desecho; sus poemas son también una mixtura de materiales impresos. Se refería a todas sus actividades artísticas –y después también a todas sus actividades cotidianas y a él mismo- como Merz, una palabra sin sentido derivada de Kommerz. En 1922 recibe la influencia de De Stijl y se acerca al constructivismo; en 1927 funda Die Abstrakten Hannover, junto a Friedrich Vordemberge-Gildewart. En 1930 participa en las actividades del grupo Cercle et Carré y en 1932 se suma a Abstraction-Création. En 1937 marcha a Noruega; cuando los nazis invaden el país escapa a Inglaterra. En sus últimos años combina Merz con una vuelta a la figuración. En 1994 se crea en el Museo Sprengel (Hannover) el Archivo Kurt Schwitters, un centro de investigación internacional. Hay obra suya en los más importantes museos de arte contemporáneo del mundo, como el MoMA o la Tate Gallery de Londres.

28 Edmund Kesting (alemán, 1892-1970)
Ensamblajes, 1920-25, assemblage en técnicas mixtas 
CRP137

Nace en Dresde; es fotógrafo, pintor y profesor de arte. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de Dresde; luego presta servicio como soldado en la I Guerra Mundial. Terminada la contienda, continúa su formación con Richard Müller y Otto Gussmann. En 1923 celebra su primera exposición de sus fotogramas en la histórica galería Der Sturm. Establecido en Berlín, entabla relación con las vanguardias de la capital y utiliza técnicas experimentales; los nazis lo incluirán en la muestra de “arte degenerado”. Tras la II Guerra Mundial se integra en un grupo de artistas que adopta la denominación “Llamamiento a un arte en libertad”. Participa en la polémica del realismo socialista y el formalismo que tuvo lugar en la República Democrática Alemana; su obra no fue expuesta hasta 1949-1959. En 1967 ocupa un puesto de profesor en la Academia de Cine y Televisión de Potsdam.

Dedicado y regalado por el artista en 1926 a Nell Rosland Walden (Berlín), pionera de la pintura abstracta en Suiza y segunda esposa de Herwarth Walden, creador de la revista Der Sturm (1910) y de la galería del mismo nombre (1912) en Berlín, dedicadas a las nuevas tendencias artísticas.

29 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Composición con dos mujeres, 1920, tinta china sobre papel
CRP073

 

30 Jos Léonard (belga, 1892-1987)
Sin título, 1923, gouache y collage sobre papel
CRP124

Nace en Amberes. Es uno de los primeros artistas no figurativos de Bélgica. Sus primeras obras abstractas, influidas por el Art Nouveau, el cubismo y el futurismo, datan de 1912. Después le influyeron los artistas de De Stijl. Es uno de los principales modernistas de Amberes junto con el gran poeta vanguardista Paul Van Ostaijen y artistas como Paul Joostens, Jozef Peeters y otros. Colaboró con Joostens en las revistas vanguardistas Sélection, Ça ira y Het Overzicht. Después de 1925 trabaja como innovador diseñador de libros, publicidad e interiores; importantes editores recurren a él. Su obra atrajo mucha atención cuando se expuso en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en 1987. Muchas de sus obras se inspiraron en la I Guerra Mundial y en la música de Arnold Schoenberg; en ocasiones representan figuras humanas abstractas con una sensibilidad cercana a la de Archipenko, o nocturnos y metrópolis futuristas próximos a los de Van Dooren. En 1973 donó al Museo Plantin-Moretus de Amberes más de 700 obras sobre papel, lo que hizo que fueran muy raras en el mercado. En 1987 su obra entró en las colecciones permanentes de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

 

31 Karel Maes (belga, 1900-1974)  
Sin título, c. 1923, grafito y acuarela sobre papel
CRP133

 

32 El Lissitzky (ruso, 1890-1941)
Proun, c. 1920, técnicas mixtas sobre papel
CRP126

Nace en Pochinok, cerca de Smolensk, en el seno de una familia judía. En 1903 empieza a estudiar con Pen, maestro también de Chagall. En 1909 marcha a Alemania a estudiar arquitectura; viaja a París e Italia y en 1915 se instala en Moscú. En 1917 expone con el grupo Mir Iskusstva (Mundo del Arte); tras la Revolución se dedica a diversas actividades culturales judías: editor e ilustrador de libros, fundador de la Sociedad para el Fomento del Arte Judío y organizador de la Exposición de Pintura y Escultura de Artistas Judíos. En 1919 es invitado por Chagall a enseñar arquitectura y artes gráficas en la Escuela de Vitebsk; influido por Malevich, que llegada en 1919, adopta el suprematismo y desarrolla el concepto de PROUN como intermediario entre la arquitectura y la pintura. En 1920 entra en el moscovita INKhUK (Instituto de Cultura Artística) y en 1921 es profesor en los VKhUTEMAs. En 1922 funda con el poeta Ehrenburg la revista Object; defienden un compromiso entre el concepto tradicional de arte y el constructivista de arte de producción. En los años veinte viaja con frecuencia a Occidente y actúa como enlace entre los vanguardistas rusos y los occidentales: con los dadaístas, la Bauhaus en Alemania y De Stijl en Holanda; participa en exposiciones y colabora en revistas de la vanguardia. Desde 1925 vive casi siempre en Rusia; diseña interiores y muebles en los VKhUTEMAs. En 1925 concluye su utópico proyecto de rascacielos Estribanubes. En 1929 hace un modelo para una producción teatral. Luego trabaja sobre todo en el diseño de exposiciones en Alemania y Rusia. En los años treinta se dedica también a la fotografía y al fotomontaje. En 1928 se une al grupo Octubre y en 1930 publica su informe sobre la arquitectura soviética. Sus últimas obras son carteles antifascistas, que crea hasta su muerte. Hay obra suya en los museos de Chicago, Dallas, San Francisco, Guggenheim de Nueva York, Metropolitan, MoMA, Ludwig (Colonia), Thyssen (Madrid); galerías nacionales de Escocia y Canadá; Tate, Basilea, colecciones Norton Simon y Peggy  Guggehnheim (Venecia).

33 Jos Léonard (belga, 1892-1987)
Sin título, c. 1924, tinta china sobre papel
CRP125

 

34 Eileen Gray (irlandesa, 1878-1976)
Sin título, c. 1930, goauche sobre papel
CRP187

Nace en el condado de Wexford, en Irlanda, en una familia aristocrática. Estudia en la Slade School of Fine Arts de Londres de 1898 a 1902. Se inicia en la pintura pero cuando se instala en París en 1907 se interesa por el lacado de muebles, que aprende con el maestro japonés Seizo Sougarawa. En 1913 expone en el Salon des Artistes Décorateurs y llama la atención del coleccionista Jacques Doucet, para el que realiza la famosa mesa Lotus y la pantalla de cuatro paneles titulada Le destin. En 1922 abre su propia tienda, la Galerie Jean Désert. Sus propuestas se apartan de lo meramente decorativo y se caracterizan por su abstracción, sencillez y funcionalidad. Máxima representante del Art Deco, son muy apreciados sus muebles con tubos de acero cromado y cristal. Su vida personal es muy intensa: conduce ambulancias durante la I Guerra Mundial en París; forma parte de los círculos de lesbianas de su época, junto a Romaine Brooks, Gabrielle Bloch, Loie Fuller o Natalie Barney, y mantiene una relación íntima con el arquitecto rumano Jean Badovici, que la impulsa a experimentar directamente con la arquitectura. En 1926 proyecta la célebre casa E.1027 (Francia), que despierta la admiración de Le Corbusier y acaba siendo motivo de conflicto entre ambos. En 1972 la Royal Society of Arts reconoce su trayectoria como diseñadora, arquitecta y artista otorgándole la distinción de Royal Designer for Industry. Hay obra suya en el Metropolitan y en el Victoria & Albert.

 

35 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela, gouache y grafito sobre papel 
CRP130

 

36 Franz Wilhelm Seiwert (alemán, 1894-1933)
Sin título, 1922, pastel sobre papel
CRP140

Nace en Colonia (Alemania). A los siete años, durante un tratamiento radiológico experimental, sufre graves quemaduras que le marcan profundamente. En 1910 empieza a estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Colonia. En 1919 conoce a Max Ernst y colabora con él en distintas actividades del movimiento dadaísta, del que se desmarca cuando crea, junto a Heinrich Hoerle y Anton Räderscheidt, el grupo Stupid, en la línea del constructivismo, que seguirá como pintor y escultor. Sus ideas comunistas lo llevan a colaborar en la revista Die Aktion. En 1923 celebra su primera gran individual en el Kunstverein de Colonia, siendo ya uno de los líderes del Grupo de Artistas Progresistas, creado tras la I Guerra Mundial, muy activo políticamente e identificado con el comunismo y el anarcosindicalismo. En 1929 funda la revista Az para difundir el constructivismo figurativo, uno de cuyos principales teóricos es. Cuando Hitler asume el poder en 1933, Seiwert huye al Siebengebirge; sus amigos lo convencen de que regrese por su frágil salud, pero muere ese mismo año. Su obra puede verse en el MoMA, el Centro Pompidou (París), la National Gallery of Art (Londres), el Harvard Museum of Art y el Akron Art Museum (Ohio) o el Los Angeles County Art Museum.

37 Jozef Peeters (belga, 1895-1960)
Sin título, c. 1920, carboncillo sobre papel
CRP041

Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.

 

38 Reimond Kimpe (belga, 1885-1970)
Sin título, 1934, carboncillo sobre papel de plata
CRP193

Nace en Gante (Bélgica). Se gradúa como ingeniero civil en la Universidad de Gante. Autor en revistas de prestigio y novelista, cultiva la pintura de forma autodidacta. Su participación activa en el Consejo de Flandes, creado en 1917 por partidarios de la independencia flamenca y apoyado por Alemania, deriva en una condena a muerte; huye a Holanda al acabar la guerra y se instala en Middelburg, donde trabaja en proyectos de construcción. En 1923, una enfermedad le obliga a abandonar la ingeniería y se centra en la creación. En 1924 muestra en el Middelburg Kunstmuseum su obra, de estilo expresionista y con un profundo simbolismo, en la línea de pintores flamencos como Permeke y Gustaaf de Smet. Se inspira en paisajes, barcos y puertos, hombres y mujeres de Walcheren; hace también obras de carácter más abstracto. Desde 1929 pasa largas temporadas en París, donde expone su obra y conoce a Picasso y Chagall. En 1940 su estudio y gran parte de sus obras perecen en el incendio de Middelburg. En 1942 expone en el Museo Frans Hals de Haarlem; en 1952, en el Museum Het Prinsenhof (Delft) y en 1962 en el CAW aan de Meir de Amberes. También expone en el Stedelijk Museum y el Rijksmuseum de Ámsterdam. En 1997 se celebra en el Singer Museum de Laren una retrospectiva que luego va al Museo Zeeuws de Middelburg. Hay obra suya en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Bojmans, Bellas Artes de Amberes, Zeeuws de Middelburg o Arte Moderno de Caracas. 

 

39 Jozef Peeters (belga, 1895-1960)
Fantasía lírica, 1919, acuarela y tinta sobre papel
CRP040

 

40 Léon Kelly (estadounidense, 1901-1982)
Sin título, c. 1920, grafito sobre papel
CRP122

Nace en Filadelfia. Pintor, dibujante y escultor, trabaja en el ámbito del surrealismo americano, pero cultiva también el cubismo, el realismo social y la abstracción. En 1925 marcha a París; es el primero de sus viajes a Europa. En 1946, impresionado por los tejidos peruanos, inicia un nuevo estilo. Un elemento característico de su pintura son unos gigantescos insectos de tamaño parecidos a mosquitos. Tiene obra en el Metropolitan de Nueva York, el Whitney Museum of American Art, el MoMA y el Museo de Filadelfia, entre otros.

Firmado a lápiz en el ángulo inferior izquierdo: Léon Kelly, y a pluma en el reverso, en el centro: Léon Kelly . Procede de Michael y Marilyn Gould. De sus maestros, Jean Auguste Adolphe, Alexandre Portinoff, Arthur Carles y Earl Horter, hay que destacar el interés de este último por el cubismo, que, sin duda junto con su colección de pintura, influyó en las obras abstractas de Kelly en su época temprana, entre 1919 y 1925. 

 

41 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Asta Nielsen, 1916, grafito sobre papel
CRP047

Artista visual y escritor, nace en Amberes y estudia en su Academia de Bellas Artes. Creó los primeros collages y objetos dadá en 1916, tres años antes que Kurt Schwitters, a quien se suele atribuir esta hazaña, y los primeros architectons unos siete años antes que Malevich. Sus assemblages en cajas, hechos de materiales encontrados, combinan la austeridad formal del constructivismo con la fantasía del surrealismo; realiza también vigorosas pinturas poscubistas y futuristas. Sus primeras muestras individuales tienen lugar en 1917 en el Centre Artistique de Amberes y en la mítica galería Georges Giroux de Bruselas. Anarquista, junto con los dadaístas belgas Paul Neuhuys y Willy Koninck critica el orden establecido. Fue cofundador de De bond zonder gezegeld papier junto con Floris y Oscar Jespers y su amigo Paul van Ostaijen, el gran poeta vanguardista. También colabora con Léonard en las revistas Sélection, Ça ira y Het Overzicht. Desde 1927 y en los años treinta se aleja de la vanguardia y se convierte en un ermitaño. Católico estricto, en esta época crea su estilo “gótico”, inspirado en los primitivos flamencos: pinturas impregnadas de misticismo religioso y erotismo pubescente. En 1935 realiza una magnífica serie de fotomontajes. Antes de la II Guerra Mundial su pintura se llena de temas alucinatorios y fantásticos. Desde 1946 hasta su muerte domina la figura femenina, ya como la Virgen, ya como las prostitutas de los barrios populares de Amberes. Hay obras suyas en museos como los de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas y el de Gante; se han expuesto en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden y Tate Modern de Londres. La última retrospectiva se presentó en 2014 en el Mu.Zee de Ostende. El Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou dedicó un importante capítulo a Joostens en el catálogo de su exposición Dada.

Se trata de un assemblage de 13 elementos. Lleva el sello del estudio (monograma) dos veces en la parte inferior y una en la parte de atrás. Es el objeto dadá más antiguo que se conoce del artista. Ha sido expuesto en numerosas muestras, entre ellas Paul Joostens 1889-1960, International Cultureel Centrum, Amberes, 1976; Paul Joostens 1889-1960, Belgisches Haus, Colonia, 1976; Surrealism in Visual Arts and Film, Retretti Art Centre, Punkaharju, Finlandia, 1987; Paul Joostens, Provinciaal Museum voor Moderne Kunst, Ostende, 1989; L’Avant-Garde en Belgique 1917-1929, Musée d’Art Moderne, Bruselas, 1992; Dada l’arte della negazione, Palazzo delle Esposizioni, Roma; Dada, Centre Pompidou, París, y The National Gallery of Art, Washington, D.C., 2005; Van Doesberg & the International Avant-Garde: Constructing a New World, Tate Modern, Londres, y Stedelijk Museum de Lakenhal, Leiden, 2010; Joostens 1889-1960, MuZee, Ostende, 2014; Modernisme, L’art abstrait belge et l’Europe, Museum voor Schone Kunsten, Gante, 2013. Se halla reproducido en los catálogos de la mayoría de ellas.

 

42 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
El espíritu del pueblo, 1919, grafito y tinta china sobre papel
CRP051

Arriba, en el centro, a lápiz el título en neeralandés: de geestelijke op het dorp, la fecha, 1919, y la firma, P. Joostens. Procede de Paul van Ostaijen (Amberes), de quien pasó a Roberto Polo (Bruselas).

 

43 Jozef Peeters (belga, 1895-1960)
Sin título, 1915, acuarela sobre papel
CRP039

 

44 Georges Vantongerloo (belga, 1886-1965)
Función y variante,1939, amalgama de pigmento y goma arábiga sobre papel
CRP060 

Inscrito en el reverso por el artista: Fonction et variante/Paris 1939/G. Vantongerloo. Autografía y fecha del coleccionista Emiel Bergen asimismo en el reverso: E. Bergen 2002. Procede de Max Bill (Zurich), que lo regaló al crítico de arte Emiel Bergen (Bruselas) en 1981. La viuda de Bergen lo vendió a René Van Blerck en 1990. Se ha expuesto en diversas muestras, entre ellas Georges Vantongerloo, Musée Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas, 1981; Kunstaspekten rond de jaren 1920-1930, Modern Art c.v., Amberes, 1990; Georges Vantongerloo 1886-1965, Galerie Ronny van de Velde, Amberes, 1996; Georges Vantongerloo 1886-1965 Un pioneer de la sculpture moderne, Musée Départemental Matisse du Cateau-Cambrésis, Francia, 2007; Georges Vantongerloo. Un anhelo de infinito, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2009. El compositor Frank Agsteribbe lo copió en 2013 con indicaciones musicales.

 

45 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Objeto dadá, c. 1920, assemblage en madera
CRP053

 

46 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Objeto dadá, c. 1925, assemblage en técnicas mixtas
CRP054

 

47 Adolf Seehaus (alemán, 1891-1919)
Sin título, 1915, tinta china sobre papel
CRP045 

Pintor expresionista nacido en Bonn. Fue descubierto por August Macke y se formó como artista mientras trabajaba con él; algunas de sus obras fueron incluidas en la muestra de expresionistas renanos organizada por Macke en 1913. Expuso también en Der Sturm y otras galerías. Su producción –escasa al haber muerto tan joven-, con ecos del fauvismo, del cubismo y del futurismo, se inspira en su hogar en Renania y en su viaje a Inglaterra e Irlanda. Su manera de descomponer objetos en intrincadas formas aisladas y zonas de color enlaza con Robert Delaunay.

 

48 Franz Marc (alemán, 1880-1916)
Dos caballos en un paisaje, c. 1913, tinta china y grafito sobre papel
CRP038 

Nace en Munich. Pintor y grabador célebre por el misticismo de la naturaleza que hay en sus pinturas de animales, estudia filosofía y teología, así como arte en la Academia de Munich. En 1903 su naturalismo académico se ve aligerado por el contacto con el impresionismo francés; después, las curvas del Jugendstil muniqués y el arte turbulento de Van Gogh le revelan el potencial emotivo de la línea y el color. En 1909 se une a la Nueva Asociación de Artistas, donde conoce a Macke. En 1910 conoce a Kandinsky, con quien edita Die Blaue Reiter, revista que dará nombre al nuevo grupo, dirigido por Kandinsky. En 1912, su admiración por Robert Delaunay y los futuristas italianos hace su arte cada vez más dinámico. La tendencia a un expresionismo puramente abstracto culmina en su últimas grandes obras. Muere en Verdún, durante la I Guerra Mundial. Hay obra suya en el Franz Marc Museum (Kochen am See, Alemania), los museos Guggenheim (Nueva York), MoMA, Metropolitan, Städel (Frankfurt), Stuttgart, Chicago, Boston, Los Ángeles, Thyssen (Madrid), National Gallery de Washington y Norton Simon Collection.

 

49 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Sin título, c. 1936, óleo sobre lienzo montado sobre tabla
CR50 P056

 

50 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Objeto dadá, c. 1918, assemblage en técnicas mixtas
CRP050

La obra procede de la herencia del artista; de Maurice Verbaet y su esposa (Amberes), pasó a Roberto Polo (Bruselas). Fue expuesta en las muestras Paul Joostens 1889-1960, Internationaal Cultureel Centrum, Amberes, 1976; Belgische Kunst Een moderne eeuw I Collectie Caroline en Maurice Verbaet, Museum van Elsene, Elsene (Bruselas), 2012; y Joostens 1889-1960, MuZee, Ostende, 2014.

 

51 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Objeto dadá, c. 1927, assemblage en técnicas mixtas
CRP055 

Procede de la herencia de Paul Joostens; pasó a la Wide White Space Gallery de Amberes; después, a Isi Fiszman (Bruselas), a Ronny van de Velde (Amberes) y a colección particular bruselense. Se ha expuesto en: Paul Joostens, Wide White Space Gallery, Amberes, 1970; Paul Joostens 1889-1960, International Cultureel Centrum, Amberes, 1976; Ad Absurdum, Marta Herford, Herford, Alemania, 2008. Se halla reproducido en los catálogos de las dos últimas.

 

52 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Gilles de Binche (Objeto dadá), 1920, assemblage en técnicas mixtas 
CRP052

 

SALA 6

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 6, con obras de Rottluf, Vantongerloo, Maes y otros.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Karl Schmidt-Rottluff, Sin título. 

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Marthe Donas, Le livre d’images.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Wassily Kandinsky, A Street in Murnau.

Georges Vantongerloo, Construction.

 Georges Vantongerloo, Construction.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Eugène Delacroix, Femme de pêcheur à la plage.

SALA 6 (1 - 26)

 

1 Joszef Rippl-Ronai (húngaro, 1861-1927)
Los jardines del Luxemburgo, c. 1898, bordado de lana sombreado al óleo sobre lienzo
CRP016

Nace en Kaposvár (Hungría). En 1884 marcha a Munich, como muchos de los artistas de su país antes de gravitar hacia París, a estudiar pintura y en 1886 a la capital francesa, donde es discípulo de Munkácsy, el realista húngaro más destacado. En 1888 recibe la influencia de los nabis. Vuelve a Hungría, donde se celebra una importante exposición de su producción de la década 1890-1900. Expone en Alemania y Austria con gran éxito. Realiza también trabajos de diseño de interiores, muebles y vidrieras. Se conservan pinturas suyas en la Galería Nacionalde Hungría (Budapest), National Gallery de Washington, Musée d’Orsay, el MoMA o los museos de Cleveland y Chicago.

Abajo a la derecha se ve el monograma R.

Rippl-Ronai era amigo íntimo de Aristide Maillol, que realizó varios bordados antes de convertirse en escultor. Maillol abandonó el bordado porque le había provocado ceguera durante varios meses. Inspirado por los bordados de Maillol, Rippl-Ronai dibujó a tinta en el reverso del lienzo, bordado posteriormente por su mujer. La influencia de Maillol es evidente en el uso del point lancé por Rippl-Ronai; sin embargo, los points lancés de Rippl-Ronai, con frecuencia realzados con pintura al óleo, son de lana y no de seda, más apretados y más planos que los de Maillol. Esto acentúa el carácter decorativo y artesanal de sus cuadros bordados. Maillol y Rippl-Ronai visitaron juntos el museo parisiense de Cluny para admirar los tapices del Renacimiento español, realizados en point lancé. En oposición a los colores delicados y los contrastes sutiles de Maillol, los colores de Rippl-Ronai son brillantes y sus contrastes marcado, lo que aumenta más aún su aire decorativo y artesanal. 

Como sus pinturas de hacia 1910, el estilo de los cuadros bordados de Rippl-Ronai se caracteriza por sus tonos verdes, amarillos, rojos y malvas, separados por negro o marrón; utilizaba colores especialmente contrastados que en 1898 no se atrevía a emplear en sus pinturas de la época -los rojos vivos de sus cuadros bordados contrastan fuertemente con sus amarillos, verdes y negros-, si bien los utilizará una década más tarde en pinturas como Je peins Lazarine et Anelle au jardin, Hepi et les autres ont chaud y Ambiance d’été au jardin de la villa Roma, de hacia 1910. La composición de colores de sus cuadros bordados es la siguiente: el verde es el color dominante, el amarillo el secundario, el rojo terciario y el malva el análogo. El fondo de estas obras es siempre verde (árboles) y amarillo (la luz que se filtra a través de ellos). 

 

2 Eugène Delacroix (francés, 1798-1863)
La mujer del pescador en la playa, c. 1843-45, óleo sobre lienzo
CRP002

El más grande de los pintores románticos franceses; su uso del color influyó en el desarrollo del impresionismo y el posimpresionismo. Nace en Charenton-Saint-Maurice, cerca de París; estudia con el famoso pintor académico Guérin y admira a Rubens, a Rafael, a los venecianos y a sus contemporáneos ingleses. Se inspira en acontecimientos históricos y contemporáneos, así como en la literatura; es gran lector y amigo de famosos escritores. En 1825 marcha a Londres y entabla relación con los pintores ingleses; la literatura inglesa le suministra también temas. En 1831 recibe la Legión de Honor; su cuadro más célebre, La Libertad guiando al pueblo, es adquirido por el Estado y expuesto en el Salón con enorme éxito. En 1832 viaja a Marruecos acompañando al embajador francés; descubre Oriente con su luz y sus colores y la experiencia le inspira escenas exóticas toda su vida. En 1839 viaja a los Países Bajos y estudia a fondo a Rubens. Durante tres décadas ejecuta numerosos ciclos decorativos en edificios oficiales e iglesias, sin dejar de enviar obras al Salón.

La firma “E.D.” es utilizada en ocasiones por el artista esos años, sobradamente consolidada su fama; antes prefería una forma más completa. El título reproduce el de una obra del Mesdag Museum (La Haya) atribuida a Jean-François Millet, probablemente inspirada en Delacroix; fue adquirida a un marchante antes de 1886 y se le han asignado fechas entre 1848 y 1855-60. La relación con Millet viene de un préstamo de la obra del Mesdag Museum en 1887; se describe como “una mujer vieja sentada en una roca contempla el mar con terror”. Pudiera tratarse de un estudio parcial para una obra mayor; el pequeño tamaño y la factura abocetada y expresionista se corresponden con los numerosos trabajos de este tipo que realizó durante toda su vida. A este tipo de obras se refiere lo que dijo de él Claude Monet en una carta de 1859: “Son sólo insinuaciones, bosquejos, pero, como siempre, tienen fuego y movimiento”. El análisis de laboratorio confirmó una  fecha anterior a 1850 y que los colores se corresponden con los empleados por Delacroix. 

Ha llamado la atención una cierta proximidad a las Sibilas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina; en efecto, su postura y proporciones la asemejan sobre todo a la Pérsica; con todas ellas comparte el canon manierista de cuerpo alargado y poderoso y  cabeza pequeña. Es una muestra más de su permanente vocación clásica y de su admiración por los grandes maestros del pasado. 

 

3 Dante Gabriel Rossetti (inglés,1828-1882) & William Morris (inglés,1834-1896)
The Owl Chair, 1856, madera de kapur natural y pintada
CRP004 

Rossetti, nacido en Londres, era miembro de una familia anglo-italiana de literatos; él mismo era pintor y poeta y en 1848 fundó la Hermandad Prerrafaelita, un movimiento artístico que idealizaba la Edad Media. En su juventud fue discípulo informal de Ford Madox Brown, que le transmitió su admiración por los nazarenos, los prerrafaelitas alemanes, y se propuso recuperar la pureza del arte prerrenacentista junto con William Holman Hunt, John Everett Millais y otros. Unía pintura, poesía e idealismo social. El ritual y la ornamentación de la época gótica le influyeron profundamente. En 1854 logró un poderoso patrón, el crítico de arte John Ruskin, pero para entonces el grupo se había deshecho. Posteriormente, con Edward Burne-Jones y William Morris inició una segunda fase del movimiento, marcada por el entusiasmo por un pasado legendario y la ambición de reformar las artes aplicadas, propugnando que el ámbito de las artes incluyera la artesanía. Con Morris como espíritu impulsor, diseñaron vidrieras, encuadernaciones de libros, papeles de pared, bordados o muebles.

Morris nació en Walthamstow, cerca de Londres; diseñador, artesano, poeta y socialista pionero, sus diseños de piezas de artes decorativas revolucionaron el gusto victoriano. En su juventud trabajó con G. E. Street, uno de los arquitectos del movimiento Revival, que se proponía revivir el gótico; bajo la influencia de Dante Gabriel Rossetti abandona la arquitectura por la pintura. Con Ford Madox Brown, Rossetti, Burne-Jones y otros funda en 1861 la empresa Morris, Marshall, Faulkner & Company, una asociación de “obreros de las bellas artes”, para hacer muebles, tejidos, vidrieras, papel de pared…; en 1874 la empresa es reorganizada como Morris & Company. En 1883 empieza a recorrer zonas industriales para difundir el socialismo; funda la Liga Socialista y posteriormente la Sociedad Socialista de Hammersmith. En 1891 empieza a funcionar la Kelmscott Press; en ella imprimen magníficos libros en tipografías diseñadas por Morris e inspirados en fuentes medievales. 

Estaba en el apartamento que Morris compartió con Burne-Jones en el 17 de Lion Square, Bloomsbury (Londres). En el Victoria & Albert Museum de Londres se conservan dos sillas muy similares a ésta, fechadas en 1856, el año que marca el inicio de la amistad de Rossetti con Morris y  Burne-Jones, a la sazón estudiantes en Oxford, y el comienzo de la segunda etapa de la Hermandad Prerrafaelita. Morris realizó muebles con diseños de Rossetti y de Burne-Jones; estas sillas corresponden a un tipo de muebles sólidos de aspecto rural y aire evocadoramente medieval. Pretendían comercializarlos a precios bajos para que todos tuvieran acceso a ellos. Con Rossetti creó también un sillón fino con asiento de juncos.

 

4 Georges Lacombe (francés, 1868-1916)
Retrato de Marie Lacombe y sus hijas, 1907-08, madera
CRP031

Nace en Versalles en una familia acomodada; no necesita vivir del arte y no vende sus pinturas. Es pintor y escultor; estudia con Henri Gervex and Alfred Philippe Roll en la Académie Julian. Admira sobre todo a Gauguin; su obra es simbolista y recuerda a las estampas japonesas. Pasa los veranos en la costa de Bretaña; establece relación con los nabis, muy interesados en Gauguin y en la búsqueda de un lenguaje pictórico más expresivo en forma y color. Pinta escenas bretonas y el mar. Hacia 1893 conoce a Gauguin y empieza a tallar sencillas esculturas en madera. Hay obra suya en el Musée d’Orsay, la Galería Nacional de Washington, el Cortauld Institute, la colección Norton Simon y los museos de Indianápolis, Quimper o Rennes.

 

5 Armand Point (francés,1860/61-1932)
Armario, c. 1892, tilo con guarniciones de latón
CRP014

Nace en Argel. Es un pintor, grabador y diseñador del ámbito simbolista. Primero pinta escenas orientalistas de Argelia; en 1888 marcha a París y estudia en la Academia de Bellas Artes con Auguste Herst y Fernand Cormon. A partir de 1890 expone en la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Le influyen Ruskin y los prerrafaelitas; es miembro del primer grupo nabi. Viaja a Italia y ve la Primavera de Botticelli; este artista y Leonardo le causan una gran impresión y se propone resucitar el arte de los siglos XV y XVI. Luego se adhiere plenamente al simbolismo; en 1896-1901 reside en Marlotte y funda el taller Haute-Claire, no lejos de la sede de la escuela de Barbizon. Con el cambio de siglo se interesa de manera creciente por las artes decorativas y quiere emular a William Morris.

Tallado por el escultor Charles Virion (1865-1946) sobre diseño de Point. Procede del dormitorio del propio Point. En una pata de la cama que forma parte del mobiliario de dormitorio aparece la firma “AP” con las letras entrelazadas. Fue diseñado por Armand Point, para su uso personal, en la Association de la Haute Claire de Marlotte, en el bosque de Fontainebleau. Inspirándose en la Red House de William Morris, Point fundó la Association de la Haute Claire en 1892; fue la primera colonia de artistas en Europa continental creada con la finalidad de producir obras de las artes decorativas diseñadas por un artista. Point se rodeó de artesanos que transcribieron sus dibujos a metal, esmalte, madera y otros soportes, a menudo utilizando técnicas del Renacimiento italiano caídas en el olvido. Expuesto en 2006-09 en el Musée des Arts Décoratifs de París.

 

6 Eduard Bick (suizo, 1883-1947)
Muchacha de pie, c. 1900, fresno teñido
CRP021

Nace en Wil (Suiza); es escultor, dibujante y artista gráfico; trabaja en Zurich y en Sant’Abbondio, donde se crea a su muerte la fundación que lleva su nombre. Es hijo de un orfebre y aprende este oficio. En 1906 ingresa en la Kunstakademie de Munich; en 1908 se traslada a Roma y empieza a dedicarse a la escultura. Entre 1910 y 1914 vive en Berlín, pero pasa temporadas en Italia. Al estallar la guerra regresa a Wil y después a Berlín; en 1919 vuelve definitivamente a Suiza; se afincará en Zurich, donde muere.

La obra procede de la herencia de Odette Valabregue Wurzburger (francesa, nacida en Aviñón y fallecida en Cleveland en 2006), filántropa, profesora de Derecho cofundadora de la Cleveland International Piano Competition y miembro condecorado de la Resistencia francesa. Una escultura similar de madera, con el mismo título y fecha y 79,5 cm de alto, fue donada por el barón August Freiherr von der Heydt al Museo de Bellas Artes de Weimar. El Museo Von der Heydt de Wuppertal posee otra escultura parecida, documentada y reproducida en el catálogo de la colección de escultura de dicho museo.  

 

7 William Degouve de Nuncques (francés, 1857-1935)
Romeo y Julieta, 1899, óleo sobre lienzo
CRP020

Nace en Monthermé (Ardenas, Francia); la familia se establece en Bélgica. Pintor autodidacta, entra en contacto con los poetas simbolistas belgas y pertenece al grupo Les XX. Viaja mucho y pinta vistas de Italia, Austria y Francia; entre 1900 y 1902 vive en las Baleares, dedicado a pintar paisajes. Hay obra suya en el Musée d’Orsay, Kröller- Müller de Otterlo y Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique de Bruselas, entre otros.

Titulado también Los amantes. El artista es casi desconocido en España pero goza de celebridad en el ámbito del simbolismo centroeuropeo. Halló inspiración en poetas simbolistas franceses como Stéphane Mallarmé y Rémy de Gourmont, pero sobre todo en el poeta y novelista simbolista belga Georges Rodenbach. Son muy representativos de su estilo sus imágenes misteriosas de casas y panoramas de bosques, y sobre todo parques de noche con farolas que proyectan enigmáticas sombras, como La casa rosada (1892), que transmiten la atmósfera de magia y misterio de sus obras; se ha dicho que influyó en el surrealismo, sobre todo en Magritte, cuatro décadas más joven, por sus efectos lumínicos. 

 

8 Henri Edmond Cross (francés,1856-1910)
Vista de Gravelinas (norte), desde el Grand-Fort-Philippe, c. 1891, óleo sobre lienzo
CRP012

Nace en Douai (Francia). La primera vez que expone en el Salón, en 1881, cambia su apellido, Delacroix, por la forma en inglés Cross para no ser confundido con Eugène Delacroix; al principio usa sólo el nombre Henri pero luego utiliza Henri-Edmond para evitar confusión con el escultor Henri Cross. Estudia en Lille con Alphonse Colas. En 1884 participa en la fundación de la Sociedad de Artistas Independientes. La influencia de Seurat y Signac lo hará adherirse al puntillismo. Antes se hallaba en la órbita de Manet y los impresionistas, pero en 1891 realiza su primera obra neoimpresionista. Se establece en el sur de Francia; pinta marinas y escenas de la vida campesina desde un punto de vista cercano al anarquismo. A mediados de los 90, Signac y él abandonan los puntitos de color por una técnica a modo de teselas de mosaico, un estilo importante en la formación del fauvismo. Hay obra suya en el Hermitage, el Musée d’Orsay, el Metropolitan y el Thyssen de Madrid, y en los museos de Chicago, San Francisco, Colonia…

La fecha aproximada de esta pintura, 1891, marca el punto de inflexión en la vida y el estilo del artista: en marzo muere Seurat, que había pasado su último verano precisamente en Gravelinas, cerca de Dunquerque, pintando paisajes y planeando El circo, su obra postrera. Rechazada su Baño en Asnières por el jurado del Salón oficial en 1884, Seurat decide fundar con sus amigos la Société des Artistes Indépendents. Al año siguiente el divisionismo o puntillismo está ya plenamente formulado y a él se adhieren varios artistas además de Cross: Signac, Dubois-Pillet, Maximilian Luce o el belga Van Rysselberghe, además de Pissarro, temporalmente; asimismo atrae la atención de Gauguin, Van Gogh y Regoyos. 

También en 1891 realiza su primera obra puntillista, un retrato de su esposa, y por razones de salud se instala definitivamente en el sur, primero en Cabassa y luego en Saint-Clair, cerca de Saint-Tropez, donde va Signac. Éste, el principal representante del movimiento tras la temprana desaparición de su creador, fue un gran viajero y pintó los puertos franceses. El de Gravelinas, en la luminosa y colorista visión de Cross, es una excelente muestra de la interpretación de un estilo tan riguroso por parte del artista de Douai, quien, valiéndose de puntos más grandes y de un cromatismo resplandeciente, ejercería una influencia en los comienzos del fauvismo en la obra de Matisse, Derain y Braque. Si la fecha  asignada a este cuadro es correcta, significa una anticipación a este posterior desarrollo.

 

9 Wassily Kandinsky (ruso, 1866-1944)
Una calle en Murnau, c. 1908, óleo sobre cartón madera
CRP032

Nace en Moscú; tras aprender música y pintura, estudia derecho y economía en la Universidad moscovita, donde enseñará desde 1892. Descubre a Rembrandt, a los impresionistas y a Wagner y decide dedicarse a la pintura. Se traslada a Munich y estudia con el pintor Anton Azbe y en la Academia. En 1902 expone por primera vez con la Berliner Sezession y en 1904 en el Salón de Otoño de París. Se inspira en la música de Arnold Schönberg y en los escritos de Wilhelm Worringer. Con Franz Marc funda el grupo expresionista Der Blaue Reiter; en 1911 celebran su primera exposición en la galería Tannhäuser de Munich. Esos años elige el camino de la abstracción pura; sus ideas teóricas se encuentran en escritos como De lo espiritual en el arte o Punto y línea sobre plano. En 1914 se traslada a Suiza y luego a Moscú; en 1917 es miembro del Comisariado Popular de Instrucción Pública. Cuando se impone el realismo socialista regresa a Alemania y da clase en la Bauhaus, que cerrarán los nazis en 1933; su arte es considerado “degenerado” y él huye a París; en Neuilly-sur-Seine su pintura recupera la abstracción libre de sus primeros años. Hay obra suya en grandes museos como el MoMA, Solomon R. Guggenheim de Nueva York, Musée National d’Art Moderne de París, Neue Pinakothek de Munich, Ludwig de Colonia o Galería Trétiakov.

En el verano de 1908 Kandinsky y su pareja, la pintora Gabriele Münter, descubren Murnau, cerca de Munich; será para él un paraíso terrenal y el lugar donde reelabore sus planteamientos artísticos, que muy pronto lo conducirán a la abstracción pura. Al año siguiente compran un casa, en la que pasarán temporadas hasta 1914. En sus repetidas estancias pinta muchos pequeños estudios al óleo de Murnau, generalmente, como aquí, una calle ancha en perspectiva hacia el fondo con colores vivos y contrastados, o bien caminos de campo.

 

10 Hermann Max Pechstein (alemán, 1881-1955)
Retrato de Charlotte Kaprolat, c. 1909, óleo sobre lino
CRP033

Pintor y grabador; miembro destacado del grupo expresionista alemán Die Brücke y conocido sobre todo por sus desnudos y paisajes. Nace en Zwickau (Alemania); en 1900 marcha a estudiar a Dresde. En 1906 se une a Die Brücke; ello y su conocimiento de las obras de Matisse lo llevan a usar discordantes combinaciones de colores de efecto muy emotivos. En 1910 es uno de los fundadores de la Neue Sezession berlinesa. En 1914 viaja al Pacifico Sur, donde pinta asuntos exóticos en un estilo primitivista. De regreso en Alemania diseña vidrieras y mosaicos y ocupa un puesto docente en Berlín. Es obligado a dimitir cuando los nazis declaran “decadente” su obra; no volverá a ocupar su cargo hasta después de la guerra.

Es una obra muy representativa de los cambios que experimenta el arte en el paso del siglo XIX al XX y en concreto del expresionismo alemán, al sustituir la representación objetiva de la realidad por la experiencia del artista, su expresión y su efecto sobre el espectador. El año 1909 es clave en la evolución de Pechstein con su primer viaje a Nidden (Báltico): en contacto con la naturaleza, crea en libertad y madura su estilo; esos dos años suponen la culminación de su arte, que funde forma, color y expresión. Es también una fecha fundamental por marcar el comienzo de la plenitud de Die Brücke, que recibe el decisivo estímulo del fauvismo.

 

11 Jean-Jacques Gailliard (belga, 1890-1976)
El Paraíso carmesí, 1917, óleo sobre lienzo
CRP065

Nace en Bruselas. Es pintor, dibujante, grabador, litógrafo y escultor; es uno de los primeros artistas abstractos belgas. En 1912 le seducen las tesis místicas del teósofo sueco Swedenborg y se convierte a la Iglesia de la Nueva Jerusalén. Desde 1923 participa en las exposiciones de La Lanterne Sourde, 7 Arts y Les Peintres Constructeurs; en 1924 es profesor de dibujo en el Instituto de Artes y Oficios de Bruselas; en 1925 funda con Flouquet y otros el grupo L’Assaut. En 1971 es elegido miembro de la Academia de Ciencias, Letras y Bellas Artes de Bélgica, sección de Artes Plásticas. Pinta vistas urbanas, paisajes, marinas, retratos, desnudos y naturalezas muertas; hay obra suya en museos de Bélgica y también de Estados Unidos, Israel, Francia e Irlanda.

La pintura procede de la reina Isabel de Bélgica, de quien pasó al Dr. Kyriakidis, representante europeo de Grecia en Bruselas. El reverso lleva el rótulo RE (reina Elisabeth) y el número de inventario manuscrito 945.

 

12 Georges Vantongerloo (belga, 1886-1965)
Caja, c. 1916-25, exterior, pintura al óleo sobre cartón con imprimación; interior forrado de papel
CRP057

Nace en Amberes; es el más célebre pionero belga de la pintura y la escultura abstractas. Estudia en las Academias de Bellas Artes de Amberes y Bruselas. De 1914 a 1918 vive en Holanda; en 1917 expone en el Cercle Hollando-Belge. Después crea obras abstractas puramente geométricas; aunque sus composiciones a modo de rejilla puedan parecer arbitrarias, están determinadas por relaciones matemáticas. Conoce al futurista belga Schmalzigaug y a Mondrian, Van der Leck y Van Doesburg. En 1924 publica su panfleto L’Art et son avenir. En 1931 expone en el Museo de Artes Decorativas de París y es elegido vicepresidente de la asociación de artistas vanguardistas Abstraction-Création. En 1936 participa en la muestra Cubism and Abstract Art del MoMA. Expone con Bill y Antoine Pevsner en el Kunsthaus de Zurich en 1949. Su 75 cumpleaños se celebró con una individual en la galería Suzanne Bollag de Zurich; en 1962 se presentó una amplia retrospectiva en la nueva galería Marlborough de Londres; con posterioridad ha habido muchas otras. Su obra está representada en innumerables colecciones públicas: Art Institute de Chicago, Groeningemuseum de Brujas, Kroِller-Müller de Otterlo, Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, colección Berardo de Lisboa, MoMA de Nueva York, Bellas Artes de Gante, Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas, Solomon R. Guggenheim de Nueva York y Tate Modern de Londres.

Procede del prestigioso coleccionista y filántropo americano Louis E. Stern, nacido en Rusia. Su Louis E. Stern Foundation eligió el Philadelphia Museum of Art en 1962 como receptor de parte de su colección. Stern fue miembro de la junta de gobierno de dicho museo desde 1950 hasta su muerte. 

La caja fue heredada por la hermana de Stern y después por miembros sucesivos de su familia. 

 

13 Georges Vantongerloo (belga, 1886-1965)
Construcción/Construction, c. 1917, madera de teca
CRP058

 

14 Edmond van Dooren (belga, 1896-1965)
Impresión de ciudad, Londres,1919, óleo sobre lienzo
CRP062

Pintor y diseñador gráfico, nace en Amberes. En 1911 ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, donde sorprende por su osadía cromática. Sus primeras obras, de 1914, son paisajes impresionistas en plein air. Pero le interesa más la forma que el contenido; en la Academia entabla amistad con Jozef Peeters; en 1916-1919 tienen una común pasión por representar metrópolis futuristas; estas pinturas prefiguran las imágenes de la película Metrópolis de Fritz Lang (1927). Cultivan también un tipo de estilo simbolista y romántico relacionado con su adoración por la música de Wagner. Influido por Robert Delaunay, la obra de Van Dooren se hace cada vez más abstracta. En 1918 funda con Peeters el grupo Arte Moderno, del que foman parte Cockx, Léonard y Maes; establecen contacto con Der Sturm y organizan tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Utiliza la técnica del grabado al linóleo, que favorece la abstracción geométrica. Sin embargo, su arte evoluciona hacia unas visiones de una utopía futurista, a menudo impregnadas de veneración por la máquina. Su imaginería futurista prefigura muchas películas de Spielberg. Expuso en Breda y Amberes (1956 y 1963); desde los años 70 se ha incluido obra suya en numerosas exposiciones sobre la vanguardia belga, entre las que destaca Modernisme. L’art abstrait belge et l’Europe (Museo de Bellas Artes de Gante, 2013). Tiene obra en dicho museo y en el de Amberes, entre otros.

 

15 Gustav Wunderwald (alemán, 1882-1945)
Grunewaldstrasse, Berlin-Westend, 1918, óleo sobre lienzo
CRP096

Nace en Colonia. Empieza de aprendiz con Wilhelm Kuhn; en 1899-1900 trabaja pintando decorados para muchos teatros de Alemania y el extranjero, y para la Ópera de Berlín. Tras la I Guerra Mundial se establece en Berlín; pinta escenas de la vida en los barrios de esta ciudad dentro del estilo de la Nueva Objetividad. En 1927 empieza a exponer escenas urbanas y paisajes; tendrá que dejar de hacerlo con la subida al poder de los nazis y sobrevive coloreando películas. Terminada la guerra, no tiene ocasión de volver a ejercer su profesión, pues muere al beber agua envenenada en el confuso Berlín de 1945.

 

16 Karl Schmidt-Rottluff (alemán, 1884-1976)
Sin título, 1910-11, textil
CRP034

Pintor y grabador celebrado por sus paisajes y grabados expresionistas, nació en Rottluff (Sajonia, Alemania) y empezó a estudiar arquitectura en Dresde, donde conoció a Kirchner y a Heckel. En 1905 ambos se trasladan a para estudiar y pintar; juntos formaron el grupo expresionista Die Brücke y presentaron su primera exposición en Leipzig. Añade a su nombre el de su población natal, Rottluff. En obras como Día de viento (1907) deja ver la transición de su estilo temprano al maduro de obras como Autorretrato con monóculo (1910), caracterizado por atrevidos colores disonantes. En 1911 se traslada a Berlín; numerosas obras de este período revelan su nuevo interés por el cubismo. Cuando los nazis suben al poder se le prohíbe pintar y es expulsado de la Academia Prusiana de las Artes; en 1937 se retiran de los museos muchas de sus pinturas y se incluyen algunas en la exposición Arte degenerado. En 1947 es contratado como profesor en la Universidad de las Artes de Berlín. Alemania le homenajea con numerosas retrospectivas y en 1956 recibe la medalla Pour le Mérite, la más alta distinción de Prusia. En 1964 es el principal promotor del Brücke Museum de Berlín, inaugurado en 1967 con las obras donadas por él y otros miembros de grupo. Sus obras pueden verse en el MoMA, Los Angeles County Museum, Muscarelle Museum of Art (Williamsburg), Museum am Theaterplatz (Chemnitz)…

La obra fue encargada al artista por Wilhelm Niemeyer, de Hamburgo, cuyos descendientes lo prestaron al Landesmuseum Schleswig-Holstein hasta 1999; en 2008 la vendieron (Christie’s, Londres, Old Master, Modern and Contemporary Prints); fue adquirida por Ronny van de Velde, de Amberes, quien la vendió en 2012 (De Vuyst, Lokeren, 12 de mayo de 2012, Oude Meesters, Moderne en Hedendaagse Kunst) a su actual propietario.  

Tras ser clasificado como “artista degenerado” y serle prohibida la creación artística, sus obras fueron robadas por funcionarios nazis, escondidas (muchas reaparecieron en el Hermitage de San Petersburgo, donde permanecieron), quemadas o vendidas en pública subasta en Suiza. Los historiadoras del arte coinciden en reconocerlo como uno de los los expresionistas alemanes más importantes. Schmidt-Rottluff no se veía sólo como pintor, escultor y grabador; también se interesaba por las artes aplicadas, tal vez motivado por el concepto de Gesamtkunstwerk u obra de arte total. Fue tal vez durante su estancia en el Fiordo Hardanger, en Noruega, en el verano de 1911, y posiblemente por influencia del arte popular noruego, cuando creó sus primeras obras de este tipo, que empezó a exponer ese año y al siguiente en una muestra en Colonia, uno de cuyos organizadores, Wilhelm Niemeyer – profesor de la Kunstgewerbeschule de Hamburgo e impulsor de la modernización de las artes aplicadas alemanas-, fue uno de los primeros coleccionistas que adquirieron obras del artista en esta modalidad, entre ellas el presente textil. El proyecto de diseño más importante de Schmidt-Rottluff fue encargado por Rosa Schapire en 1921 para el interior de su piso de Osterbekstrasse de Hamburgo; el proyecto, que incluía muebles, alfombras y diversos objetos de madera y metal, fue en parte confiscado y vendido como “arte degenerado” por el gobierno nazi y en parte destruido en los bombardeos de la II Guerra Mundial.

 

17 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Construcción, c. 1925, madera exótica
CRP134

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

En el reverso lleva el monograma KM en el ángulo inferior derecho y el sello de cera de la familia del último propietario en el ángulo superior derecho. Herman Maes, nieto del artista y fideicomisario de su archivo familiar, ha confirmado la autenticidad de la obra. De la herencia de Karel Maes pasó a Pieter Albertyn, de Amberes.

 

18 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1923, óleo sobre tabla de madera
CRP132

Firmado en el anverso, ángulo inferior derecho: KM. En el reverso lleva la inscripción a lápiz H vd Velde.

Acompaña al cuadro un certificado de autenticidad emitido por Herman Maes, nieto del artista. Procede de Piet Maes, el hijo del artista; heredado por Herman Maes; después, de Walter Daems, St. Truiden (Flandes), Bélgica.

 

19 Georg Kolbe (alemán, 1877-1947)
Henry van de Velde, 1913, bronce
CRP037

Nace en Waldheim (Alemania); estudia en la Escuela de Artes Aplicadas de Dresde, luego en la Academia de Bellas Artes de Munich y pasa seis meses en la Académie Julian de París. En 1898 inicia un estancia en Roma y se interesa por la escultura. A principios del siglo XX se dedica sobre todo al desnudo idealizado, que moldea y contorsiona; se percibe la influencia de Rodin y Maillol. En 1903 se establece en Berlín; es miembro de la Sezession y en 1913 se pasa a la Freie Sezession. En 1915 se alista voluntario; en el ejército se le encarga el diseño de memoriales de guerra. En 1919 es elegido miembro de la Academia de Berlín. Su obra de los años 30 posee una monumentalidad más heroica que atrae a los jerarcas nazis; se integra en la estructura de la Cámara de Cultura del Reich.

 

20 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
El tango, 1920, tinta china sobre papel
CRP071

Nace en Amberes. A sugerencia de su amigo Van Doesburg, para evitar prejuicios por ser mujer firma también obras como Tour d’Onasky y Tour Donas. Según Katherine Dreier, fundadora de la legendaria Société Anonyme, es “la primera pintora abstracta de Bélgica”. Se forma en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes; en 1916 estudia el arte de la vidriera en Irlanda. La exposición de André Lothe en París la introdujo en el cubismo. Sus primeras obras plenamente abstractas y poscubistas datan de 1917. Fue también una precursora del surrealismo. En 1918 ingresa en la célebre Section D’Or en París, que se inspira en el cubismo y el orfismo. La mayor contribución de Donas al arte moderno es haber sido la primera en empujar el cubismo a la abstracción. En 1919, Van Doesburgh publicó en De Stijl varios artículos sobre ella situándola entre los protagonistas del arte moderno. En 1920 expuso en Der Sturm, la galería de Herwarth Walden y centro vanguardista de Berlín; compraron todas las obras Walden y Katherine Dreier, quienes, aconsejados por Marcel Duchamp, reunieron una impresionante colección de piezas maestras de la vanguardia internacional, núcleo de las colecciones de la Yale University Art Gallery de New Haven y del MoMA de Nueva York. Expuso de nuevo en Der Sturm en 1923. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas presentó una retrospectiva suya en 1960. Su producción se ha mostrado en el Museo de Bellas Artes de Gante, el Von der Heydt de Wuppertal, los de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes o la Tate Modern de Londres. En cooperación con la Yale University Art Gallery y la Fundación Archipenko de Bearsville (Nueva York), el Museo de Bellas Artes de Gante presentó una importante muestra de su obra en 2016.

La artista se sentía intrigada por el movimiento y por el juego con las formas convexas y cóncavas, con las diagonales y con la alternacia de elementos anguloso y redondeados. Esto y su fascinación por la danza la llevan en 1917 a trabajar sobre el tema del tango hasta el despojamiento total y la reducción de las figuras a pura geometría en 1920. 

 

21 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
El Tango, Der Sturm, 1920, portada de revista con título, firma y fecha
CRP072

 

22 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Naturaleza muerta ‘K’, c. 1917-1918, óleo sobre lienzo
CRP068

 

23 Marthe Donas (belga/Belgian, 1885-1967)
El libro de imágenes, c. 1918, óleo sobre yeso y cartón 
CRP069 

Firmado al óleo por la artista en el anverso, abajo hacia la derecha: Tour Donas. El reverso contiene la inscripción al óleo por la artista 

N:16/Le livre d’images par/Tour Donas, así como dos etiquetas rectangulares de papel.

Marthe Donas conoció a Alexander Archipenko en 1917. Las revolucionarias shaped paintings de la artista belga revelan la influencia de las esculto-pinturas del ruso, probablemente inspiradas en los iconos rusos. Donas describió la técnica que usó en estas pinturas, que creó en sus capitales años 1917 y 1919, como facture épaisse en relief. Sin embargo, mientras que las esculto-pinturas de Archipenko, como los iconos rusos, tienen fondos cuadrangulares convencionales, Donas elimina el fondo, creando así las primeras shaped paintings de la historia del arte occidental, que prefiguran las del pop art americano de la década de 1960 (Jim Dine, James Rosenquist y Tom Wesselmann). Además, estas obras tienen las mismas formas irregulares de lo representado, convirtiéndose así en objetos, en pinturas objeto. Donas compuso este cuadro siguiendo la silueta de un huevo, símbolo de la maternidad, que es su tema.

 

24 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Adán y  Eva, 1927, assemblage en técnicas mixtas
CRP076

Firmado y fechado en el anverso, abajo a la derecha: Donas 1927. La artista la vendió a Maurits Bilcke, famoso crítico belga de arte, en 1961. La Fundación  Marthe Donas confirmó la autenticidad y fecha del cuadro, que la artista incluyó en el inventario de su obra para el año 1927. Su hija, Françoise Franke van Meir, las confirmó igualmente y recuerda haber visto la obra en casa cuando era pequeña. 

 

25 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Naturaleza muerta de la cuchara, 1920, grafito sobre papel
CRP074

 

26 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Maceta de cinerarias, 1923, técnicas mixtas sobre tabla
CRP075 

Firmado y fechado en el reverso, arriba a la derecha: Pot de Cinéraires/Donas/Sceaux avril 1923. 

Edmund-Kesting, Verschränku

Edmund Kesting, Ensamblajes.

Eileen-Gray, Sin título

Eileen-Gray, Sin título.

El Lissittzky, Proun.

El Lissittzky, Proun.

Maria Roosen, Red Roosenary.

 Paul Joostens, Dada Object.

Franz Marc, Dos caballos en un paisaje.

Franz Marc, Dos caballos en un paisaje.

Kurt Schwitters, Sin título.

Kurt Schwitters, Sin título.

SALA 6 (27 - 52)

 27 Kurt Schwitters (alemán, 1887-1948)
Sin título, 1929, madera pintada
CRP184

Nace en Hannover (Alemania). Estudia en las Academias de Dresde y Berlín y en 1918 expone sus primeras obras, cubo-futuristas, en Der Sturm. Atraído por la naciente escuela dadá y rechazado por el círculo berlinés, formó su propia variante en Hannover; empezó a crear composiciones con objetos cotidianos de desecho; sus poemas son también una mixtura de materiales impresos. Se refería a todas sus actividades artísticas –y después también a todas sus actividades cotidianas y a él mismo- como Merz, una palabra sin sentido derivada de Kommerz. En 1922 recibe la influencia de De Stijl y se acerca al constructivismo; en 1927 funda Die Abstrakten Hannover, junto a Friedrich Vordemberge-Gildewart. En 1930 participa en las actividades del grupo Cercle et Carré y en 1932 se suma a Abstraction-Création. En 1937 marcha a Noruega; cuando los nazis invaden el país escapa a Inglaterra. En sus últimos años combina Merz con una vuelta a la figuración. En 1994 se crea en el Museo Sprengel (Hannover) el Archivo Kurt Schwitters, un centro de investigación internacional. Hay obra suya en los más importantes museos de arte contemporáneo del mundo, como el MoMA o la Tate Gallery de Londres.

28 Edmund Kesting (alemán, 1892-1970)
Ensamblajes, 1920-25, assemblage en técnicas mixtas 
CRP137

Nace en Dresde; es fotógrafo, pintor y profesor de arte. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de Dresde; luego presta servicio como soldado en la I Guerra Mundial. Terminada la contienda, continúa su formación con Richard Müller y Otto Gussmann. En 1923 celebra su primera exposición de sus fotogramas en la histórica galería Der Sturm. Establecido en Berlín, entabla relación con las vanguardias de la capital y utiliza técnicas experimentales; los nazis lo incluirán en la muestra de “arte degenerado”. Tras la II Guerra Mundial se integra en un grupo de artistas que adopta la denominación “Llamamiento a un arte en libertad”. Participa en la polémica del realismo socialista y el formalismo que tuvo lugar en la República Democrática Alemana; su obra no fue expuesta hasta 1949-1959. En 1967 ocupa un puesto de profesor en la Academia de Cine y Televisión de Potsdam.

Dedicado y regalado por el artista en 1926 a Nell Rosland Walden (Berlín), pionera de la pintura abstracta en Suiza y segunda esposa de Herwarth Walden, creador de la revista Der Sturm (1910) y de la galería del mismo nombre (1912) en Berlín, dedicadas a las nuevas tendencias artísticas.

29 Marthe Donas (belga, 1885-1967)
Composición con dos mujeres, 1920, tinta china sobre papel
CRP073

 

30 Jos Léonard (belga, 1892-1987)
Sin título, 1923, gouache y collage sobre papel
CRP124

Nace en Amberes. Es uno de los primeros artistas no figurativos de Bélgica. Sus primeras obras abstractas, influidas por el Art Nouveau, el cubismo y el futurismo, datan de 1912. Después le influyeron los artistas de De Stijl. Es uno de los principales modernistas de Amberes junto con el gran poeta vanguardista Paul Van Ostaijen y artistas como Paul Joostens, Jozef Peeters y otros. Colaboró con Joostens en las revistas vanguardistas Sélection, Ça ira y Het Overzicht. Después de 1925 trabaja como innovador diseñador de libros, publicidad e interiores; importantes editores recurren a él. Su obra atrajo mucha atención cuando se expuso en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en 1987. Muchas de sus obras se inspiraron en la I Guerra Mundial y en la música de Arnold Schoenberg; en ocasiones representan figuras humanas abstractas con una sensibilidad cercana a la de Archipenko, o nocturnos y metrópolis futuristas próximos a los de Van Dooren. En 1973 donó al Museo Plantin-Moretus de Amberes más de 700 obras sobre papel, lo que hizo que fueran muy raras en el mercado. En 1987 su obra entró en las colecciones permanentes de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

 

31 Karel Maes (belga, 1900-1974)  
Sin título, c. 1923, grafito y acuarela sobre papel
CRP133

 

32 El Lissitzky (ruso, 1890-1941)
Proun, c. 1920, técnicas mixtas sobre papel
CRP126

Nace en Pochinok, cerca de Smolensk, en el seno de una familia judía. En 1903 empieza a estudiar con Pen, maestro también de Chagall. En 1909 marcha a Alemania a estudiar arquitectura; viaja a París e Italia y en 1915 se instala en Moscú. En 1917 expone con el grupo Mir Iskusstva (Mundo del Arte); tras la Revolución se dedica a diversas actividades culturales judías: editor e ilustrador de libros, fundador de la Sociedad para el Fomento del Arte Judío y organizador de la Exposición de Pintura y Escultura de Artistas Judíos. En 1919 es invitado por Chagall a enseñar arquitectura y artes gráficas en la Escuela de Vitebsk; influido por Malevich, que llegada en 1919, adopta el suprematismo y desarrolla el concepto de PROUN como intermediario entre la arquitectura y la pintura. En 1920 entra en el moscovita INKhUK (Instituto de Cultura Artística) y en 1921 es profesor en los VKhUTEMAs. En 1922 funda con el poeta Ehrenburg la revista Object; defienden un compromiso entre el concepto tradicional de arte y el constructivista de arte de producción. En los años veinte viaja con frecuencia a Occidente y actúa como enlace entre los vanguardistas rusos y los occidentales: con los dadaístas, la Bauhaus en Alemania y De Stijl en Holanda; participa en exposiciones y colabora en revistas de la vanguardia. Desde 1925 vive casi siempre en Rusia; diseña interiores y muebles en los VKhUTEMAs. En 1925 concluye su utópico proyecto de rascacielos Estribanubes. En 1929 hace un modelo para una producción teatral. Luego trabaja sobre todo en el diseño de exposiciones en Alemania y Rusia. En los años treinta se dedica también a la fotografía y al fotomontaje. En 1928 se une al grupo Octubre y en 1930 publica su informe sobre la arquitectura soviética. Sus últimas obras son carteles antifascistas, que crea hasta su muerte. Hay obra suya en los museos de Chicago, Dallas, San Francisco, Guggenheim de Nueva York, Metropolitan, MoMA, Ludwig (Colonia), Thyssen (Madrid); galerías nacionales de Escocia y Canadá; Tate, Basilea, colecciones Norton Simon y Peggy  Guggehnheim (Venecia).

33 Jos Léonard (belga, 1892-1987)
Sin título, c. 1924, tinta china sobre papel
CRP125

 

34 Eileen Gray (irlandesa, 1878-1976)
Sin título, c. 1930, goauche sobre papel
CRP187

Nace en el condado de Wexford, en Irlanda, en una familia aristocrática. Estudia en la Slade School of Fine Arts de Londres de 1898 a 1902. Se inicia en la pintura pero cuando se instala en París en 1907 se interesa por el lacado de muebles, que aprende con el maestro japonés Seizo Sougarawa. En 1913 expone en el Salon des Artistes Décorateurs y llama la atención del coleccionista Jacques Doucet, para el que realiza la famosa mesa Lotus y la pantalla de cuatro paneles titulada Le destin. En 1922 abre su propia tienda, la Galerie Jean Désert. Sus propuestas se apartan de lo meramente decorativo y se caracterizan por su abstracción, sencillez y funcionalidad. Máxima representante del Art Deco, son muy apreciados sus muebles con tubos de acero cromado y cristal. Su vida personal es muy intensa: conduce ambulancias durante la I Guerra Mundial en París; forma parte de los círculos de lesbianas de su época, junto a Romaine Brooks, Gabrielle Bloch, Loie Fuller o Natalie Barney, y mantiene una relación íntima con el arquitecto rumano Jean Badovici, que la impulsa a experimentar directamente con la arquitectura. En 1926 proyecta la célebre casa E.1027 (Francia), que despierta la admiración de Le Corbusier y acaba siendo motivo de conflicto entre ambos. En 1972 la Royal Society of Arts reconoce su trayectoria como diseñadora, arquitecta y artista otorgándole la distinción de Royal Designer for Industry. Hay obra suya en el Metropolitan y en el Victoria & Albert.

 

35 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela, gouache y grafito sobre papel 
CRP130

 

36 Franz Wilhelm Seiwert (alemán, 1894-1933)
Sin título, 1922, pastel sobre papel
CRP140

Nace en Colonia (Alemania). A los siete años, durante un tratamiento radiológico experimental, sufre graves quemaduras que le marcan profundamente. En 1910 empieza a estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Colonia. En 1919 conoce a Max Ernst y colabora con él en distintas actividades del movimiento dadaísta, del que se desmarca cuando crea, junto a Heinrich Hoerle y Anton Räderscheidt, el grupo Stupid, en la línea del constructivismo, que seguirá como pintor y escultor. Sus ideas comunistas lo llevan a colaborar en la revista Die Aktion. En 1923 celebra su primera gran individual en el Kunstverein de Colonia, siendo ya uno de los líderes del Grupo de Artistas Progresistas, creado tras la I Guerra Mundial, muy activo políticamente e identificado con el comunismo y el anarcosindicalismo. En 1929 funda la revista Az para difundir el constructivismo figurativo, uno de cuyos principales teóricos es. Cuando Hitler asume el poder en 1933, Seiwert huye al Siebengebirge; sus amigos lo convencen de que regrese por su frágil salud, pero muere ese mismo año. Su obra puede verse en el MoMA, el Centro Pompidou (París), la National Gallery of Art (Londres), el Harvard Museum of Art y el Akron Art Museum (Ohio) o el Los Angeles County Art Museum.

37 Jozef Peeters (belga, 1895-1960)
Sin título, c. 1920, carboncillo sobre papel
CRP041

Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.

 

38 Reimond Kimpe (belga, 1885-1970)
Sin título, 1934, carboncillo sobre papel de plata
CRP193

Nace en Gante (Bélgica). Se gradúa como ingeniero civil en la Universidad de Gante. Autor en revistas de prestigio y novelista, cultiva la pintura de forma autodidacta. Su participación activa en el Consejo de Flandes, creado en 1917 por partidarios de la independencia flamenca y apoyado por Alemania, deriva en una condena a muerte; huye a Holanda al acabar la guerra y se instala en Middelburg, donde trabaja en proyectos de construcción. En 1923, una enfermedad le obliga a abandonar la ingeniería y se centra en la creación. En 1924 muestra en el Middelburg Kunstmuseum su obra, de estilo expresionista y con un profundo simbolismo, en la línea de pintores flamencos como Permeke y Gustaaf de Smet. Se inspira en paisajes, barcos y puertos, hombres y mujeres de Walcheren; hace también obras de carácter más abstracto. Desde 1929 pasa largas temporadas en París, donde expone su obra y conoce a Picasso y Chagall. En 1940 su estudio y gran parte de sus obras perecen en el incendio de Middelburg. En 1942 expone en el Museo Frans Hals de Haarlem; en 1952, en el Museum Het Prinsenhof (Delft) y en 1962 en el CAW aan de Meir de Amberes. También expone en el Stedelijk Museum y el Rijksmuseum de Ámsterdam. En 1997 se celebra en el Singer Museum de Laren una retrospectiva que luego va al Museo Zeeuws de Middelburg. Hay obra suya en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Bojmans, Bellas Artes de Amberes, Zeeuws de Middelburg o Arte Moderno de Caracas. 

 

39 Jozef Peeters (belga, 1895-1960)
Fantasía lírica, 1919, acuarela y tinta sobre papel
CRP040

 

40 Léon Kelly (estadounidense, 1901-1982)
Sin título, c. 1920, grafito sobre papel
CRP122

Nace en Filadelfia. Pintor, dibujante y escultor, trabaja en el ámbito del surrealismo americano, pero cultiva también el cubismo, el realismo social y la abstracción. En 1925 marcha a París; es el primero de sus viajes a Europa. En 1946, impresionado por los tejidos peruanos, inicia un nuevo estilo. Un elemento característico de su pintura son unos gigantescos insectos de tamaño parecidos a mosquitos. Tiene obra en el Metropolitan de Nueva York, el Whitney Museum of American Art, el MoMA y el Museo de Filadelfia, entre otros.

Firmado a lápiz en el ángulo inferior izquierdo: Léon Kelly, y a pluma en el reverso, en el centro: Léon Kelly . Procede de Michael y Marilyn Gould. De sus maestros, Jean Auguste Adolphe, Alexandre Portinoff, Arthur Carles y Earl Horter, hay que destacar el interés de este último por el cubismo, que, sin duda junto con su colección de pintura, influyó en las obras abstractas de Kelly en su época temprana, entre 1919 y 1925. 

 

41 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Asta Nielsen, 1916, grafito sobre papel
CRP047

Artista visual y escritor, nace en Amberes y estudia en su Academia de Bellas Artes. Creó los primeros collages y objetos dadá en 1916, tres años antes que Kurt Schwitters, a quien se suele atribuir esta hazaña, y los primeros architectons unos siete años antes que Malevich. Sus assemblages en cajas, hechos de materiales encontrados, combinan la austeridad formal del constructivismo con la fantasía del surrealismo; realiza también vigorosas pinturas poscubistas y futuristas. Sus primeras muestras individuales tienen lugar en 1917 en el Centre Artistique de Amberes y en la mítica galería Georges Giroux de Bruselas. Anarquista, junto con los dadaístas belgas Paul Neuhuys y Willy Koninck critica el orden establecido. Fue cofundador de De bond zonder gezegeld papier junto con Floris y Oscar Jespers y su amigo Paul van Ostaijen, el gran poeta vanguardista. También colabora con Léonard en las revistas Sélection, Ça ira y Het Overzicht. Desde 1927 y en los años treinta se aleja de la vanguardia y se convierte en un ermitaño. Católico estricto, en esta época crea su estilo “gótico”, inspirado en los primitivos flamencos: pinturas impregnadas de misticismo religioso y erotismo pubescente. En 1935 realiza una magnífica serie de fotomontajes. Antes de la II Guerra Mundial su pintura se llena de temas alucinatorios y fantásticos. Desde 1946 hasta su muerte domina la figura femenina, ya como la Virgen, ya como las prostitutas de los barrios populares de Amberes. Hay obras suyas en museos como los de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas y el de Gante; se han expuesto en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden y Tate Modern de Londres. La última retrospectiva se presentó en 2014 en el Mu.Zee de Ostende. El Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou dedicó un importante capítulo a Joostens en el catálogo de su exposición Dada.

Se trata de un assemblage de 13 elementos. Lleva el sello del estudio (monograma) dos veces en la parte inferior y una en la parte de atrás. Es el objeto dadá más antiguo que se conoce del artista. Ha sido expuesto en numerosas muestras, entre ellas Paul Joostens 1889-1960, International Cultureel Centrum, Amberes, 1976; Paul Joostens 1889-1960, Belgisches Haus, Colonia, 1976; Surrealism in Visual Arts and Film, Retretti Art Centre, Punkaharju, Finlandia, 1987; Paul Joostens, Provinciaal Museum voor Moderne Kunst, Ostende, 1989; L’Avant-Garde en Belgique 1917-1929, Musée d’Art Moderne, Bruselas, 1992; Dada l’arte della negazione, Palazzo delle Esposizioni, Roma; Dada, Centre Pompidou, París, y The National Gallery of Art, Washington, D.C., 2005; Van Doesberg & the International Avant-Garde: Constructing a New World, Tate Modern, Londres, y Stedelijk Museum de Lakenhal, Leiden, 2010; Joostens 1889-1960, MuZee, Ostende, 2014; Modernisme, L’art abstrait belge et l’Europe, Museum voor Schone Kunsten, Gante, 2013. Se halla reproducido en los catálogos de la mayoría de ellas.

 

42 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
El espíritu del pueblo, 1919, grafito y tinta china sobre papel
CRP051

Arriba, en el centro, a lápiz el título en neeralandés: de geestelijke op het dorp, la fecha, 1919, y la firma, P. Joostens. Procede de Paul van Ostaijen (Amberes), de quien pasó a Roberto Polo (Bruselas).

 

43 Jozef Peeters (belga, 1895-1960)
Sin título, 1915, acuarela sobre papel
CRP039

 

44 Georges Vantongerloo (belga, 1886-1965)
Función y variante,1939, amalgama de pigmento y goma arábiga sobre papel
CRP060 

Inscrito en el reverso por el artista: Fonction et variante/Paris 1939/G. Vantongerloo. Autografía y fecha del coleccionista Emiel Bergen asimismo en el reverso: E. Bergen 2002. Procede de Max Bill (Zurich), que lo regaló al crítico de arte Emiel Bergen (Bruselas) en 1981. La viuda de Bergen lo vendió a René Van Blerck en 1990. Se ha expuesto en diversas muestras, entre ellas Georges Vantongerloo, Musée Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas, 1981; Kunstaspekten rond de jaren 1920-1930, Modern Art c.v., Amberes, 1990; Georges Vantongerloo 1886-1965, Galerie Ronny van de Velde, Amberes, 1996; Georges Vantongerloo 1886-1965 Un pioneer de la sculpture moderne, Musée Départemental Matisse du Cateau-Cambrésis, Francia, 2007; Georges Vantongerloo. Un anhelo de infinito, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2009. El compositor Frank Agsteribbe lo copió en 2013 con indicaciones musicales.

 

45 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Objeto dadá, c. 1920, assemblage en madera
CRP053

 

46 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Objeto dadá, c. 1925, assemblage en técnicas mixtas
CRP054

 

47 Adolf Seehaus (alemán, 1891-1919)
Sin título, 1915, tinta china sobre papel
CRP045 

Pintor expresionista nacido en Bonn. Fue descubierto por August Macke y se formó como artista mientras trabajaba con él; algunas de sus obras fueron incluidas en la muestra de expresionistas renanos organizada por Macke en 1913. Expuso también en Der Sturm y otras galerías. Su producción –escasa al haber muerto tan joven-, con ecos del fauvismo, del cubismo y del futurismo, se inspira en su hogar en Renania y en su viaje a Inglaterra e Irlanda. Su manera de descomponer objetos en intrincadas formas aisladas y zonas de color enlaza con Robert Delaunay.

 

48 Franz Marc (alemán, 1880-1916)
Dos caballos en un paisaje, c. 1913, tinta china y grafito sobre papel
CRP038 

Nace en Munich. Pintor y grabador célebre por el misticismo de la naturaleza que hay en sus pinturas de animales, estudia filosofía y teología, así como arte en la Academia de Munich. En 1903 su naturalismo académico se ve aligerado por el contacto con el impresionismo francés; después, las curvas del Jugendstil muniqués y el arte turbulento de Van Gogh le revelan el potencial emotivo de la línea y el color. En 1909 se une a la Nueva Asociación de Artistas, donde conoce a Macke. En 1910 conoce a Kandinsky, con quien edita Die Blaue Reiter, revista que dará nombre al nuevo grupo, dirigido por Kandinsky. En 1912, su admiración por Robert Delaunay y los futuristas italianos hace su arte cada vez más dinámico. La tendencia a un expresionismo puramente abstracto culmina en su últimas grandes obras. Muere en Verdún, durante la I Guerra Mundial. Hay obra suya en el Franz Marc Museum (Kochen am See, Alemania), los museos Guggenheim (Nueva York), MoMA, Metropolitan, Städel (Frankfurt), Stuttgart, Chicago, Boston, Los Ángeles, Thyssen (Madrid), National Gallery de Washington y Norton Simon Collection.

 

49 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Sin título, c. 1936, óleo sobre lienzo montado sobre tabla
CR50 P056

 

50 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Objeto dadá, c. 1918, assemblage en técnicas mixtas
CRP050

La obra procede de la herencia del artista; de Maurice Verbaet y su esposa (Amberes), pasó a Roberto Polo (Bruselas). Fue expuesta en las muestras Paul Joostens 1889-1960, Internationaal Cultureel Centrum, Amberes, 1976; Belgische Kunst Een moderne eeuw I Collectie Caroline en Maurice Verbaet, Museum van Elsene, Elsene (Bruselas), 2012; y Joostens 1889-1960, MuZee, Ostende, 2014.

 

51 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Objeto dadá, c. 1927, assemblage en técnicas mixtas
CRP055 

Procede de la herencia de Paul Joostens; pasó a la Wide White Space Gallery de Amberes; después, a Isi Fiszman (Bruselas), a Ronny van de Velde (Amberes) y a colección particular bruselense. Se ha expuesto en: Paul Joostens, Wide White Space Gallery, Amberes, 1970; Paul Joostens 1889-1960, International Cultureel Centrum, Amberes, 1976; Ad Absurdum, Marta Herford, Herford, Alemania, 2008. Se halla reproducido en los catálogos de las dos últimas.

 

52 Paul Joostens (belga, 1889-1960)
Gilles de Binche (Objeto dadá), 1920, assemblage en técnicas mixtas 
CRP052

 

SALA 7

Vista de la sala 7, con obras de Marc Eemans y una mesa diseñada por Servranckx en el centro.

Vista de la sala 7, con obras de Marc Eemans y una mesa diseñada por Servranckx en el centro.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Marc Eemans, Kallomorphose V.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Gustáv Miklos, Sin título.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Karel Maes, alfombra.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Victor Servranckx, mesa.

SALA 7

 

1 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Kalomorfosis, 1925, assemblage sobre madera, pintado 
CRP152

Pintor, poeta y crítico belga de arte; nace en Termonde (Bélgica). Mientras estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas conoce a Victor Servranckx, que le enseña los principios del arte no figurativo. A los 15 años entra en el grupo de vanguardia belga 7 Arts. Sus primeras y revolucionarias obras son assemblages constructivistas y pinturas no figurativas meticulosamente equilibradas en solemnes y sutiles armonías de color, que prefiguran las de Mark Rothko. En 1925 empieza a alejarse del arte no figurativo y se convierte en el primer pintor surrealista de Bélgica, antes de Magritte. Exponiendo con Salvador Dalí entabla amistad también con miembros de la Societé du Mystère, grupo surrealista belga. Sus pinturas de este período se inspiran en las cualidades espirituales de los prerrafaelitas, los románticos alemanes y los simbolistas. En 1939 expone en los Indépendants en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Desde entonces sus obras se han exhibido en muchos lugares, entre ellos el Museo de Bellas Artes de Gante y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Como poeta y escritor colaboró con la revista surrealista Distances, que dirigía desde París Camille Goeman, primero en ocuparse de la obra de Dalí. Antaño en el meollo mismo de los acontecimientos ideológicos del grupo surrealista, decidió abandonarlo para desarrollar sus experiencias en solitario, pero mantuvo la amistad con Goemans, Magritte y Mesens. Su obra se conserva en colecciones públicas como las de los Museos de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

Firmado y fechado en el reverso, ángulo inferior izquierdo: MARC. EEMANS.XXV    

Procede de la colección Carl László, de Basilea; después, de la Galerie von Bartha de la misma ciudad y de la colección Bernet, de Munich.

 

2 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Kalomorfosis V, 1924, assemblage en técnicas mixtas
CRP149 

Firmado y fechado en el anverso, ángulo inferior derecho: MARC EEMANS XXIV. El reverso lleva en el ángulo superior izquierdo la etiqueta de la exposición The Planar Dimension, celebrada en Nueva York. Procede de la colección Neyrinck (Sint-Martens-Latem); después, de la colección Carl László y de colección particular de Munich, de donde pasó a la colección de los señores Polo (Bruselas). Expuesta en The Planar Dimension, The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 1979.

En 1924, Eemans inició una serie de obras, bien relieves pintados sobre tabla bien óleos sobre lienzo, en las cuales es visible la relación con el grupo 7 Arts con su defensa de la razón en las artes y su concepción de la pintura como algo cercano, si no subordinado, a la arquitectura. En octubre de 1978, Eemans explicó el título que dio a todas ellas, “kalomorfosis”, en una carta a Margit Rowell, autor del catálogo de la muestra The Planar Dimension, celebrada al año siguiente en el Solomon R. Guggenheim Museum; dice que la creó por analogía con “metamorfosis” y anamorfosis”, y recuerda  que la palabra griega kallos significa “belleza”.   

 

3 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Alfombra, c. 1925, lana
CRP135

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

 

4 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Mesa, 1925, acero cromado con la parte superior en incrustaciones de maderas preciosas y acero cromado
CRP087

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

 

5 Gustáv Miklos (húngaro, 1888-1967)
Sin título, c. 1924, ébano lacado
CRP167

Nace en Budapest (Hungría). De 1904 a 1906 estudia en la Real Escuela Nacional de Artes y Oficios de Hungría con Kimnach Laszlo; conoce al escultor Joseph Csaky. En París estudia en la Académie de La Palette con Henri Le Fauconnier y se aproxima al cubismo. Entra en el estudio de Jean Metzinger y expone en el Salón de Otoño y en la Société des Artistes Indépendants, donde conoce a Archipenko y Léger. También cultiva la ilustración, el cartelismo y el diseño de muebles. En la I Guerra Mundial sirve en Bizerta, Túnez y Salónica; sigue dibujando y pintando acuarelas de colores vivos, inspirado por los nuevos paisajes. En 1919 expone en la Exposition des artistes d’Orient, en Atenas. En 1922 obtuvo la ciudadanía francesa. Jacques Doucet, coleccionista y diseñador de joyas, le pide que participe en la decoración de su villa de Neuilly. En 1923 expone en una colectiva en la Galerie de L’Effort Moderne de Léonce Rosenberg; en 1925, en la Exposición Internacional de Artes Industriales y Decorativas Modernas, ya inscrito en las filas del Art Deco, y en 1928 en la Galerie de la Renaissance. En 1930 entra en la Unión Francesa de Artistas Modernos. En 1939 se traslada a Oyonnax (Francia), donde imparte clases de arte y muere, ya olvidado. Se le redescubre en varias exposiciones sobre el Art Deco; hay obra suya en muchas colecciones públicas y privadas.

 

6 Vasily Dmitriewitsch Ermilov (ucraniano, 1894-1968)
Relieve suprematista M, 1924, assemblage en técnicas mixtas
CRP166 

Nace en Jarvik (Ucrania). Es pintor y diseñador cubista, constructivista y neoprimitivista. Estudia en la Escuela de Artes Aplicadas de su ciudad y en 1912 va a la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. En 1913 entra en el grupo Budiak y en 1914 vuelve a la Escuela de Jarvik. En 1918 funda la Liga de los Siete, que organiza una exposición. En 1920 dirige la sección de arte de la oficina ucraniana de la Agencia Rusa y es decorador del movimiento agitprop Ucrania Roja. En 1925 entra a formar parte de la Asociación de Arte Revolucionario de Ucrania. En 1928 diseña la revista Avantgarde y también portadas de libros y revistas, e interiores. En los años cuarenta es profesor del Instituto Nacional de Arte de Jarkov. Tomó parte en muchas muestras internacionales: Leipzig 1922 (medalla de oro), París 1925, Colonia 1928; en Jarkov, una individual en 1962 y retrospectivas en 1969 y 1994. Es uno de los constructivistas más importantes de Ucrania y de los mejores diseñadores de su generación; destacan sus trabajos en carteles, propaganda política y publicidad. Tiene obra en museos y colecciones de Rusia, Ucrania, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania y Francia.

 

7 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Kalomorfosis X, 1925, óleo sobre lienzo
CRP151

Firmado y fechado, más el título, en el reverso, que lleva también la etiqueta de la exposición Vers une plastique pure, Les premiers abstraits belges / 1918-1930, en Bruselas. Procede de colección particular de Bruselas y de colección particular de Berlín. Expuesto en Vers une plastique pure, Les premiers abstraits belges / 1918-1930, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas, 1972.

 

8 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Sin título, 1926, óleo sobre cartón
CRP153

 

9 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Kalomorfosis VI, 1925, óleo sobre lienzo
CRP150

Firmado y fechado en el anverso, ángulo superior izquierdo; lo mismo más el título en el reverso. Procede de colección particular de Bruselas y de colección particular de Berlín. 

 

10 Georges Tesson (francés)
Sin título, c. 1925, óleo sobre masonita
CRP105

Es pintor y escultor francés de estilo poscubista, abstracto. Su principal inspiración proviene de la Escuela de París y del cubismo. En el mercado, sobre todo en Holanda, han aparecido pinturas firmadas G. Tesson o con el monograma G.T., de factura rigurosa y profesional, y tendencia geométrica. Unas, coloristas, muestran un espíritu poscubista y recuerdan a Léger, Metzinger o Hayden; otras, abstractas y muy construidas, en tonos grises, ocres y pardos, recuerdan al orden austero de Ben Nicholson.

SALA 7

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 7, con obras de Marc Eemans y una mesa diseñada por Servranckx en el centro.

Ivan Liun, Carpintero.

Marc Eemans, Kallomorphose V.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Gustáv Miklos, circa 1924, Sin título.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Karel Maes, rug.

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Victor Servranckx, table.

SALA 7

 

1 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Kalomorfosis, 1925, assemblage sobre madera, pintado 
CRP152

Pintor, poeta y crítico belga de arte; nace en Termonde (Bélgica). Mientras estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas conoce a Victor Servranckx, que le enseña los principios del arte no figurativo. A los 15 años entra en el grupo de vanguardia belga 7 Arts. Sus primeras y revolucionarias obras son assemblages constructivistas y pinturas no figurativas meticulosamente equilibradas en solemnes y sutiles armonías de color, que prefiguran las de Mark Rothko. En 1925 empieza a alejarse del arte no figurativo y se convierte en el primer pintor surrealista de Bélgica, antes de Magritte. Exponiendo con Salvador Dalí entabla amistad también con miembros de la Societé du Mystère, grupo surrealista belga. Sus pinturas de este período se inspiran en las cualidades espirituales de los prerrafaelitas, los románticos alemanes y los simbolistas. En 1939 expone en los Indépendants en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Desde entonces sus obras se han exhibido en muchos lugares, entre ellos el Museo de Bellas Artes de Gante y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Como poeta y escritor colaboró con la revista surrealista Distances, que dirigía desde París Camille Goeman, primero en ocuparse de la obra de Dalí. Antaño en el meollo mismo de los acontecimientos ideológicos del grupo surrealista, decidió abandonarlo para desarrollar sus experiencias en solitario, pero mantuvo la amistad con Goemans, Magritte y Mesens. Su obra se conserva en colecciones públicas como las de los Museos de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

Firmado y fechado en el reverso, ángulo inferior izquierdo: MARC. EEMANS.XXV    

Procede de la colección Carl László, de Basilea; después, de la Galerie von Bartha de la misma ciudad y de la colección Bernet, de Munich.

 

2 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Kalomorfosis V, 1924, assemblage en técnicas mixtas
CRP149 

Firmado y fechado en el anverso, ángulo inferior derecho: MARC EEMANS XXIV. El reverso lleva en el ángulo superior izquierdo la etiqueta de la exposición The Planar Dimension, celebrada en Nueva York. Procede de la colección Neyrinck (Sint-Martens-Latem); después, de la colección Carl László y de colección particular de Munich, de donde pasó a la colección de los señores Polo (Bruselas). Expuesta en The Planar Dimension, The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 1979.

En 1924, Eemans inició una serie de obras, bien relieves pintados sobre tabla bien óleos sobre lienzo, en las cuales es visible la relación con el grupo 7 Arts con su defensa de la razón en las artes y su concepción de la pintura como algo cercano, si no subordinado, a la arquitectura. En octubre de 1978, Eemans explicó el título que dio a todas ellas, “kalomorfosis”, en una carta a Margit Rowell, autor del catálogo de la muestra The Planar Dimension, celebrada al año siguiente en el Solomon R. Guggenheim Museum; dice que la creó por analogía con “metamorfosis” y anamorfosis”, y recuerda  que la palabra griega kallos significa “belleza”.   

 

3 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Alfombra, c. 1925, lana
CRP135

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

 

4 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Mesa, 1925, acero cromado con la parte superior en incrustaciones de maderas preciosas y acero cromado
CRP087

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

 

5 Gustáv Miklos (húngaro, 1888-1967)
Sin título, c. 1924, ébano lacado
CRP167

Nace en Budapest (Hungría). De 1904 a 1906 estudia en la Real Escuela Nacional de Artes y Oficios de Hungría con Kimnach Laszlo; conoce al escultor Joseph Csaky. En París estudia en la Académie de La Palette con Henri Le Fauconnier y se aproxima al cubismo. Entra en el estudio de Jean Metzinger y expone en el Salón de Otoño y en la Société des Artistes Indépendants, donde conoce a Archipenko y Léger. También cultiva la ilustración, el cartelismo y el diseño de muebles. En la I Guerra Mundial sirve en Bizerta, Túnez y Salónica; sigue dibujando y pintando acuarelas de colores vivos, inspirado por los nuevos paisajes. En 1919 expone en la Exposition des artistes d’Orient, en Atenas. En 1922 obtuvo la ciudadanía francesa. Jacques Doucet, coleccionista y diseñador de joyas, le pide que participe en la decoración de su villa de Neuilly. En 1923 expone en una colectiva en la Galerie de L’Effort Moderne de Léonce Rosenberg; en 1925, en la Exposición Internacional de Artes Industriales y Decorativas Modernas, ya inscrito en las filas del Art Deco, y en 1928 en la Galerie de la Renaissance. En 1930 entra en la Unión Francesa de Artistas Modernos. En 1939 se traslada a Oyonnax (Francia), donde imparte clases de arte y muere, ya olvidado. Se le redescubre en varias exposiciones sobre el Art Deco; hay obra suya en muchas colecciones públicas y privadas.

 

6 Vasily Dmitriewitsch Ermilov (ucraniano, 1894-1968)
Relieve suprematista M, 1924, assemblage en técnicas mixtas
CRP166 

Nace en Jarvik (Ucrania). Es pintor y diseñador cubista, constructivista y neoprimitivista. Estudia en la Escuela de Artes Aplicadas de su ciudad y en 1912 va a la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. En 1913 entra en el grupo Budiak y en 1914 vuelve a la Escuela de Jarvik. En 1918 funda la Liga de los Siete, que organiza una exposición. En 1920 dirige la sección de arte de la oficina ucraniana de la Agencia Rusa y es decorador del movimiento agitprop Ucrania Roja. En 1925 entra a formar parte de la Asociación de Arte Revolucionario de Ucrania. En 1928 diseña la revista Avantgarde y también portadas de libros y revistas, e interiores. En los años cuarenta es profesor del Instituto Nacional de Arte de Jarkov. Tomó parte en muchas muestras internacionales: Leipzig 1922 (medalla de oro), París 1925, Colonia 1928; en Jarkov, una individual en 1962 y retrospectivas en 1969 y 1994. Es uno de los constructivistas más importantes de Ucrania y de los mejores diseñadores de su generación; destacan sus trabajos en carteles, propaganda política y publicidad. Tiene obra en museos y colecciones de Rusia, Ucrania, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania y Francia.

 

7 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Kalomorfosis X, 1925, óleo sobre lienzo
CRP151

Firmado y fechado, más el título, en el reverso, que lleva también la etiqueta de la exposición Vers une plastique pure, Les premiers abstraits belges / 1918-1930, en Bruselas. Procede de colección particular de Bruselas y de colección particular de Berlín. Expuesto en Vers une plastique pure, Les premiers abstraits belges / 1918-1930, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas, 1972.

 

8 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Sin título, 1926, óleo sobre cartón
CRP153

 

9 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Kalomorfosis VI, 1925, óleo sobre lienzo
CRP150

Firmado y fechado en el anverso, ángulo superior izquierdo; lo mismo más el título en el reverso. Procede de colección particular de Bruselas y de colección particular de Berlín. 

 

10 Georges Tesson (francés)
Sin título, c. 1925, óleo sobre masonita
CRP105

Es pintor y escultor francés de estilo poscubista, abstracto. Su principal inspiración proviene de la Escuela de París y del cubismo. En el mercado, sobre todo en Holanda, han aparecido pinturas firmadas G. Tesson o con el monograma G.T., de factura rigurosa y profesional, y tendencia geométrica. Unas, coloristas, muestran un espíritu poscubista y recuerdan a Léger, Metzinger o Hayden; otras, abstractas y muy construidas, en tonos grises, ocres y pardos, recuerdan al orden austero de Ben Nicholson.

SALA 8

Vista de la sala 8, con el comedor tubular de Baugniet en el centro.

Vista de la sala 8, con el comedor tubular de Baugniet en el centro.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Jozef Peeters, Sin título.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Marcel-Louis Baugniet, Contrepoint bleu.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Victor Servranckx, Opus 4 – 1927 (Cataclysme apprivoisé).

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Pierre-Louis Flouquet, Construction n° 29.

SALA 8

 

1 Marcel-Louis Baugniet (belga, 1896-1995)
Contrapunto azul, 1925, óleo sobre tabla
CRP142

Uno de los principales exponentes del arte abstracto en Bélgica, nace en Lieja y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, con Delvaux y Magritte como compañeros. En 1921-1922 reside en París; descubre el constructivismo a través de artistas como Frantisek Kupka y se convierte en uno de sus portavoces en Bélgica. A partir de 1923 colabora en la revista 7 Arts, puente entre el arte belga y las vanguardias internacionales, reunidas en torno a la noción de “plástica pura”. Es también diseñador de muebles, muy influido por el movimiento Bauhaus. De 1930 a 1972 tiene tienda y taller de decoración en Bruselas, Baugniet et Cie. Exhibe sus muebles en las trienales de Monza y de Milán (1930-1933-1935) y en las Exposiciones Internacionales de Bruselas (1935) y París (1937). Crea asimismo decorados, vestuario y carteles, sobre todo para su esposa, la bailarina Marguerite Acarin (“Akarova”), y se dedica a la crítica de arte; todos sus ensayos de estética fueron reunidos a fines de los 80 en el volumen Vers une synthèse esthétique et sociale. Participa en numerosas exposiciones y su obra está representada en importantes colecciones públicas y privadas. En 2001, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Lieja dedica una gran retrospectiva a todas sus facetas creativas.

Firmado y fechado en el anverso, ángulo inferior derecho: M – L Baugniet 1925. Ídem y el título en el reverso. Figuró en la exposición Les premiers abstraits wallons: Baugniet, Closon, Engel-Pak, Lacasse, Lempereur-Haut, organizada por Le centre wallon d’art contemporain de la Communauté française de Belgique, Flemalle (Ramet), 1984-85;   reproducido en el catálogo. 

El descubrimiento del artista checo Frantisek Kupka lo lleva a consagrarse a la abstracción geométrica. En 1923, junto con Pierre y Victor Bourgeois, Félix De Boeck, Marc Eemans, Pierre-Louis Flouquet, Karel Maes, René Magritte, Jozef Peeters, Victor Servranckx y otros, se convierte en un activo miembro del grupo belga de vanguardia 7 Arts, en torno a la revista homónima, y se constituye en destacado representante del movimiento constructivista europeo movement; junto con Oskar Schlemmer, Walter Gropius, Le Corbusier, Fernand Léger y muchos otros mantiene estrecha relación con la baronesa Hélène de Mandrot y su Maison des Artistes, en el Château de La Sarraz, cerca de Lausana.   

 

2 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Sin título, 1921, óleo sobre lienzo
CRP082

Firmado y fechado en ángulo inferior izquierdo: SERVRANCKX 1921.

 

3 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Untitled, 1920, gouache sobre papel
CRP106

Nace en París; en 1910 la familia marcha a Bruselas, en cuya Academia de Bellas Artes estudia con Constant Montald y Gisbert Combaz. Se relaciona con los vanguardistas de Amberes, Berlín, Bruselas, Lausana y París; comparte estudio con Magritte en Bruselas. En los círculos modernistas se le conoce por sus abstracciones y obras biomórficas y geométricas. En 1921 participa en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Ginebra y, con Magritte, en el Centre d’Art de Bruselas. Es cofundador del grupo vanguardista 7 Arts; es responsable de la sección de pintura de su revista y su ilustrador. Con Eisenstein, Ernst, Gropius, Schlemmer, Servranckx y otros es un invitado habitual en la Maison des Artistes de la baronesa Hélène de Mandrot, en su Château de La Sarraz, cerca de Lausana, donde se celebraron el I Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, el I Congreso de Cine Independiente en 1929 y muchas otros manifestaciones artísticas revolucionarias de comienzos del siglo. Hélène de Mandrot, como Katherine Dreier y Gertrude Stein, es uno de los puntales del arte moderno. En 1925, Flouquet fundó el grupo L’Assaut con Gailliard y organizó exposiciones bajo su égida. Convertido en líder de La Plastique Pure, expone con regularidad en el extranjero: Buenos Aires, Chicago, Leipzig, Madrid, Monza, Nueva York, París, Filadelfia y Zurich; en solitario, en 1925 en la galería Der Sturm y en 1927 en el Deutsche Werkbund de Stuttgart, fundado por Henry van de Velde, que lo invitó. Diseñó muchas portadas para la revolucionaria revista de arte Der Sturm. Su obra está representada en museos como el de Bellas Artes en Bruselas y Amberes, el de Gante y el vanguardista Musée de Grenoble; se ha expuesto en el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden, el de Gante y la Tate Modern de Londres entre otros.

 

4 Bruno Gutensohn (alemán, 1895-1969)
Regenbogengarten, década de 1920, óleo sobre papel de aluminio montado sobre aglomerado de partículas
CRP185

Nace en Munich y se forma como artista gráfico entre 1913 y 1915 en la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) de su ciudad con Fritz Helmut Ehmcke. Trabaja como diseñador para diversas empresas textiles, como Wallach, y desde 1945 como ilustrador para numerosas editoriales de su ciudad natal. En 1932 es miembro de la Asociación de Artistas Revolucionarios de Alemania. Fue pareja del escritor coreano Mirok Li, fallecido en 1950. Participa en la Second International Exhibition of Litography and Wood Engraving del Art Institute of Chicago (1930-1931). En 1944 y 1945, la mayor parte de su obra resultó destruida en los bombardeos de Munich. En el museo de Lebachhaus se conservan 16 xilografías suyas, algunas de ellas fechadas en 1955, 1958 y 1966.

 

5 Jozef Peeters (belga, 1895-1960)
Síntesis, 1924, óleo sobre lienzo
CRP044

Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.

 

6 Arno Breker (alemán, 1900-1991)
Leopoldo III, rey de los belgas, 1930, yeso
CRP186

Nace en Elberfeld (Alemania). Tras estudiar escultura y arquitectura, empieza a hacer esculturas abstractas, pero pronto pasa a la escultura clásica y poscubista. En 1927 va a París; se relaciona con la vanguardia y entabla amistad con Maillol. Estudia el cuerpo humano e inicia su largo “período clásico”. En 1932 va a Italia a profundizar en el conocimiento del arte antiguo; vuelve en 1934, ya con los nazis en el poder. Se muestra contrario a la política del “arte degenerado” pero sigue con los encargos oficiales, iniciados en 1930. En 1937 es profesor de la Academia de Bellas Artes de Berlín y entre 1938 y 1945 colabora con Albert Speer en los planes de Hitler para el nuevo Berlín, con esculturas atléticas y monumentales para los nuevos edificios. Colabora también con el arquitecto Werner March en los terrenos para las asambleas del partido nazi en Nuremberg. En 1940, Stalin lo invita a trabajar en la URSS. En 1942 expone en el París ocupado; en 1948 es incluido en los procesos de desnazificación. Seguirá trabajando en diferentes estilos hasta edad avanzada. Tras su muerte se fundó el Museo Arno Breker en el castillo Nörwenich, cerca de Colonia y Bonn.

 

7 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela, gouache y grafito sobre papel
CRP130

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

 

8 Jozef Peeters (belga, 1895-1960) 
Sin título, c. 1923, cemento pintado
CRP043

 

9 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela sobre papel
CRP128

 

10 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela sobre papel
CRP127

 

11 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela sobre papel
CRP129

 

12 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Alfombra, c. 1925, lana
CRP115

 

13 Marcel-Louis Baugniet (belga, 1896-1995)
Comedor compuesto de mesa y 6 sillas, 1927-28; sillas en acero cromado con asientos tapizados en imitación de lana de cordero, mesa en acero cromado con tablero de madera y linóleo 
CRP143 

Diseñado en 1927 y manufacturado por Les Anciennes Usines Annoye en 1928. En la década de los veinte, el artista empezó a diseñar muebles, muchos de ellos hechos con tubos de metal y laca policroma con base de celulosa. Participó en varios Salons d’Automne en París. En 1930 abrió su showroom de diseño en Bruselas, adonde atrajo a muchas personalidades importantes de la vanguardia europea, como Kurt Schwitters y Paul Klee. En 1937, inspirado por el mobiliario Silex (1905) de Gustave Serrurier-Bovy, expuso sus muebles Standax, que el comprador podía montar y desmontar, en la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne, en París.  

Su biógrafo, Robert Vivier, describió el trabajo de diseño de Baugniet como “un equilibrio entre esteticismo y contenido humano”. Ya en 1926, Baugniet, Henry van de Velde y Victor Servranckx publicaron juntos un proyecto de diseño de mobiliario en la revista polaca de vanguardia Blok. Los expertos coinciden en que la primera silla tubular niquelada fue diseñada por Marcel Breuer en 1926; Baugniet diseñó este sillón tubular al año siguiente y lo hizo producir uno después, situándose así en la vanguardia del mobiliario tubular niquelado. El mismo año 1927, Baugniet y su socio Ewaud Van Tonderen fundaron una compañía de diseño de muebles en Bruselas. Dos años antes había creado la Union des Artistes Modernes (UAM), el primer  movimiento francés de diseño modernista, que introdujo en Francia este tipo de muebles. Aunque Baugniet deseaba democratizar sus diseños, su clientes eran personas adineradas; por este motivo sus muebles tubulares de acero niquelado son escasos. El artista diseñó dos variantes de su sillón; ésta, la menos habitual, con asiento en piel de cordero, y la otra sin tapizado. 

 

14 Pierre-Louis Flouquet  
Peinture, 1922, óleo sobre lienzo 
CRP108

 

15 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Construcción nº 43 (pintura mural – B) 1925, óleo sobre lienzo 
CRP113

 

16 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Construcción nº 29, 1925, óleo sobre lienzo 
CRP112

 

17 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 4 – 1927 (Cataclismo domesticado), óleo sobre contrachapado
CRP089

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho: SERVRANCKX.

Lleva el marco original diseñado por el artista. Procedencia: Victor Servranckx, Elewyt, Bélgica; por herencia a su hijo, Paul Servranckx, Bruselas. Expuesto en 1947, Servranckx, Palais des Beaux-Arts, Bruselas; 1950, La peinture belge contemporaine, Musée des Beaux-Arts, Lyon; 1957, Homage à Servranckx à l’occasion de son soixantième anniversaire, Galerie “Les contemporains”, Bruselas ; 1958, L’Art du XXIe siècle, Palais des Expositions, Charleroi; 1958, Servranckx, pionier van de abstracte kunst, Concertgebouw, Brujas; 1958, Exposition Mobile, Peintures d’avant-garde, Galerie “Les contemporains”, Bruselas; 1959, XXXVe Salon du Cercle Royal Artistique et Littéraire de Charleroi, Palais des Beaux-Arts, Charleroi; 1959, Hassenhuis, Antwerp ;1960, The Arts of Belgium, Parke-Bernet Galleries; 1962, XXXIe Biennale ; 1963, Profile II – Belgische Kunst Heute, Städtische Kunstgalerie, Bochum;1963, Belgische Künstler von der Jahrhundertwende bis zur Gegenwart, Kunstgebäude am Schlossplatz Stuttgart, Stuttgart; 1965, Servranckx, Musée d’Ixelles, Ixelles;1970, Retrospectieve tentoonstelling Victor Servranckx 1897-1965, Provinciaal Begijnhof, Hasselt ;1989, Victor Servranckx 1897-1965 et l’art abstrait, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas; 2013, Modernisme, L’art abstrait belge et l’Europe, Museum voor Schone Kunsten, Gante, 2013.

 

18 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 14 – 1927, óleo sobre lienzo
CRP088

Firmado y fechado en ángulo inferior izquierdo: SERVRANCKX 1927  

Procedencia: Jacqueline Errera, Bruselas; colección particular (adquirida de la anterior). Expuesto en la retrospectiva Servranckx, Musée d’Ixelles, Bruselas, 1965, y en la id. Victor Servranckx 1897 – 1965, Rubenskasteel, Elewijt, Bélgica.

 

19 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 6 – 1933, Monstruo marino femenino, óleo sobre lienzo
CRP092

 

20 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 14 – 1931, La primavera pasa en el vergel, óleo sobre lienzo
CRP090

Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo: SERVRANCKX 1931. En el bastidor lleva una etiqueta con el título.

 

21 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 12 – 1920, óleo sobre lienzo
CRP080

 

22 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 4 – 1953, Plástica pura, después también titulado por el artista Ascensión hacia el espacio o Sputnik
CRP095

 

23 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 58 – 1923, óleo sobre lienzo
CRP083 

Firmado y fechado en el ángulo superior izquierdo: SERVRANCKX 1923  Expuesto en 2013 en Modernisme, L’art abstrait belge et l’Europe, Museum voor Schone Kunsten, Gante, n° 4.88.

 

24 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 4 – 1949, óleo sobre lienzo
CRP093

 

25Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 1 – 1921, yeso patinado
CRP081

SALA 8

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 8, con el comedor tubular de Baugniet en el centro.

Ivan Liun, Carpintero.

Jozef Peeters, Sin título.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Marcel-Louis Baugniet, Contrepoint bleu.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Victor Servranckx, Opus 4 – 1927 (Cataclysme apprivoisé).

Jan Vanriet, Berlin, The Salute.

Pierre-Louis Flouquet, Construction n° 29.

SALA 8

 

1 Marcel-Louis Baugniet (belga, 1896-1995)
Contrapunto azul, 1925, óleo sobre tabla
CRP142

Uno de los principales exponentes del arte abstracto en Bélgica, nace en Lieja y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, con Delvaux y Magritte como compañeros. En 1921-1922 reside en París; descubre el constructivismo a través de artistas como Frantisek Kupka y se convierte en uno de sus portavoces en Bélgica. A partir de 1923 colabora en la revista 7 Arts, puente entre el arte belga y las vanguardias internacionales, reunidas en torno a la noción de “plástica pura”. Es también diseñador de muebles, muy influido por el movimiento Bauhaus. De 1930 a 1972 tiene tienda y taller de decoración en Bruselas, Baugniet et Cie. Exhibe sus muebles en las trienales de Monza y de Milán (1930-1933-1935) y en las Exposiciones Internacionales de Bruselas (1935) y París (1937). Crea asimismo decorados, vestuario y carteles, sobre todo para su esposa, la bailarina Marguerite Acarin (“Akarova”), y se dedica a la crítica de arte; todos sus ensayos de estética fueron reunidos a fines de los 80 en el volumen Vers une synthèse esthétique et sociale. Participa en numerosas exposiciones y su obra está representada en importantes colecciones públicas y privadas. En 2001, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Lieja dedica una gran retrospectiva a todas sus facetas creativas.

Firmado y fechado en el anverso, ángulo inferior derecho: M – L Baugniet 1925. Ídem y el título en el reverso. Figuró en la exposición Les premiers abstraits wallons: Baugniet, Closon, Engel-Pak, Lacasse, Lempereur-Haut, organizada por Le centre wallon d’art contemporain de la Communauté française de Belgique, Flemalle (Ramet), 1984-85;   reproducido en el catálogo. 

El descubrimiento del artista checo Frantisek Kupka lo lleva a consagrarse a la abstracción geométrica. En 1923, junto con Pierre y Victor Bourgeois, Félix De Boeck, Marc Eemans, Pierre-Louis Flouquet, Karel Maes, René Magritte, Jozef Peeters, Victor Servranckx y otros, se convierte en un activo miembro del grupo belga de vanguardia 7 Arts, en torno a la revista homónima, y se constituye en destacado representante del movimiento constructivista europeo movement; junto con Oskar Schlemmer, Walter Gropius, Le Corbusier, Fernand Léger y muchos otros mantiene estrecha relación con la baronesa Hélène de Mandrot y su Maison des Artistes, en el Château de La Sarraz, cerca de Lausana.   

 

2 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Sin título, 1921, óleo sobre lienzo
CRP082

Firmado y fechado en ángulo inferior izquierdo: SERVRANCKX 1921.

 

3 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Untitled, 1920, gouache sobre papel
CRP106

Nace en París; en 1910 la familia marcha a Bruselas, en cuya Academia de Bellas Artes estudia con Constant Montald y Gisbert Combaz. Se relaciona con los vanguardistas de Amberes, Berlín, Bruselas, Lausana y París; comparte estudio con Magritte en Bruselas. En los círculos modernistas se le conoce por sus abstracciones y obras biomórficas y geométricas. En 1921 participa en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Ginebra y, con Magritte, en el Centre d’Art de Bruselas. Es cofundador del grupo vanguardista 7 Arts; es responsable de la sección de pintura de su revista y su ilustrador. Con Eisenstein, Ernst, Gropius, Schlemmer, Servranckx y otros es un invitado habitual en la Maison des Artistes de la baronesa Hélène de Mandrot, en su Château de La Sarraz, cerca de Lausana, donde se celebraron el I Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, el I Congreso de Cine Independiente en 1929 y muchas otros manifestaciones artísticas revolucionarias de comienzos del siglo. Hélène de Mandrot, como Katherine Dreier y Gertrude Stein, es uno de los puntales del arte moderno. En 1925, Flouquet fundó el grupo L’Assaut con Gailliard y organizó exposiciones bajo su égida. Convertido en líder de La Plastique Pure, expone con regularidad en el extranjero: Buenos Aires, Chicago, Leipzig, Madrid, Monza, Nueva York, París, Filadelfia y Zurich; en solitario, en 1925 en la galería Der Sturm y en 1927 en el Deutsche Werkbund de Stuttgart, fundado por Henry van de Velde, que lo invitó. Diseñó muchas portadas para la revolucionaria revista de arte Der Sturm. Su obra está representada en museos como el de Bellas Artes en Bruselas y Amberes, el de Gante y el vanguardista Musée de Grenoble; se ha expuesto en el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden, el de Gante y la Tate Modern de Londres entre otros.

 

4 Bruno Gutensohn (alemán, 1895-1969)
Regenbogengarten, década de 1920, óleo sobre papel de aluminio montado sobre aglomerado de partículas
CRP185

Nace en Munich y se forma como artista gráfico entre 1913 y 1915 en la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) de su ciudad con Fritz Helmut Ehmcke. Trabaja como diseñador para diversas empresas textiles, como Wallach, y desde 1945 como ilustrador para numerosas editoriales de su ciudad natal. En 1932 es miembro de la Asociación de Artistas Revolucionarios de Alemania. Fue pareja del escritor coreano Mirok Li, fallecido en 1950. Participa en la Second International Exhibition of Litography and Wood Engraving del Art Institute of Chicago (1930-1931). En 1944 y 1945, la mayor parte de su obra resultó destruida en los bombardeos de Munich. En el museo de Lebachhaus se conservan 16 xilografías suyas, algunas de ellas fechadas en 1955, 1958 y 1966.

 

5 Jozef Peeters (belga, 1895-1960)
Síntesis, 1924, óleo sobre lienzo
CRP044

Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.

 

6 Arno Breker (alemán, 1900-1991)
Leopoldo III, rey de los belgas, 1930, yeso
CRP186

Nace en Elberfeld (Alemania). Tras estudiar escultura y arquitectura, empieza a hacer esculturas abstractas, pero pronto pasa a la escultura clásica y poscubista. En 1927 va a París; se relaciona con la vanguardia y entabla amistad con Maillol. Estudia el cuerpo humano e inicia su largo “período clásico”. En 1932 va a Italia a profundizar en el conocimiento del arte antiguo; vuelve en 1934, ya con los nazis en el poder. Se muestra contrario a la política del “arte degenerado” pero sigue con los encargos oficiales, iniciados en 1930. En 1937 es profesor de la Academia de Bellas Artes de Berlín y entre 1938 y 1945 colabora con Albert Speer en los planes de Hitler para el nuevo Berlín, con esculturas atléticas y monumentales para los nuevos edificios. Colabora también con el arquitecto Werner March en los terrenos para las asambleas del partido nazi en Nuremberg. En 1940, Stalin lo invita a trabajar en la URSS. En 1942 expone en el París ocupado; en 1948 es incluido en los procesos de desnazificación. Seguirá trabajando en diferentes estilos hasta edad avanzada. Tras su muerte se fundó el Museo Arno Breker en el castillo Nörwenich, cerca de Colonia y Bonn.

 

7 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela, gouache y grafito sobre papel
CRP130

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

 

8 Jozef Peeters (belga, 1895-1960) 
Sin título, c. 1923, cemento pintado
CRP043

 

9 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela sobre papel
CRP128

 

10 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela sobre papel
CRP127

 

11 Karel Maes (belga, 1900-1974)
Sin título, c. 1920, acuarela sobre papel
CRP129

 

12 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Alfombra, c. 1925, lana
CRP115

 

13 Marcel-Louis Baugniet (belga, 1896-1995)
Comedor compuesto de mesa y 6 sillas, 1927-28; sillas en acero cromado con asientos tapizados en imitación de lana de cordero, mesa en acero cromado con tablero de madera y linóleo 
CRP143 

Diseñado en 1927 y manufacturado por Les Anciennes Usines Annoye en 1928. En la década de los veinte, el artista empezó a diseñar muebles, muchos de ellos hechos con tubos de metal y laca policroma con base de celulosa. Participó en varios Salons d’Automne en París. En 1930 abrió su showroom de diseño en Bruselas, adonde atrajo a muchas personalidades importantes de la vanguardia europea, como Kurt Schwitters y Paul Klee. En 1937, inspirado por el mobiliario Silex (1905) de Gustave Serrurier-Bovy, expuso sus muebles Standax, que el comprador podía montar y desmontar, en la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne, en París.  

Su biógrafo, Robert Vivier, describió el trabajo de diseño de Baugniet como “un equilibrio entre esteticismo y contenido humano”. Ya en 1926, Baugniet, Henry van de Velde y Victor Servranckx publicaron juntos un proyecto de diseño de mobiliario en la revista polaca de vanguardia Blok. Los expertos coinciden en que la primera silla tubular niquelada fue diseñada por Marcel Breuer en 1926; Baugniet diseñó este sillón tubular al año siguiente y lo hizo producir uno después, situándose así en la vanguardia del mobiliario tubular niquelado. El mismo año 1927, Baugniet y su socio Ewaud Van Tonderen fundaron una compañía de diseño de muebles en Bruselas. Dos años antes había creado la Union des Artistes Modernes (UAM), el primer  movimiento francés de diseño modernista, que introdujo en Francia este tipo de muebles. Aunque Baugniet deseaba democratizar sus diseños, su clientes eran personas adineradas; por este motivo sus muebles tubulares de acero niquelado son escasos. El artista diseñó dos variantes de su sillón; ésta, la menos habitual, con asiento en piel de cordero, y la otra sin tapizado. 

 

14 Pierre-Louis Flouquet  
Peinture, 1922, óleo sobre lienzo 
CRP108

 

15 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Construcción nº 43 (pintura mural – B) 1925, óleo sobre lienzo 
CRP113

 

16 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Construcción nº 29, 1925, óleo sobre lienzo 
CRP112

 

17 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 4 – 1927 (Cataclismo domesticado), óleo sobre contrachapado
CRP089

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho: SERVRANCKX.

Lleva el marco original diseñado por el artista. Procedencia: Victor Servranckx, Elewyt, Bélgica; por herencia a su hijo, Paul Servranckx, Bruselas. Expuesto en 1947, Servranckx, Palais des Beaux-Arts, Bruselas; 1950, La peinture belge contemporaine, Musée des Beaux-Arts, Lyon; 1957, Homage à Servranckx à l’occasion de son soixantième anniversaire, Galerie “Les contemporains”, Bruselas ; 1958, L’Art du XXIe siècle, Palais des Expositions, Charleroi; 1958, Servranckx, pionier van de abstracte kunst, Concertgebouw, Brujas; 1958, Exposition Mobile, Peintures d’avant-garde, Galerie “Les contemporains”, Bruselas; 1959, XXXVe Salon du Cercle Royal Artistique et Littéraire de Charleroi, Palais des Beaux-Arts, Charleroi; 1959, Hassenhuis, Antwerp ;1960, The Arts of Belgium, Parke-Bernet Galleries; 1962, XXXIe Biennale ; 1963, Profile II – Belgische Kunst Heute, Städtische Kunstgalerie, Bochum;1963, Belgische Künstler von der Jahrhundertwende bis zur Gegenwart, Kunstgebäude am Schlossplatz Stuttgart, Stuttgart; 1965, Servranckx, Musée d’Ixelles, Ixelles;1970, Retrospectieve tentoonstelling Victor Servranckx 1897-1965, Provinciaal Begijnhof, Hasselt ;1989, Victor Servranckx 1897-1965 et l’art abstrait, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas; 2013, Modernisme, L’art abstrait belge et l’Europe, Museum voor Schone Kunsten, Gante, 2013.

 

18 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 14 – 1927, óleo sobre lienzo
CRP088

Firmado y fechado en ángulo inferior izquierdo: SERVRANCKX 1927  

Procedencia: Jacqueline Errera, Bruselas; colección particular (adquirida de la anterior). Expuesto en la retrospectiva Servranckx, Musée d’Ixelles, Bruselas, 1965, y en la id. Victor Servranckx 1897 – 1965, Rubenskasteel, Elewijt, Bélgica.

 

19 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 6 – 1933, Monstruo marino femenino, óleo sobre lienzo
CRP092

 

20 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 14 – 1931, La primavera pasa en el vergel, óleo sobre lienzo
CRP090

Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo: SERVRANCKX 1931. En el bastidor lleva una etiqueta con el título.

 

21 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 12 – 1920, óleo sobre lienzo
CRP080

 

22 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 4 – 1953, Plástica pura, después también titulado por el artista Ascensión hacia el espacio o Sputnik
CRP095

 

23 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 58 – 1923, óleo sobre lienzo
CRP083 

Firmado y fechado en el ángulo superior izquierdo: SERVRANCKX 1923  Expuesto en 2013 en Modernisme, L’art abstrait belge et l’Europe, Museum voor Schone Kunsten, Gante, n° 4.88.

 

24 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 4 – 1949, óleo sobre lienzo
CRP093

 

25Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 1 – 1921, yeso patinado
CRP081

ESCALERA y SALA 9

Vista de la sala 9, con obras de Ed Moses en primer plano.

Vista de la sala 9, con obras de Ed Moses en primer plano.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Jan Vanriet, Salted Meat – Vive la Sociale!

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Carolyn Marks Blackwood, The Story Series.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Jacques-Henri Lartigue, Florette.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Wladimir Moszowski, Twilight 2.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Wladimir Moszowski, Twilight 1.

ESCALERA 

 

1 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Inside Out, 2013, cristal y metal
CRP314

Nace en Oisterwijk (Holanda). ​Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. ​Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.

Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.

 

2 Rafael Canogar (español, 1935)
Foco, 2011, óleo sobre lienzo
CRP392

Nace en Toledo; estudia con el pintor Daniel Vázquez Díaz (1949-1954). Es miembro fundador del grupo EL PASO, 1957-1960. Ha sido miembro del Consejo Asesor de la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura; del Patronato del Museo Nacional de Arte Contemporáneo y de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y vocal del Consejo de Administración del Patrimonio Nacional; es doctor honoris causa por la UNED. Ha participado en incontables exposiciones colectivas, además de sus muestras individuales, entre ellas varias retrospectivas desde los años setenta: Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Bochum Art Museum, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo de Santa Cruz de Toledo, Museo Reina Sofía, Museo Nacional de Varsovia, Museo de Bellas Artes (Buenos Aires), IVAM, Fundación Antonio Pérez (Cuenca), Fenghuang (China). Ha dirigido talleres y dado conferencias en diversos países de Europa y América, participado en jurados de premios y bienales internacionales y recibido diversos premios y distinciones, entre los que destacan: Medalla de Oro de la Comunidad de Castilla La Mancha; Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes; XV Premio Real Fundación Toledo, por su compromiso con el arte y con Toledo; Premio Nacional de Grabado, otorgado por la Calcografía Nacional (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando)… Sus obras figuran en numerosos museos y colecciones públicas del mundo: Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona y Madrid, Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca), Biblioteca Nacional (Madrid), Museo Reina Sofía, Museo de Israel (Jerusalén), MoMA, Pasadena Art Museum, Stiftung Preussischer Kulturbesitz-Staatliche Museum (Berlín), Hamburgo Kunsthalle, Chicago Art Institute, Museo Rufino Tamayo (México DF).

 

3 Werner Mannaers  (belga, 1954)
Very Cliché (Listening to Mendelssohn), 2014, técnicas mixtas sobre lienzo
CRP363

Nace en Schoten (Bélgica); vive y trabaja en Amberes. Sus pinturas se combinan en ocasiones con textos en los que suele incluir citas filosóficas y de otros tipos, así como alusiones a destacados artistas del siglo XX.  La cultura popular está muy presente en su obra, que se basa también en referencias personales, con toques muy característicos de humor y una singular combinación de lo banal y lo extraordinario. “Mi arte es caprichoso, espontáneo, no serio, pero al mismo tiempo tremendamente sincero. Mi trabajo es inquieto, provocador y autocrítico”, ha afirmado. En 2008 expuso en el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst de Gante. En 2014 y 2016 muestra su trabajo en la Roberto Polo Gallery (Bruselas). En 2016 participó en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta. Sus proyectos incluyen la publicación del libro Love Letters, pinturas hechas por el artista a lo largo de los años, cartas de amor a “Tacha”, su musa, en gouache sobre papel. Todas ellas, como es habitual en Mannaers, contienen referencias a otros creadores.

 

4 Carolyn Marks Blackwood (estadounidense, 1951)
The Story Series, She stood outside for what seemed like hours. It was time to be brave and go inside, 2013, impresión en tinta de pigmentos sobre papel fine art montado sobre Dibond, edición 3
CRP366

Nace en Anchorage (Alaska), pero la familia se traslada pronto a Nueva York. Se gradúa en arte en el Livingston College (Rutgers University, New Jersey). Ejerce como cantante, compositora, guionista y productora de cine antes de dedicarse a la fotografía. En 2006 la invitan a participar en una muestra colectiva en la Biblioteca Morton de Rhinebeck y sus imágenes del río Hudson atraen a la comisaria Barbara Rose, que en 2007 la incluye en The magic hour (galería Paul Rodgers/9W, Nueva York). Desde entonces expone en museos y galerías de EE. UU. y el extranjero. En 2015, Artnet News la incluye en su obra Five Artists to Watch: the Photography Edition. Sus exposiciones más recientes son On the Edge (galería Von Lintel, Los Ángeles, 2015) y The Story Series (Roberto Polo Gallery, Bruselas, 2017). Su principal fuente de inspiración es la impresionante naturaleza que ve desde su casa de Rhinecliff, en la ribera del Hudson. Influida por la pintura abstracta, experimenta con la escala, la deconstrucción y una perspectiva que permite ver la grandiosidad que se oculta en los pequeños detalles.

 

5 Carolyn Marks Blackwood (estadounidense, 1951)
The Story Series, Every night, he longed for her, 2016, impresión en tinta de pigmentos sobre papel fine art montado sobre Dibond, edición 3
CRP366

 

SALA 9

 

6 Victor, Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 1 – 1924 (Torso de mujer joven), piedra artificial
CRP084

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

 

7 Victor, Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 1 – 1924 (Torso de hombre joven), piedra artificial
CRP085

 

8 Jan Vanriet (belga, 1948)
Salted Meat – Vive la Sociale!, 2014, óleo sobre lienzo
CRP270

Imagen de mortalidad y metáfora del cuerpo humano y su realidad fisica, su fuerza y su fragilidad, su vulnerabilidad y desamparo. Al igual que Paul Manes en La entrada de Cristo en Nueva York (CRP250) se inspiraba en La entrada de Cristo en Bruselas de James Ensor, Vanriet utiliza para la segunda parte de su título el lema de la gran pancarta que preside la manifestación que ocupa la pintura de su compatriota.

 

9 Koen De Cock (belga,1978)
Vieillard, 2002, yeso
CRP289

Nace en Gante (Bélgica); afincado en su ciudad natal, aunque actualmente trabaja como artista y profesor de arte en Shanghai. Se graduó en escultura en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, estudió un año en la Academia de Bellas Artes de Tianjin (China) y otro en la de Tbilisi (Georgia) como estudiante de posgrado. En 2013, Shepherds, su primera individual en la galería Roberto Polo Gallery, destacó por su originalidad, por su tema, a un tiempo clásico y singular, y su técnica de acuarela sobre papel que combinaba rigor e imaginación. Luego presentó su directa sucesora, Hermits & Wrestlers, pinturas al óleo sobre lienzo. Ambos títulos aluden a su tema predilecto, el desnudo masculino luchando por fundirse con una naturaleza exuberante e ilimitada. Es admirador de Durero, Cranach el Viejo y Paulus Pontius, artistas en los que tiene presencia lo miguelangelesco; Pontius representaba partes del cuerpo de una manera tan extrema e irreal que adquirían vida propia y se convirtieron en modelo para artistas posteriores. De Cock las ha copiado para entender las transformaciones anatómicas de Pontius; este aprendizaje requería rigor técnico e imitar la línea grabada. Sus desnudos están simbiótica y simbólicamente integrados en la naturaleza, su anatomía desmembrada y a menudo luchando violentamente entre ellos.

 

10 Koen De Cock (belga,1978)
Jeune homme, 2009, yeso
CRP290

 

11 Ed Moses (estadounidense, 1926-2018)
Rumbi, 2008, acrílico sobre lienzo
CRP281

Nace en Long Beach (California, EE UU). Sirve en el Cuerpo Médico de la Armada durante la Segunda Guerra Mundial y quiere ser médico, pero opta por la creación. Estudia en el Instituto de Arte de Chicago con Pedro Miller, quien reconoce su talento. Prosigue su formación en la Universidad de California, donde se gradúa. En 1958 expone por primera vez en Ferus Gallery (Los Ángeles). Forma parte de un activo grupo de artistas formado por Craig Kauffman, Billy Al Bengston, Robert Irwin, Edward Edward Kienholz, Ken Price, Ed Ruscha, Larry Bell, John Altoon y Wallace Berman, quienes superaron los límites del arte de posguerra y dieron forma a la incipiente escena artística de Los Ángeles. Su trabajo absorbe elementos de diversas actividades de vanguardia, pero se nutre de una abstracción basada en el proceso y la repetición geométrica. Entre sus obras más conocidas se encuentran sus Rose Drawings. En 1978 se convierte al budismo y hace de la sensación de vivir el momento la clave de su obra, dando importancia al azar y a las circunstancias. En 1980 recibe una beca Guggenheim. En 1996 celebra una retrospectiva en el Contemporary Art Museum de Los Ángeles, en cuyo County Art Museum se presenta en 2015 una muestra de sus dibujos de los años 60 y 70. Además de en estas instituciones, sus obras se pueden encontrar en el centre Pompidou, MoMA y Los Angeles County Museum, entre otros.

 

12 Ed Moses (estadounidense, 1926-2018)
Ranken I, óleo, acrílico y Shellac sobre lienzo
CRP280

 

13 Roberto Caracciolo (italiano, 1960)
Anyday (primera de las cuatro pinturas del ciclo The Dark Night, Maybe), 1992, óleo sobre lienzo
CRP279

Nace en Nueva York; vive y trabaja en Roma. Estudia en el Instituto de Arte de Urbino y en la Studio School de Nueva York; a comienzos de los años 80 trabaja como ayudante de diseñador de escenografías con Dante Ferreti. Ha sido profesor o conferenciante en las Academias de Bellas Artes y otras instituciones de Turín, Perugia, Siena, Venecia, Nueva York, Chicago, Roma y Montecastello di Vibio. Entre 1999 y 2013 fue profesor adjunto en la Universidad de Nueva York en Florencia; entre 2007 y 2010 fue Arts Liaison de la Academia Americana en Roma, donde organizaba exposiciones.

 

14 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Francisco, 2012, cedro, papel y hierro
CRP346

Nace en Lyon (Francia). En 1995 se gradúa en la Real Academia de Bellas Artes, donde vive y trabaja desde 1989. Para sus esculturas utiliza sobre todo madera y bronce; son piezas monumentales que suelen evocar sensualidad y violencia. También emplea hierro, papel y cuentas de vidrio pintadas. Sus obras e instalaciones, como se indica en su página web, “hablan con delicadeza y fuerza de un mundo que no es lo que parece y donde sus esculturas cobran vida gradualmente para contar una historia que no deja indiferente a nadie”. Empieza a exponer en 1996 y desde entonces su producción se muestra con regularidad en galerías y museos de Bélgica, París, Ginebra o Lyon. En 2005, tras superar un cáncer, reproduce en su escultura órganos vitales como el corazón y recrea una “máquina del llanto”. Hasta 2011 se dedica a la enseñanza de la escultura clásica en su academia La ligne d’horizon.

 

15 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Seta, 2012, cedro y papel
CRP347

 

16 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Simon, 2012, roble y hierro
CRP348

 

17 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Cuba, la lucha, Trinidad, 2015, impresión en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond, edición 5
CRP329

Nace en Schoten (Amberes, Bélgica). Estudia fotografía en la Academia de Gante. En 1982 comienza su carrera como fotógrafo independiente y es uno de los fundadores de la galería de fotos XYZ. Entre 1982 y 1989 enseña en la Real Academia de Bellas Artes de Gante, en el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes y en la Escuela de Artes Decorativas de París. En 1994 entra en la agencia Magnum. En el tríptico Trinity (2007) trata el poder y la violencia en el mundo; en Congo (2009) rememora el espíritu del país antes de su independencia; con Momentos antes de la inundación (2012) alerta de los peligros del calentamiento global: en la serie Cuba, la lucha (2015), expuesta en la galería Roberto Polo (Bruselas), analiza la lenta transición del comunismo a una mentalidad más capitalista. También se ha adentrado en los campos de trabajo de Siberia, en la vida cotidiana de India, en la Rusia de antes y después de la caída del Muro o en el entorno de la delincuencia juvenil en Flandes. Ha recibido el Premio del Libro del Festival de Arles (1990), el W. Eugene Smith (1990) y el Kodak (1992). En 2012 es elegido miembro de la Real Academia de Artes y Ciencias de Bruselas. Expone su trabajo en galerías y museos de todo el mundo.

 

18 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Cuba, la lucha, La Habana, 2015, impresión en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond, edición 5
CRP329

 

19 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Roberto Polo, Brussels, 2016, impresión única en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond
CRP330

 

20 Deborah Turbeville (estadounidense, 1932-2013)
Roberto Polo, New York, 1976, impresión única en gelatina de plata
CRP231

Nace en Boston (Massachusetts). A los 19 años viaja a Nueva York con intención de convertirse en bailarina o actriz, pero conoce a la diseñadora Claire McCardell, con la que empieza a colaborar. En 1963 se estrena como editora de moda en la revista Harper’s Bazaar. Su encuentro con la fotografía fue casual, pero llega a transformarla en arte de vanguardia; pasa de las pasarelas y la publicidad a las galerías de arte. Conocida por su técnica del desenfoque, sorprende con la serie Bath House (Vogue, 1975), donde las modelos aparecen en traje de baño en un aseo público, desdibujadas y en actitud lánguida. En 1978 publica en la misma revista las imágenes de Women in the Woods, fruto de un encargo para Valentino, modisto para el que realiza uno de sus últimos trabajos, la publicidad de la colección primavera-verano 2012, en México. Marcas como Chanel, Oscar de la Renta, Ungaro, Yamamoto o Comme des garçons la reclaman para sus campañas. En 2007 viaja por Europa captando instantáneas de personas y lugares peculiares.

 

21 Wladimir Moszowski (belga, 1949)
Twilight, 2014, óleo sobre lienzo – 1 y 2
CRP368

Nace en Genk (Bélgica). Su obra posee un marcado carácter autobiográfico. Nacido en Bélgica de padres ucranianos, experimenta la paradoja de ser un belga con apellido ucraniano, crisis de identidad que le ha causado un conflicto cultural. Estas experiencias lo han conducido a la creación de un mundo paralelo. Mediante terapia y trabajo con el subconsciente logró acceder a su “Vacío”: la pérdida de identidad transformada en el “Sublime Vacío”, un lugar en el que pudiera tener lugar una escenificación de identidad, historia y fantasía. Sus pinturas crean ese mundo paralelo, en el cual puede asumir el papel que quiera y la forma que quiera, cambiar de identidad, de género o de edad, representar situaciones del pasado, rehacerlas y crear otras nuevas. La búsqueda de identidad ha concluido; su “Sublime Vacío” es su identidad. El arte es un ritual privado para salvar la dualidad personal y cultural. La antigua sabiduría de la alquimia constituye así su principio rector en el arte. Su búsqueda de su identidad y de su lugar como ser humano adopta la forma de un complejo proyecto de arte total, de una mitología personal; términos alquímicos como separatio and coniunctio (separación y unión de elementos para llegar a una entidad fundamental) son traducidos conceptual y expresivamente por el artista en textos, dibujos e instalaciones espaciales. Además de muchas muestras colectivas desde 1972 (Bélgica, Alemania, Rusia, Polonia, EE. UU. …), desde 1979 ha celebrado numerosas individuales en galerías y centros culturales belgas y holandeses, y ha realizado cuatro proyectos de arte en espacios públicos entre 1993 y 2001. 

 

22 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Black Breasts (Glitter), 2017, cristal y cuerda
CRP317

Nace en Oisterwijk (Holanda). ​Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. ​Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.

Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.

 

23 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Pink Breasts, 2017, cristal y cuerda

 

24 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Glass Colours, 2014, pan de oro sobre puertas de madera pintadas
CRP315

 

25 Lois Lane (estadounidense, 1948)
Moon Shadow, 2010, óleo sobre lienzo
CRP331

Nace en Filadelfia (Pensilvania). Se forma en el Philadelphia College of Art y obtiene un máster en Bellas Artes en Yale University en 1971. Trabaja como ayudante de Jasper Johns. Como Susan Rothenberg o Jennifer Bartlett, forma parte de una generación posminimalista que “busca devolver las imágenes figurativas a la pintura sin caer en el realismo”, según la crítica Deborah Solomon. En su obra destaca el uso poético de las imágenes, reconocibles pero misteriosas, que en ocasiones parecen partir del inconsciente. Ventiladores, pájaros, formas vegetales, animales y prendas de vestir se yuxtaponen ante un fondo plano y neutro. Según Judith Stein, coordinadora de la William Morris Gallery (Reino Unido), “sus motivos son arquetípicos, aparentemente extraídos de rituales, recuerdos y sueños”. En 1978 Lane es una de las protagonistas de la muestra New Image Painting, en el Whitney Museum of American Art, y en 2016 figura con otros artistas norteamericanos (Walter Darby Bannard, Karen Gunderson, Martin Kline, Melissa Kretschmer, Paul Manes, Ed Moses y Larry Poons) en la exposición Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.

 

26 Joris Ghekiere (belga, 1955-2016)
Sin título, 2016, óleo sobre lienzo
CRP325

Nace en Kortrijk (Flandes, Bélgica). Recibió el Premio Europeo (Ostende) en 1980 y 1984 y el de Jeune Peinture Belge (Bruselas) en 1985 y 1986. Realizó proyectos en espacios públicos en diversas ciudades belgas entre 1997 y 2016. Entre sus numerosas exposiciones individuales y colectivas podemos destacar las celebradas en galerías de Dubai, Bruselas, Ámsterdam, Londres y Amberes (2010), Malinas (2011), Lovaina y Malinas (2012), Amberes (2014) y Gante (2015). En 2016 presentó sus dibujos en Ostende y participó en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta. En el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (SMAK) de Gante, presentó en 2015 la muestra Tomorrow, compuesta por cuadros, pinturas murales e instalaciones con papel pintado. Exploró gran diversidad de técnicas y estilos y no se comprometía con un modo de hacer determinado, lo cual dio como resultado una producción en la cual lo figurativo y lo abstracto se influyen mutuamente. Muchas veces iniciaba el proceso colocando el lienzo sobre una plataforma giratoria para crear círculos concéntricos utilizando pintura en spray. Un grupo más reciente de pinturas guarda relación con la inestabilidad. Con la integración de los espacios dislocados y las figuras de la dislocación organiza un  mundo pictórico propio, nutrido por las interrelación de la visualización y los objetos visualizados.

 

27 Jan Vanriet (belga, 1948)
L’invitation au voyage, 1988, óleo y carboncillo sobre lienzo
CRP264

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1971 se convierte en el miembro más joven del consejo editorial de la revista política De Nieuwe Maand. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas y París (1082) y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta  Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros.

 

28 Xavier Noiret-Thomé (francés, 1971)
Donky et Spanza (ready-made), 2007-08, metal galvanizado, plástico, cemento, madera, ruedas
CRP306

Nace en Charleville-Mezières (Francia). Vive y trabaja en Bruselas. Estudia en la Escuela Regional de Bellas Artes de Rennes y desde 1995 como artista residente en el Centro de Arte Contemporáneo Domaine de Kerguéhennec y en la Real Academia de Bellas Artes en Ámsterdam. Su trabajo se mueve entre lo figurativo y lo abstracto y se caracteriza por la diversidad, la mezcla de influencias y la investigación en géneros y estilos. En 2001 es galardonado con el premio Joven Pintura Belga y en 2005 inicia una residencia en Villa Médicis, tras ser galardonado en la Academia de Francia en Roma. En 2011 diseña las vidrieras de la iglesia de Santo Tomás de Vaulx-en-Velin (Francia). Sus individuales más recientes son La parade des cannibales (galería Les filles du Calvaire, París, 2009); Bloated faces & Pop-up (AD, Atenas, 2013); Cosmogony (Museum van Deinze en Leiestreek, Deinze, 2015) y The quiet struggle (Roberto Polo Gallery, Bruselas). Participa en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas (2016) y el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta (2017).

 

29 Bruno Ceccobelli (italiano, 1952)
Giovin Marmo, 2018, mármol
CRP293

Nace en Montecastello di Vibio (Italia). Pintor y escultor, vive y trabaja en Todi. Fue uno de los seis fundadores de la Nuova Scuola Romana o Scuola di San Lorenzo, movimiento que surge del Arte Povera y de la Transvanguardia a fines del siglo XX; a principios de los 80 se instala junto con otros artistas en un amplio espacio industrial abandonado en el barrio de San Lorenzo de Roma. En 1984 da un curso de formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Senegal, experiencia muy importante para él. En 2003 publica una colección de ensayos sobre su anhelo de una futura sociedad estética. En 2009 se celebra en Rovereto una retrospectiva sobre el grupo de San Lorenzo. Durante todos esos años participa en diversas exposiciones en Italia e internacionales.

 

30 Bruno Ceccobelli (italiano, 1952)
Signora Pietra, 2018, mármol
CRP294

 

31 Jacques-Henri Lartigue (francés, 1894-1986)
Florette, 1944, impresión en gelatina de plata
CRP078

Nace en Courbevoie (Francia); la familia se establece en París en 1899. Es fotógrafo y pintor. En 1915 ingresa en la Académie Julian, donde estudia con Jean-Paul Laurens y Marcel Baschet; se centra de forma creciente en la pintura y deja en gran medida la fotografía. Desde 1922 celebra muchas exposiciones (flores, coches, retratos de famosos). En 1923 es ayudante de dirección y fotógrafo en la película Les aventures du roi Pansoie, basada en una novela de Pierre Louÿs. No será reconocido como fotógrafo hasta 1960, pero luego goza de gran prestigio; sus trabajos se exponen en el MoMA en 1963. En 1973 cede sus fotografías al Estado francés y sus pinturas al alcalde de L’Isle-Adam; se crea en Val d’Oise un centro que lleva su nombre.

 

32 Jacques-Henri Lartigue (francés, 1894-1986)
Después de haber sido tantas veces el espectador, voy a poder convertime en el actor, 1918, impresión única en gelatina de plata y tinta
CRP07

 

ESCALERA Y SALA 9

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 9, con obras de Ed Moses en primer plano.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Carolyn Marks Blackwood, The Story Series.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Jan Vanriet, Salted Meat – Vive la Sociale!

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Jacques-Henri Lartigue, Florette.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Wladimir Moszowski, Twilight 2.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Wladimir Moszowski, Twilight 1.

ESCALERA Y SALA 9

ESCALERA 

 

1 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Inside Out, 2013, cristal y metal
CRP314

Nace en Oisterwijk (Holanda). ​Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. ​Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.

Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.

 

2 Rafael Canogar (español, 1935)
Foco, 2011, óleo sobre lienzo
CRP392

Nace en Toledo; estudia con el pintor Daniel Vázquez Díaz (1949-1954). Es miembro fundador del grupo EL PASO, 1957-1960. Ha sido miembro del Consejo Asesor de la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura; del Patronato del Museo Nacional de Arte Contemporáneo y de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y vocal del Consejo de Administración del Patrimonio Nacional; es doctor honoris causa por la UNED. Ha participado en incontables exposiciones colectivas, además de sus muestras individuales, entre ellas varias retrospectivas desde los años setenta: Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Bochum Art Museum, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo de Santa Cruz de Toledo, Museo Reina Sofía, Museo Nacional de Varsovia, Museo de Bellas Artes (Buenos Aires), IVAM, Fundación Antonio Pérez (Cuenca), Fenghuang (China). Ha dirigido talleres y dado conferencias en diversos países de Europa y América, participado en jurados de premios y bienales internacionales y recibido diversos premios y distinciones, entre los que destacan: Medalla de Oro de la Comunidad de Castilla La Mancha; Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes; XV Premio Real Fundación Toledo, por su compromiso con el arte y con Toledo; Premio Nacional de Grabado, otorgado por la Calcografía Nacional (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando)… Sus obras figuran en numerosos museos y colecciones públicas del mundo: Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona y Madrid, Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca), Biblioteca Nacional (Madrid), Museo Reina Sofía, Museo de Israel (Jerusalén), MoMA, Pasadena Art Museum, Stiftung Preussischer Kulturbesitz-Staatliche Museum (Berlín), Hamburgo Kunsthalle, Chicago Art Institute, Museo Rufino Tamayo (México DF).

3 Werner Mannaers  (belga, 1954)
Very Cliché (Listening to Mendelssohn), 2014, técnicas mixtas sobre lienzo
CRP363

Nace en Schoten (Bélgica); vive y trabaja en Amberes. Sus pinturas se combinan en ocasiones con textos en los que suele incluir citas filosóficas y de otros tipos, así como alusiones a destacados artistas del siglo XX.  La cultura popular está muy presente en su obra, que se basa también en referencias personales, con toques muy característicos de humor y una singular combinación de lo banal y lo extraordinario. “Mi arte es caprichoso, espontáneo, no serio, pero al mismo tiempo tremendamente sincero. Mi trabajo es inquieto, provocador y autocrítico”, ha afirmado. En 2008 expuso en el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst de Gante. En 2014 y 2016 muestra su trabajo en la Roberto Polo Gallery (Bruselas). En 2016 participó en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta. Sus proyectos incluyen la publicación del libro Love Letters, pinturas hechas por el artista a lo largo de los años, cartas de amor a “Tacha”, su musa, en gouache sobre papel. Todas ellas, como es habitual en Mannaers, contienen referencias a otros creadores.

 

4 Carolyn Marks Blackwood (estadounidense, 1951)
The Story Series, She stood outside for what seemed like hours. It was time to be brave and go inside, 2013, impresión en tinta de pigmentos sobre papel fine art montado sobre Dibond, edición 3
CRP366

Nace en Anchorage (Alaska), pero la familia se traslada pronto a Nueva York. Se gradúa en arte en el Livingston College (Rutgers University, New Jersey). Ejerce como cantante, compositora, guionista y productora de cine antes de dedicarse a la fotografía. En 2006 la invitan a participar en una muestra colectiva en la Biblioteca Morton de Rhinebeck y sus imágenes del río Hudson atraen a la comisaria Barbara Rose, que en 2007 la incluye en The magic hour (galería Paul Rodgers/9W, Nueva York). Desde entonces expone en museos y galerías de EE. UU. y el extranjero. En 2015, Artnet News la incluye en su obra Five Artists to Watch: the Photography Edition. Sus exposiciones más recientes son On the Edge (galería Von Lintel, Los Ángeles, 2015) y The Story Series (Roberto Polo Gallery, Bruselas, 2017). Su principal fuente de inspiración es la impresionante naturaleza que ve desde su casa de Rhinecliff, en la ribera del Hudson. Influida por la pintura abstracta, experimenta con la escala, la deconstrucción y una perspectiva que permite ver la grandiosidad que se oculta en los pequeños detalles.

5 Carolyn Marks Blackwood (estadounidense, 1951)
The Story Series, Every night, he longed for her, 2016, impresión en tinta de pigmentos sobre papel fine art montado sobre Dibond, edición 3
CRP366

 

SALA 9

 

6 Victor, Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 1 – 1924 (Torso de mujer joven), piedra artificial
CRP084

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

 

7 Victor, Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 1 – 1924 (Torso de hombre joven), piedra artificial
CRP085

 

8 Jan Vanriet (belga, 1948)
Salted Meat – Vive la Sociale!, 2014, óleo sobre lienzo
CRP270

Imagen de mortalidad y metáfora del cuerpo humano y su realidad fisica, su fuerza y su fragilidad, su vulnerabilidad y desamparo. Al igual que Paul Manes en La entrada de Cristo en Nueva York (CRP250) se inspiraba en La entrada de Cristo en Bruselas de James Ensor, Vanriet utiliza para la segunda parte de su título el lema de la gran pancarta que preside la manifestación que ocupa la pintura de su compatriota.

 

9 Koen De Cock (belga,1978)
Vieillard, 2002, yeso
CRP289

Nace en Gante (Bélgica); afincado en su ciudad natal, aunque actualmente trabaja como artista y profesor de arte en Shanghai. Se graduó en escultura en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, estudió un año en la Academia de Bellas Artes de Tianjin (China) y otro en la de Tbilisi (Georgia) como estudiante de posgrado. En 2013, Shepherds, su primera individual en la galería Roberto Polo Gallery, destacó por su originalidad, por su tema, a un tiempo clásico y singular, y su técnica de acuarela sobre papel que combinaba rigor e imaginación. Luego presentó su directa sucesora, Hermits & Wrestlers, pinturas al óleo sobre lienzo. Ambos títulos aluden a su tema predilecto, el desnudo masculino luchando por fundirse con una naturaleza exuberante e ilimitada. Es admirador de Durero, Cranach el Viejo y Paulus Pontius, artistas en los que tiene presencia lo miguelangelesco; Pontius representaba partes del cuerpo de una manera tan extrema e irreal que adquirían vida propia y se convirtieron en modelo para artistas posteriores. De Cock las ha copiado para entender las transformaciones anatómicas de Pontius; este aprendizaje requería rigor técnico e imitar la línea grabada. Sus desnudos están simbiótica y simbólicamente integrados en la naturaleza, su anatomía desmembrada y a menudo luchando violentamente entre ellos.

10 Koen De Cock (belga,1978)
Jeune homme, 2009, yeso
CRP290

 

11 Ed Moses (estadounidense, 1926-2018)
Rumbi, 2008, acrílico sobre lienzo
CRP281

Nace en Long Beach (California, EE UU). Sirve en el Cuerpo Médico de la Armada durante la Segunda Guerra Mundial y quiere ser médico, pero opta por la creación. Estudia en el Instituto de Arte de Chicago con Pedro Miller, quien reconoce su talento. Prosigue su formación en la Universidad de California, donde se gradúa. En 1958 expone por primera vez en Ferus Gallery (Los Ángeles). Forma parte de un activo grupo de artistas formado por Craig Kauffman, Billy Al Bengston, Robert Irwin, Edward Edward Kienholz, Ken Price, Ed Ruscha, Larry Bell, John Altoon y Wallace Berman, quienes superaron los límites del arte de posguerra y dieron forma a la incipiente escena artística de Los Ángeles. Su trabajo absorbe elementos de diversas actividades de vanguardia, pero se nutre de una abstracción basada en el proceso y la repetición geométrica. Entre sus obras más conocidas se encuentran sus Rose Drawings. En 1978 se convierte al budismo y hace de la sensación de vivir el momento la clave de su obra, dando importancia al azar y a las circunstancias. En 1980 recibe una beca Guggenheim. En 1996 celebra una retrospectiva en el Contemporary Art Museum de Los Ángeles, en cuyo County Art Museum se presenta en 2015 una muestra de sus dibujos de los años 60 y 70. Además de en estas instituciones, sus obras se pueden encontrar en el centre Pompidou, MoMA y Los Angeles County Museum, entre otros.

12 Ed Moses (estadounidense, 1926-2018)
Ranken I, óleo, acrílico y Shellac sobre lienzo
CRP280

 

13 Roberto Caracciolo (italiano, 1960)
Anyday (primera de las cuatro pinturas del ciclo The Dark Night, Maybe), 1992, óleo sobre lienzo
CRP279

Nace en Nueva York; vive y trabaja en Roma. Estudia en el Instituto de Arte de Urbino y en la Studio School de Nueva York; a comienzos de los años 80 trabaja como ayudante de diseñador de escenografías con Dante Ferreti. Ha sido profesor o conferenciante en las Academias de Bellas Artes y otras instituciones de Turín, Perugia, Siena, Venecia, Nueva York, Chicago, Roma y Montecastello di Vibio. Entre 1999 y 2013 fue profesor adjunto en la Universidad de Nueva York en Florencia; entre 2007 y 2010 fue Arts Liaison de la Academia Americana en Roma, donde organizaba exposiciones.

 

14 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Francisco, 2012, cedro, papel y hierro
CRP346

Nace en Lyon (Francia). En 1995 se gradúa en la Real Academia de Bellas Artes, donde vive y trabaja desde 1989. Para sus esculturas utiliza sobre todo madera y bronce; son piezas monumentales que suelen evocar sensualidad y violencia. También emplea hierro, papel y cuentas de vidrio pintadas. Sus obras e instalaciones, como se indica en su página web, “hablan con delicadeza y fuerza de un mundo que no es lo que parece y donde sus esculturas cobran vida gradualmente para contar una historia que no deja indiferente a nadie”. Empieza a exponer en 1996 y desde entonces su producción se muestra con regularidad en galerías y museos de Bélgica, París, Ginebra o Lyon. En 2005, tras superar un cáncer, reproduce en su escultura órganos vitales como el corazón y recrea una “máquina del llanto”. Hasta 2011 se dedica a la enseñanza de la escultura clásica en su academia La ligne d’horizon.

15 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Seta, 2012, cedro y papel
CRP347

 

16 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Simon, 2012, roble y hierro
CRP348

 

17 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Cuba, la lucha, Trinidad, 2015, impresión en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond, edición 5
CRP329

Nace en Schoten (Amberes, Bélgica). Estudia fotografía en la Academia de Gante. En 1982 comienza su carrera como fotógrafo independiente y es uno de los fundadores de la galería de fotos XYZ. Entre 1982 y 1989 enseña en la Real Academia de Bellas Artes de Gante, en el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes y en la Escuela de Artes Decorativas de París. En 1994 entra en la agencia Magnum. En el tríptico Trinity (2007) trata el poder y la violencia en el mundo; en Congo (2009) rememora el espíritu del país antes de su independencia; con Momentos antes de la inundación (2012) alerta de los peligros del calentamiento global: en la serie Cuba, la lucha (2015), expuesta en la galería Roberto Polo (Bruselas), analiza la lenta transición del comunismo a una mentalidad más capitalista. También se ha adentrado en los campos de trabajo de Siberia, en la vida cotidiana de India, en la Rusia de antes y después de la caída del Muro o en el entorno de la delincuencia juvenil en Flandes. Ha recibido el Premio del Libro del Festival de Arles (1990), el W. Eugene Smith (1990) y el Kodak (1992). En 2012 es elegido miembro de la Real Academia de Artes y Ciencias de Bruselas. Expone su trabajo en galerías y museos de todo el mundo.

18 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Cuba, la lucha, La Habana, 2015, impresión en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond, edición 5
CRP329

 

19 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Roberto Polo, Brussels, 2016, impresión única en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond
CRP330

 

20 Deborah Turbeville (estadounidense, 1932-2013)
Roberto Polo, New York, 1976, impresión única en gelatina de plata
CRP231

Nace en Boston (Massachusetts). A los 19 años viaja a Nueva York con intención de convertirse en bailarina o actriz, pero conoce a la diseñadora Claire McCardell, con la que empieza a colaborar. En 1963 se estrena como editora de moda en la revista Harper’s Bazaar. Su encuentro con la fotografía fue casual, pero llega a transformarla en arte de vanguardia; pasa de las pasarelas y la publicidad a las galerías de arte. Conocida por su técnica del desenfoque, sorprende con la serie Bath House (Vogue, 1975), donde las modelos aparecen en traje de baño en un aseo público, desdibujadas y en actitud lánguida. En 1978 publica en la misma revista las imágenes de Women in the Woods, fruto de un encargo para Valentino, modisto para el que realiza uno de sus últimos trabajos, la publicidad de la colección primavera-verano 2012, en México. Marcas como Chanel, Oscar de la Renta, Ungaro, Yamamoto o Comme des garçons la reclaman para sus campañas. En 2007 viaja por Europa captando instantáneas de personas y lugares peculiares.

 

21 Wladimir Moszowski (belga, 1949)
Twilight, 2014, óleo sobre lienzo – 1 y 2
CRP368

Nace en Genk (Bélgica). Su obra posee un marcado carácter autobiográfico. Nacido en Bélgica de padres ucranianos, experimenta la paradoja de ser un belga con apellido ucraniano, crisis de identidad que le ha causado un conflicto cultural. Estas experiencias lo han conducido a la creación de un mundo paralelo. Mediante terapia y trabajo con el subconsciente logró acceder a su “Vacío”: la pérdida de identidad transformada en el “Sublime Vacío”, un lugar en el que pudiera tener lugar una escenificación de identidad, historia y fantasía. Sus pinturas crean ese mundo paralelo, en el cual puede asumir el papel que quiera y la forma que quiera, cambiar de identidad, de género o de edad, representar situaciones del pasado, rehacerlas y crear otras nuevas. La búsqueda de identidad ha concluido; su “Sublime Vacío” es su identidad. El arte es un ritual privado para salvar la dualidad personal y cultural. La antigua sabiduría de la alquimia constituye así su principio rector en el arte. Su búsqueda de su identidad y de su lugar como ser humano adopta la forma de un complejo proyecto de arte total, de una mitología personal; términos alquímicos como separatio and coniunctio (separación y unión de elementos para llegar a una entidad fundamental) son traducidos conceptual y expresivamente por el artista en textos, dibujos e instalaciones espaciales. Además de muchas muestras colectivas desde 1972 (Bélgica, Alemania, Rusia, Polonia, EE. UU. …), desde 1979 ha celebrado numerosas individuales en galerías y centros culturales belgas y holandeses, y ha realizado cuatro proyectos de arte en espacios públicos entre 1993 y 2001. 

 

22 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Black Breasts (Glitter), 2017, cristal y cuerda
CRP317

Nace en Oisterwijk (Holanda). ​Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. ​Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.

Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.

23 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Pink Breasts, 2017, cristal y cuerda

 

24 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Glass Colours, 2014, pan de oro sobre puertas de madera pintadas
CRP315

 

25 Lois Lane (estadounidense, 1948)
Moon Shadow, 2010, óleo sobre lienzo
CRP331

Nace en Filadelfia (Pensilvania). Se forma en el Philadelphia College of Art y obtiene un máster en Bellas Artes en Yale University en 1971. Trabaja como ayudante de Jasper Johns. Como Susan Rothenberg o Jennifer Bartlett, forma parte de una generación posminimalista que “busca devolver las imágenes figurativas a la pintura sin caer en el realismo”, según la crítica Deborah Solomon. En su obra destaca el uso poético de las imágenes, reconocibles pero misteriosas, que en ocasiones parecen partir del inconsciente. Ventiladores, pájaros, formas vegetales, animales y prendas de vestir se yuxtaponen ante un fondo plano y neutro. Según Judith Stein, coordinadora de la William Morris Gallery (Reino Unido), “sus motivos son arquetípicos, aparentemente extraídos de rituales, recuerdos y sueños”. En 1978 Lane es una de las protagonistas de la muestra New Image Painting, en el Whitney Museum of American Art, y en 2016 figura con otros artistas norteamericanos (Walter Darby Bannard, Karen Gunderson, Martin Kline, Melissa Kretschmer, Paul Manes, Ed Moses y Larry Poons) en la exposición Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.

 

26 Joris Ghekiere (belga, 1955-2016)
Sin título, 2016, óleo sobre lienzo
CRP325

Nace en Kortrijk (Flandes, Bélgica). Recibió el Premio Europeo (Ostende) en 1980 y 1984 y el de Jeune Peinture Belge (Bruselas) en 1985 y 1986. Realizó proyectos en espacios públicos en diversas ciudades belgas entre 1997 y 2016. Entre sus numerosas exposiciones individuales y colectivas podemos destacar las celebradas en galerías de Dubai, Bruselas, Ámsterdam, Londres y Amberes (2010), Malinas (2011), Lovaina y Malinas (2012), Amberes (2014) y Gante (2015). En 2016 presentó sus dibujos en Ostende y participó en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta. En el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (SMAK) de Gante, presentó en 2015 la muestra Tomorrow, compuesta por cuadros, pinturas murales e instalaciones con papel pintado. Exploró gran diversidad de técnicas y estilos y no se comprometía con un modo de hacer determinado, lo cual dio como resultado una producción en la cual lo figurativo y lo abstracto se influyen mutuamente. Muchas veces iniciaba el proceso colocando el lienzo sobre una plataforma giratoria para crear círculos concéntricos utilizando pintura en spray. Un grupo más reciente de pinturas guarda relación con la inestabilidad. Con la integración de los espacios dislocados y las figuras de la dislocación organiza un  mundo pictórico propio, nutrido por las interrelación de la visualización y los objetos visualizados.

 

27 Jan Vanriet (belga, 1948)
L’invitation au voyage, 1988, óleo y carboncillo sobre lienzo
CRP264

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1971 se convierte en el miembro más joven del consejo editorial de la revista política De Nieuwe Maand. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas y París (1082) y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta  Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros.

 

28 Xavier Noiret-Thomé (francés, 1971)
Donky et Spanza (ready-made), 2007-08, metal galvanizado, plástico, cemento, madera, ruedas
CRP306

Nace en Charleville-Mezières (Francia). Vive y trabaja en Bruselas. Estudia en la Escuela Regional de Bellas Artes de Rennes y desde 1995 como artista residente en el Centro de Arte Contemporáneo Domaine de Kerguéhennec y en la Real Academia de Bellas Artes en Ámsterdam. Su trabajo se mueve entre lo figurativo y lo abstracto y se caracteriza por la diversidad, la mezcla de influencias y la investigación en géneros y estilos. En 2001 es galardonado con el premio Joven Pintura Belga y en 2005 inicia una residencia en Villa Médicis, tras ser galardonado en la Academia de Francia en Roma. En 2011 diseña las vidrieras de la iglesia de Santo Tomás de Vaulx-en-Velin (Francia). Sus individuales más recientes son La parade des cannibales (galería Les filles du Calvaire, París, 2009); Bloated faces & Pop-up (AD, Atenas, 2013); Cosmogony (Museum van Deinze en Leiestreek, Deinze, 2015) y The quiet struggle (Roberto Polo Gallery, Bruselas). Participa en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas (2016) y el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta (2017).

 

29 Bruno Ceccobelli (italiano, 1952)
Giovin Marmo, 2018, mármol
CRP293

Nace en Montecastello di Vibio (Italia). Pintor y escultor, vive y trabaja en Todi. Fue uno de los seis fundadores de la Nuova Scuola Romana o Scuola di San Lorenzo, movimiento que surge del Arte Povera y de la Transvanguardia a fines del siglo XX; a principios de los 80 se instala junto con otros artistas en un amplio espacio industrial abandonado en el barrio de San Lorenzo de Roma. En 1984 da un curso de formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Senegal, experiencia muy importante para él. En 2003 publica una colección de ensayos sobre su anhelo de una futura sociedad estética. En 2009 se celebra en Rovereto una retrospectiva sobre el grupo de San Lorenzo. Durante todos esos años participa en diversas exposiciones en Italia e internacionales.

30 Bruno Ceccobelli (italiano, 1952)
Signora Pietra, 2018, mármol
CRP294

 

31 Jacques-Henri Lartigue (francés, 1894-1986)
Florette, 1944, impresión en gelatina de plata
CRP078

Nace en Courbevoie (Francia); la familia se establece en París en 1899. Es fotógrafo y pintor. En 1915 ingresa en la Académie Julian, donde estudia con Jean-Paul Laurens y Marcel Baschet; se centra de forma creciente en la pintura y deja en gran medida la fotografía. Desde 1922 celebra muchas exposiciones (flores, coches, retratos de famosos). En 1923 es ayudante de dirección y fotógrafo en la película Les aventures du roi Pansoie, basada en una novela de Pierre Louÿs. No será reconocido como fotógrafo hasta 1960, pero luego goza de gran prestigio; sus trabajos se exponen en el MoMA en 1963. En 1973 cede sus fotografías al Estado francés y sus pinturas al alcalde de L’Isle-Adam; se crea en Val d’Oise un centro que lleva su nombre.

 

32 Jacques-Henri Lartigue (francés, 1894-1986)
Después de haber sido tantas veces el espectador, voy a poder convertime en el actor, 1918, impresión única en gelatina de plata y tinta
CRP07

 

SALA 10

Vista de la sala 10 con esculturas de Mar Eemans en primer plano.

Vista de la sala 10 con esculturas de Marc Eemans en primer plano.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Roger Van Gindertael, Les trois jongleurs.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Karl Hofer, Agnuzzo (Ticino).

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Prosper De Troyer, Critics and Advocates.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Sam Dillemans, Self-Portrait.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Honoré Daumier, Conversations d’avocats or Deux avocats.

SALA 10

 

1 William Wauer (alemán, 1866-1962)
Máscaras, c. 1930, óleo sobre lienzo
CRP139

Nace en Oberwiesenthal (Sajonia, Alemania). Estudia en la Academia de Dresde y luego en Berlín y Munich. Desde 1888 vive en San Francisco, Nueva York, Viena, Roma, Leipzig… Es editor, crítico de arte, editor e ilustrador; publica la revista mensual Quickborn. Desde 1900 se dedica al teatro. En 1912 se une a Der Sturm (en 1918 expondrá sus esculturas) y empieza a trabajar como director de cine con películas como Richard Wagner (1913) o Der Tunnel (1914-1915). Es conocido sobre todo por obras expresionistas como el busto monumental de Herwarth Walden, símbolo del radicalismo formal del modernismo alemán. En 1924 funda la Internationale Vereinigung der Expressionisten, Kubisten, Futuristen und Konstruktivisten, prohibida en 1933. En 1941 los nazis clasifican su arte como «degenerado» y se le prohíbe ejercer; no expondrá sus esculturas, pinturas y grabados hasta después de la guerra. Enseña en el centro de educación de adultos de Berlín Occidental y es miembro del consejo de administración de la Verband der Berliner Bildenden Künstler. En 2011 se presenta la muestra William Wauer und der Berliner Kubismus en el Georg Kolbe Museum (Berlín); en 2016, el Kunstmuseum de Berna lo incluye en Modern master: Degenerate art.

 

2 Edmond van Dooren (belga, 1896-1965)
Autorretrato, 1917, óleo sobre lienzo
CRP061

Pintor y diseñador gráfico, nace en Amberes. En 1911 ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, donde sorprende por su osadía cromática. Sus primeras obras, de 1914, son paisajes impresionistas en plein air. Pero le interesa más la forma que el contenido; en la Academia entabla amistad con Jozef Peeters; en 1916-1919 tienen una común pasión por representar metrópolis futuristas; estas pinturas prefiguran las imágenes de la película Metrópolis de Fritz Lang (1927). Cultivan también un tipo de estilo simbolista y romántico relacionado con su adoración por la música de Wagner. Influido por Robert Delaunay, la obra de Van Dooren se hace cada vez más abstracta. En 1918 funda con Peeters el grupo Arte Moderno, del que foman parte Cockx, Léonard y Maes; establecen contacto con Der Sturm y organizan tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Utiliza la técnica del grabado al linóleo, que favorece la abstracción geométrica. Sin embargo, su arte evoluciona hacia unas visiones de una utopía futurista, a menudo impregnadas de veneración por la máquina. Su imaginería futurista prefigura muchas películas de Spielberg. Expuso en Breda y Amberes (1956 y 1963); desde los años 70 se ha incluido obra suya en numerosas exposiciones sobre la vanguardia belga, entre las que destaca Modernisme. L’art abstrait belge et l’Europe (Museo de Bellas Artes de Gante, 2013). Tiene obra en dicho museo y en el de Amberes, entre otros.

 

3 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
Dos árboles y una escalera, 1929, óleo sobre lienzo
CRP179

Nacido en Bruselas, es el hermano mayor del también artista Jean-Emile Van Gindertael, más conocido como Jean Milo. En 1915 inicia su formación artística en la Academia de Bruselas con el pintor académico Herman Richir. Le influyen los expresionistas flamencos; se decanta por el paisaje y la figura. Cultiva también la crítica de arte; es cofundador de la revista Hélianthe y colabora, entre otras, en La Nervie, revista franco-belga de arte y literatura. En 1942 presenta una muestra en Marsella y en 1943 se traslada a París, donde desarrolla su propio estilo y muestra su admiración por los pintores fauvistas y cubistas. En 1928 es incluido en el grupo Joven Pintura Belga. En los años 50 y 60 se centra en la crítica, escribe numerosas reseñas -en especial del movimiento abstracto de la posguerra- y organiza exposiciones. Publica artículos y libros sobre creadores como Modigliani, Ensor, Oscar Gauthier, Nicolas de Staël y Hans Hartung.

 

4 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
La fábrica, 1930, óleo sobre lienzo
CRP180

 

5 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982) 
La glorieta gris, 1930, óleo sobre lienzo

 

6 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
La cita, 1929, óleo sobre lienzo
CRP178

 

7 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
La ventana del marinero, 1927, óleo sobre lienzo
CRP175

 

8 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
Paseo por el bosque, c. 1927, óleo sobre lienzo
CRP174

 

9 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
El terraplenador, 1927, óleo sobre lienzo
CRP176

 

10 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
Los tres juglares, 1928, gouache sobre papel
CRP177

 

11 Marc Eemans (Belgian, 1907-1998)
La estrella de la alianza, 1958, yeso pintado
CRP165

Pintor, poeta y crítico belga de arte; nace en Termonde (Bélgica). Mientras estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas conoce a Victor Servranckx, que le enseña los principios del arte no figurativo. A los 15 años entra en el grupo de vanguardia belga 7 Arts. Sus primeras y revolucionarias obras son assemblages constructivistas y pinturas no figurativas meticulosamente equilibradas en solemnes y sutiles armonías de color, que prefiguran las de Mark Rothko. En 1925 empieza a alejarse del arte no figurativo y se convierte en el primer pintor surrealista de Bélgica, antes de Magritte. Exponiendo con Salvador Dalí entabla amistad también con miembros de la Societé du Mystère, grupo surrealista belga. Sus pinturas de este período se inspiran en las cualidades espirituales de los prerrafaelitas, los románticos alemanes y los simbolistas. En 1939 expone en los Indépendants en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Desde entonces sus obras se han exhibido en muchos lugares, entre ellos el Museo de Bellas Artes de Gante y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Como poeta y escritor colaboró con la revista surrealista Distances, que dirigía desde París Camille Goeman, primero en ocuparse de la obra de Dalí. Antaño en el meollo mismo de los acontecimientos ideológicos del grupo surrealista, decidió abandonarlo para desarrollar sus experiencias en solitario, pero mantuvo la amistad con Goemans, Magritte y Mesens. Su obra se conserva en colecciones públicas como las de los Museos de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

 

12 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
La estrella de la alianza (concha azul) 1958, yeso pintado
CRP164

 

13 Emiel Poetou (belga, 1885-1975)
Retrato del poeta holandés J. Louecteneurg, c. 1940, yeso patinado
CRP198

Escultor belga. Nace en Gante en 1885; estudia en la Real Academia de Bellas Artes de Gante con J. van Biesbrowck Jr. y en la de Bruselas con Van der Stappen. En 1912 recibe el Gran Premio de la Academia de Gante. No busca la belleza sino la expresión, mostrar lo que le conmueve: la  inquietud social y la serenidad religiosa; hay en su obra una fuerza contenida. Se cuenta entre los escultores que quieren liberar su arte de su papel ancilar; la escultura pura es su objetivo y su estilo es severo, incluso adusto. La guerra lo hizo reflexionar profundamente; quería crear una epopeya, un Evangelio de la Paz con Cristo en su centro. Con él, la escultura flamenca encuentra nuevas posibilidades para el futuro. Junto con Wijnants de Malinas y Jespers de Amberes, un tercer modernista flamenco vino a reclamar un lugar en la escultura moderna. Entre sus figuras, estilizadas y cortadas en planos, destacan las de Cristo y la Virgen arrodillándose, así como sus cabezas con tres ojos, dos narices y a veces tres bocas, imagen de la Trinidad; hay que mencionar también animales como una magnífica pantera.

 

14 Karl Hofer (alemán, 1878-1955)
Agnuzzo (Ticino), c. 1940, óleo sobre lienzo
CRP197

Nace en Karlsruhe (Alemania); estudia en su Academia Estatal de Bellas Artes y le influye Arnold Böcklin. Entre 1900 y 1903 viaja a París y Roma. En 1904, el Kunsthaus Zurich presenta su primera individual. En 1908 y 1913 vive en París; le inspiran Cézanne y Hans von Marées, pero se pasará al expresionismo fuera de los grupos dominantes, con su personal impronta poética y toque clásico. Trabaja con figuras y suele repetir los mismos motivos en diferentes y osadas variaciones. Durante la I Guerra Mundial es detenido e internado en un campo de prisioneros en Francia durante tres años. Finalizada la contienda, se traslada a Suiza y en 1919 regresa a Berlín, en cuyo Instituto de Artes Pictóricas enseña de 1920 a 1923, año en que es nombrado miembro de la Academia de las Artes de Prusia. En 1928 presenta una retrospectiva en la Kunsthalle de Mannheim, en la Secesión de Berlín y en la galería de Alfred Flechtheim en la misma ciudad. Con la subida de los nazis al poder en 1933 es despedido. Más de 300 cuadros suyos son retirados de colecciones privadas y algunos expuestos en la muestra Arte degenerado. En 1938 recibe el primer premio del Carnegie Institute (Pittsburgh). En 1945 asume la dirección de la Escuela de Bellas Artes de Berlín, mientras sigue pintando; refleja sus experiencias en ambas contiendas, el horror y la locura de la guerra. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas y públicas dentro y fuera del país. Hay obra suya en el museo de Winterthur, Museo Nacional Bávaro de Munich, Ludwig de Colonia, Kunsthalle de Mannheim, Detroit Institute of Arts, Städel de Frankfurt y Deutsche Bundesbank, en esta misma ciudad.

En una limpieza del cuadro apareció una cruz gamada que se había cubierto en un momento que se desconoce. El camión en que se encuentra parece un transporte nazi y alude quizá a las detenciones; se diría que el expresionismo de los colores de las casas y el cielo reflejan el espanto de una ciudad aterrada. Agnuzzo es una pequeña localidad del cantón suizo Tessin o Ticino, durante la II Guerra Mundial en la frontera con la Italia fascista, a pesar de lo cual acogió numerosos refugiados. 

 

15 Prosper de Troyer (belga, 1880-1961)
Críticos y abogados, 1925, óleo sobre tríplex
CRP170

Nace en Destelbergen (Bélgica). Estudia en la academia Sint-Lucas en Oostakker; se une al movimiento socialista y en 1900 hace el servicio militar en Malinas y se matricula en clases nocturnas en la Academia de Bellas Artes, con Rik Wouters como compañero. El posimpresionismo y el fauvismo marcan su trabajo inicial. En 1917 entra en el círculo de artistas Doe Stil Voort, que promueve el diálogo entre creadores flamencos, y expone en la sala Aeolian de Bruselas. Tras la guerra se interesa por las vanguardias, especialmente por el futurismo, y empieza a escribirse con Marinetti. Sus pinturas de esa etapa se caracterizan por grandes zonas de color, formas geométricas y una intensa sensación de velocidad y movimiento; entra en sus cuadros el ritmo ajetreado de la ciudad. Desde 1920 evoluciona hacia la abstracción, con una paleta más suave. En 1920 y 1922 participa en los Congresos para el Arte Moderno. En 1922 regresa a la figuración; la familia, el paisaje y la temática religiosa son sus temas. Construye cuerpos con formas geométricas -cilindros, esferas y triángulos- en un estilo expresionista muy particular, no exento de cierto sarcasmo. En los años 30 su arte se vuelve más crítico y sombrío. Hay obra suya en museos de Bruselas, Amberes, Gante, Malinas y Ostende. Destaca la retrospectiva Prosper De Troyer. Schilder in beweging (Prosper de Troyer. Pintor en movimiento), organizada en 2013 en el Centro Cultural Lamot de Malinas.

Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo: Pr. De Troyer 1925. Procedencia: adquirido por Hippolyte Fierens-Gevaert (1870-1926) por 10.000 francos belgas en la exposición Prosper de Troyer, Cercle Royal Artistique, Littéraire et Scientifique d’Anvers, Amberes, 1925. Fierens-Gevaert fue el primer conservador jefe de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas; como delegado oficial de Bélgica para las Bienales de Venecia entre 1907 y 1926, este último año seleccionó a Prosper de Troyer para representar a su país. Vendido en la subasta Hippolyte Fierens-Gevaert, Galerie Georges Giroux, Bruselas, 1951, lote n° 77 (Vitters en Raadgevers). Expuesto también en Le peintre De Troyer, Á la vierge poupine, Bruselas, enero de 1926, n° 9. Según Kurt De Boodt, experto en De Troyer, esta muestra fue organizada por el gran poeta vanguardista belga Paul Van Ostaijen. Se ha  expuesto en Prosper de Troyer Schilder in beweging, Stedelijke Musea, Malinas, julio de 2013, n° 23.

Los análisis que se han hecho del cuadro responden a su título original neerlandés, Vitters en raadgevers (Críticos y consejeros). De Troyer desconfiaba de los críticos de arte y de los marchantes, pues creía que dictaban a los artistas cómo tenían que pintar. Kurt De Boodt piensa que el personaje de la derecha podría ser Paul Colin o Gustave Van Hecke, críticos; la mujer del fondo tal vez la segunda esposa del artista, Germaine De Wilde; y el niño su segundo hijo, Hubert. La escena muestra al artista rodeado de varios consejeros y oyendo casi atemorizado las teorías más subversivas y fantásticas de los consejeros. Quiere sobre todo expresar su estado de ánimo destacando que el artista inteligente, trabajador e investigador es capaz de realizar una obra sin consejos de amigos ni de enemigos, y que sólo aislándose de la multitud puede crear obras personales. El color realza singularmente la fuerza de este fresco humorístico. 

 

16 Honoré Daumier (francés, 1808-1879)
Conversaciones de abogados o Dos abogados, década de 1860/860s, óleo sobre tabla
CRP007

Nace en Marsella. Caricaturista, pintor y escultor especialmente célebre por sus dibujos y grabados satíricos, en los que caricaturiza la política y la sociedad francesas de su tiempo. Estudia con Alexandre Lenoir, un discípulo de David. Durante 40 años trabaja como caricaturista en París; ejecutará unas 4.000 litografías y otros tantos dibujos. En 1832 el rey Luis Felipe ya no tolera sus sátiras y lo manda un tiempo a la cárcel. En 1848 empieza a pintar al óleo en un estilo tempranamente impresionista que influye en su producción grabada; crea la pintura de costumbres y da protagonismo a la misma crítica social que sus litografías. En 1871 es miembro de la Comuna de París; esos últimos años ya no trabaja, pues está casi ciego.

Los abogados, jueces y jurados figuran, incluso con marcada preferencia, entre los numerosos tipos que son blanco de su mordaz ingenio entre los años cincuenta y setenta ya sea utilizando pintura, acuarela, dibujo a lápiz o tinta, o litografía. Esta obra (de la que existe en colección privada neoyorquina un dibujo a lápiz, pluma y acuarela) pertenece al grupo de los coloquios privados, en los que se muestran relajados y a menudo producen la impresión de hallarse entregados a manejos turbios, siempre en provecho propio y en perjuicio del cliente, a quien, en una proeza de talento narrativo, podemos ver como la víctima de un sistema injusto, en la conclusión de un historia que se puede deducir del aire de altivez y desprecio del letrado, con frecuencia de rasgos buitrescos. Para acentuar esta apariencia siniestra, el artista aprovecha la mancha informe de la negra toga. La otra modalidad es la de los abogados actuando ante el tribunal o saliendo de la sala, escenas todas ellas de gran efectismo por su gestualidad grandilocuente, tras la cual se adivina una retórica inflada y engañosa; algunas parecen bocetos para una composición más grande. La mayoría de las escenas contienen dos o tres figuras.

 

17 Karl Schmidt-Rottluff (alemán, 1884-1976)
Casas al borde del caminio, 1931, óleo sobre lienzo
CRP035

Pintor y grabador celebrado por sus paisajes y grabados expresionistas, nació en Rottluff (Sajonia, Alemania) y empezó a estudiar arquitectura en Dresde, donde conoció a Kirchner y a Heckel. En 1905 ambos se trasladan a para estudiar y pintar; juntos formaron el grupo expresionista Die Brücke y presentaron su primera exposición en Leipzig. Añade a su nombre el de su población natal, Rottluff. En obras como Día de viento (1907) deja ver la transición de su estilo temprano al maduro de obras como Autorretrato con monóculo (1910), caracterizado por atrevidos colores disonantes. En 1911 se traslada a Berlín; numerosas obras de este período revelan su nuevo interés por el cubismo. Cuando los nazis suben al poder se le prohíbe pintar y es expulsado de la Academia Prusiana de las Artes; en 1937 se retiran de los museos muchas de sus pinturas y se incluyen algunas en la exposición Arte degenerado. En 1947 es contratado como profesor en la Universidad de las Artes de Berlín. Alemania le homenajea con numerosas retrospectivas y en 1956 recibe la medalla Pour le Mérite, la más alta distinción de Prusia. En 1964 es el principal promotor del Brücke Museum de Berlín, inaugurado en 1967 con las obras donadas por él y otros miembros de grupo. Sus obras pueden verse en el MoMA, Los Angeles County Museum, Muscarelle Museum of Art (Williamsburg), Museum am Theaterplatz (Chemnitz), etc.

 

18 Sam Dillemans (belga, 1965)
Autorretrato, 2004, óleo sobre lienzo
CRP283

Nace en Lovaina (Bélgica). Vive y trabaja en Amberes. Apasionado por la literatura y el arte, comienza a pintar en 1979, a los 14 años, tras descubrir la obra de Van Gogh. Entre 1984 y 1991 se forma en la Academia de Arte de Lovaina y en la de Tourcoing, en el norte de Francia. Posteriormente da clases de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes. En su trabajo es esencial la investigación de pintores antiguos como Rubens, Rembrandt o Turner, que adapta a su propio estilo de pinceladas oscuras y expresivas. Destacan sus retratos de pintores y escritores y su serie dedicada a los boxeadores. En 1994 presenta Belleza clásica en el Museo Real de Bellas Artes (Amberes) y después participa en individuales y colectivas en distintos museos y galerías. En 2016 inaugura con una retrospectiva su propio espacio, la Sala de Exposiciones Sam Dillemans en Amberes. En 2018 presenta Adiós a todo eso. Pinturas de la Gran Guerra, una muestra compuesta por retratos de comandantes, pilotos de combate, escritores y poetas que sirvieron en la I Guerra Mundial.

 

19 Edmond Vandercammen (belga, 1901-1981)
Retrato de hombre con pipa, c. 1925, óleo sobre lienzo
CRP171

Pintor y poeta en lengua francesa, nace en Ohain (Bélgica). Se forma en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y es un activo participante en la vanguardia belga. Expone en París con Flouquet en 1920 y con Bracusi en 1927; en 1929 participa en la Exposicion de Arte Abstracto. Colabora con Magritte en la revista 7 Arts. Con Flouquet funda el Journal des Poètes en 1930. Traduce a poetas españoles como Lorca, Neruda y Lope; a finales de esa década deja la pintura por la poesía. Es elegido miembro de la Academia de la Lengua y Literatura Francesas de Bélgica y en 1977 recibe el Gran Premio Internacional de poesía. Su pintura pasó inadvertida hasta la década de los ochenta: en 1981 y 1987 se organizaron sendas retrospectivas de su obra y después exposiciones internacionales. Su estilo es típico de la escuela belga de pintura moderna. Primero es cubista y colorista; luego se acerca al surrealismo pero conserva elementos cubistas y también deja ver reminiscencias del arte africano tradicional.

 

20 Maria Mela Muter (polaca, 1876-1967)
Retrato de Robert Rey, c. 1917, óleo sobre lienzo
CRP067

Nace en Varsovia, en el seno de una rica familia de comerciantes judíos; es la primera pintora judía profesional de Polonia. En 1892 asiste al centro de dibujo y pintura para mujeres de Milosz Kotarbińsky. En 1901, casada con el escritor Michel Mutermilch, marcha a París y prosigue su formación en la Académie de la Grande Chaumière y la Académie Colarossi. En 1902 empieza a exponer su obra en el Salón de París. Es miembro de la Société Nationale de Beaux-Arts y de la Société des Femmes Artistes, dentro de un privilegiado grupo de mujeres en el que se encuentran Suzanne Valadon, Berthe Morisot y Marie Laurencin. Presenta muestras individuales en las galerías José Dalmau de Barcelona (1912), Chéron (1918) y Druet (1926 y 1928) en París, y en Polonia en la Sociedad para el Fomento de las Bellas Artes (1923). Durante la ocupación alemana de Francia en la II Guerra Mundial se esconde en el sur del país. Se la suele relacionar con la Escuela de París, pero su estilo, inspirado en Whistler, Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Picasso y Severini, tiene un sello muy personal y combina posimpresionismo y expresionismo. Reconocida retratista de élite, entre sus modelos destacan Rodin, Diego Rivera, Erik Satie, Ravel y Rabindranath Tagore. En 1953 se presenta en París una retrospectiva de su trabajo. 

SALA 10

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 10 con esculturas de Marc Eemans en primer plano.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Roger Van Gindertael, Les trois jongleurs.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Karl Hofer, Agnuzzo (Ticino).

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Prosper De Troyer, Critics and Advocates.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Sam Dillemans, Self-Portrait.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Honoré Daumier, Conversations d’avocats or Deux avocats.

SALA 10

1 William Wauer (alemán, 1866-1962)
Máscaras, c. 1930, óleo sobre lienzo
CRP139

Nace en Oberwiesenthal (Sajonia, Alemania). Estudia en la Academia de Dresde y luego en Berlín y Munich. Desde 1888 vive en San Francisco, Nueva York, Viena, Roma, Leipzig… Es editor, crítico de arte, editor e ilustrador; publica la revista mensual Quickborn. Desde 1900 se dedica al teatro. En 1912 se une a Der Sturm (en 1918 expondrá sus esculturas) y empieza a trabajar como director de cine con películas como Richard Wagner (1913) o Der Tunnel (1914-1915). Es conocido sobre todo por obras expresionistas como el busto monumental de Herwarth Walden, símbolo del radicalismo formal del modernismo alemán. En 1924 funda la Internationale Vereinigung der Expressionisten, Kubisten, Futuristen und Konstruktivisten, prohibida en 1933. En 1941 los nazis clasifican su arte como «degenerado» y se le prohíbe ejercer; no expondrá sus esculturas, pinturas y grabados hasta después de la guerra. Enseña en el centro de educación de adultos de Berlín Occidental y es miembro del consejo de administración de la Verband der Berliner Bildenden Künstler. En 2011 se presenta la muestra William Wauer und der Berliner Kubismus en el Georg Kolbe Museum (Berlín); en 2016, el Kunstmuseum de Berna lo incluye en Modern master: Degenerate art.

2 Edmond van Dooren (belga, 1896-1965)
Autorretrato, 1917, óleo sobre lienzo
CRP061

Pintor y diseñador gráfico, nace en Amberes. En 1911 ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, donde sorprende por su osadía cromática. Sus primeras obras, de 1914, son paisajes impresionistas en plein air. Pero le interesa más la forma que el contenido; en la Academia entabla amistad con Jozef Peeters; en 1916-1919 tienen una común pasión por representar metrópolis futuristas; estas pinturas prefiguran las imágenes de la película Metrópolis de Fritz Lang (1927). Cultivan también un tipo de estilo simbolista y romántico relacionado con su adoración por la música de Wagner. Influido por Robert Delaunay, la obra de Van Dooren se hace cada vez más abstracta. En 1918 funda con Peeters el grupo Arte Moderno, del que foman parte Cockx, Léonard y Maes; establecen contacto con Der Sturm y organizan tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Utiliza la técnica del grabado al linóleo, que favorece la abstracción geométrica. Sin embargo, su arte evoluciona hacia unas visiones de una utopía futurista, a menudo impregnadas de veneración por la máquina. Su imaginería futurista prefigura muchas películas de Spielberg. Expuso en Breda y Amberes (1956 y 1963); desde los años 70 se ha incluido obra suya en numerosas exposiciones sobre la vanguardia belga, entre las que destaca Modernisme. L’art abstrait belge et l’Europe (Museo de Bellas Artes de Gante, 2013). Tiene obra en dicho museo y en el de Amberes, entre otros.

 

3 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
Dos árboles y una escalera, 1929, óleo sobre lienzo
CRP179

Nacido en Bruselas, es el hermano mayor del también artista Jean-Emile Van Gindertael, más conocido como Jean Milo. En 1915 inicia su formación artística en la Academia de Bruselas con el pintor académico Herman Richir. Le influyen los expresionistas flamencos; se decanta por el paisaje y la figura. Cultiva también la crítica de arte; es cofundador de la revista Hélianthe y colabora, entre otras, en La Nervie, revista franco-belga de arte y literatura. En 1942 presenta una muestra en Marsella y en 1943 se traslada a París, donde desarrolla su propio estilo y muestra su admiración por los pintores fauvistas y cubistas. En 1928 es incluido en el grupo Joven Pintura Belga. En los años 50 y 60 se centra en la crítica, escribe numerosas reseñas -en especial del movimiento abstracto de la posguerra- y organiza exposiciones. Publica artículos y libros sobre creadores como Modigliani, Ensor, Oscar Gauthier, Nicolas de Staël y Hans Hartung.

 

4 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
La fábrica, 1930, óleo sobre lienzo
CRP180

 

5 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982) 
La glorieta gris, 1930, óleo sobre lienzo

6 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
La cita, 1929, óleo sobre lienzo
CRP178

 

7 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
La ventana del marinero, 1927, óleo sobre lienzo
CRP175

 

8 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)
Paseo por el bosque, c. 1927, óleo sobre lienzo
CRP174

 

9 Roger van Gindertael (belga, 1899-1982)

El terraplenador, 1927, óleo sobre lienzo

CRP176

 

10 Roger van Gindertael (belga/Belgian, 1899-1982)
Los tres juglares, 1928, gouache sobre papel
CRP177

 

11 Marc Eemans (Belgian, 1907-1998)
La estrella de la alianza, 1958, yeso pintado
CRP165

Pintor, poeta y crítico belga de arte; nace en Termonde (Bélgica). Mientras estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas conoce a Victor Servranckx, que le enseña los principios del arte no figurativo. A los 15 años entra en el grupo de vanguardia belga 7 Arts. Sus primeras y revolucionarias obras son assemblages constructivistas y pinturas no figurativas meticulosamente equilibradas en solemnes y sutiles armonías de color, que prefiguran las de Mark Rothko. En 1925 empieza a alejarse del arte no figurativo y se convierte en el primer pintor surrealista de Bélgica, antes de Magritte. Exponiendo con Salvador Dalí entabla amistad también con miembros de la Societé du Mystère, grupo surrealista belga. Sus pinturas de este período se inspiran en las cualidades espirituales de los prerrafaelitas, los románticos alemanes y los simbolistas. En 1939 expone en los Indépendants en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Desde entonces sus obras se han exhibido en muchos lugares, entre ellos el Museo de Bellas Artes de Gante y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Como poeta y escritor colaboró con la revista surrealista Distances, que dirigía desde París Camille Goeman, primero en ocuparse de la obra de Dalí. Antaño en el meollo mismo de los acontecimientos ideológicos del grupo surrealista, decidió abandonarlo para desarrollar sus experiencias en solitario, pero mantuvo la amistad con Goemans, Magritte y Mesens. Su obra se conserva en colecciones públicas como las de los Museos de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

 

12 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
La estrella de la alianza (concha azul) 1958, yeso pintado
CRP164

 

13 Emiel Poetou (belga, 1885-1975)
Retrato del poeta holandés J. Louecteneurg, c. 1940, yeso patinado
CRP198

Escultor belga. Nace en Gante en 1885; estudia en la Real Academia de Bellas Artes de Gante con J. van Biesbrowck Jr. y en la de Bruselas con Van der Stappen. En 1912 recibe el Gran Premio de la Academia de Gante. No busca la belleza sino la expresión, mostrar lo que le conmueve: la  inquietud social y la serenidad religiosa; hay en su obra una fuerza contenida. Se cuenta entre los escultores que quieren liberar su arte de su papel ancilar; la escultura pura es su objetivo y su estilo es severo, incluso adusto. La guerra lo hizo reflexionar profundamente; quería crear una epopeya, un Evangelio de la Paz con Cristo en su centro. Con él, la escultura flamenca encuentra nuevas posibilidades para el futuro. Junto con Wijnants de Malinas y Jespers de Amberes, un tercer modernista flamenco vino a reclamar un lugar en la escultura moderna. Entre sus figuras, estilizadas y cortadas en planos, destacan las de Cristo y la Virgen arrodillándose, así como sus cabezas con tres ojos, dos narices y a veces tres bocas, imagen de la Trinidad; hay que mencionar también animales como una magnífica pantera.

14 Karl Hofer (alemán, 1878-1955)
Agnuzzo (Ticino), c. 1940, óleo sobre lienzo
CRP197

Nace en Karlsruhe (Alemania); estudia en su Academia Estatal de Bellas Artes y le influye Arnold Böcklin. Entre 1900 y 1903 viaja a París y Roma. En 1904, el Kunsthaus Zurich presenta su primera individual. En 1908 y 1913 vive en París; le inspiran Cézanne y Hans von Marées, pero se pasará al expresionismo fuera de los grupos dominantes, con su personal impronta poética y toque clásico. Trabaja con figuras y suele repetir los mismos motivos en diferentes y osadas variaciones. Durante la I Guerra Mundial es detenido e internado en un campo de prisioneros en Francia durante tres años. Finalizada la contienda, se traslada a Suiza y en 1919 regresa a Berlín, en cuyo Instituto de Artes Pictóricas enseña de 1920 a 1923, año en que es nombrado miembro de la Academia de las Artes de Prusia. En 1928 presenta una retrospectiva en la Kunsthalle de Mannheim, en la Secesión de Berlín y en la galería de Alfred Flechtheim en la misma ciudad. Con la subida de los nazis al poder en 1933 es despedido. Más de 300 cuadros suyos son retirados de colecciones privadas y algunos expuestos en la muestra Arte degenerado. En 1938 recibe el primer premio del Carnegie Institute (Pittsburgh). En 1945 asume la dirección de la Escuela de Bellas Artes de Berlín, mientras sigue pintando; refleja sus experiencias en ambas contiendas, el horror y la locura de la guerra. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas y públicas dentro y fuera del país. Hay obra suya en el museo de Winterthur, Museo Nacional Bávaro de Munich, Ludwig de Colonia, Kunsthalle de Mannheim, Detroit Institute of Arts, Städel de Frankfurt y Deutsche Bundesbank, en esta misma ciudad.

En una limpieza del cuadro apareció una cruz gamada que se había cubierto en un momento que se desconoce. El camión en que se encuentra parece un transporte nazi y alude quizá a las detenciones; se diría que el expresionismo de los colores de las casas y el cielo reflejan el espanto de una ciudad aterrada. Agnuzzo es una pequeña localidad del cantón suizo Tessin o Ticino, durante la II Guerra Mundial en la frontera con la Italia fascista, a pesar de lo cual acogió numerosos refugiados. 

 

15 Prosper de Troyer (belga, 1880-1961)
Críticos y abogados, 1925, óleo sobre tríplex
CRP170

Nace en Destelbergen (Bélgica). Estudia en la academia Sint-Lucas en Oostakker; se une al movimiento socialista y en 1900 hace el servicio militar en Malinas y se matricula en clases nocturnas en la Academia de Bellas Artes, con Rik Wouters como compañero. El posimpresionismo y el fauvismo marcan su trabajo inicial. En 1917 entra en el círculo de artistas Doe Stil Voort, que promueve el diálogo entre creadores flamencos, y expone en la sala Aeolian de Bruselas. Tras la guerra se interesa por las vanguardias, especialmente por el futurismo, y empieza a escribirse con Marinetti. Sus pinturas de esa etapa se caracterizan por grandes zonas de color, formas geométricas y una intensa sensación de velocidad y movimiento; entra en sus cuadros el ritmo ajetreado de la ciudad. Desde 1920 evoluciona hacia la abstracción, con una paleta más suave. En 1920 y 1922 participa en los Congresos para el Arte Moderno. En 1922 regresa a la figuración; la familia, el paisaje y la temática religiosa son sus temas. Construye cuerpos con formas geométricas -cilindros, esferas y triángulos- en un estilo expresionista muy particular, no exento de cierto sarcasmo. En los años 30 su arte se vuelve más crítico y sombrío. Hay obra suya en museos de Bruselas, Amberes, Gante, Malinas y Ostende. Destaca la retrospectiva Prosper De Troyer. Schilder in beweging (Prosper de Troyer. Pintor en movimiento), organizada en 2013 en el Centro Cultural Lamot de Malinas.

Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo: Pr. De Troyer 1925. Procedencia: adquirido por Hippolyte Fierens-Gevaert (1870-1926) por 10.000 francos belgas en la exposición Prosper de Troyer, Cercle Royal Artistique, Littéraire et Scientifique d’Anvers, Amberes, 1925. Fierens-Gevaert fue el primer conservador jefe de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas; como delegado oficial de Bélgica para las Bienales de Venecia entre 1907 y 1926, este último año seleccionó a Prosper de Troyer para representar a su país. Vendido en la subasta Hippolyte Fierens-Gevaert, Galerie Georges Giroux, Bruselas, 1951, lote n° 77 (Vitters en Raadgevers). Expuesto también en Le peintre De Troyer, Á la vierge poupine, Bruselas, enero de 1926, n° 9. Según Kurt De Boodt, experto en De Troyer, esta muestra fue organizada por el gran poeta vanguardista belga Paul Van Ostaijen. Se ha  expuesto en Prosper de Troyer Schilder in beweging, Stedelijke Musea, Malinas, julio de 2013, n° 23.

Los análisis que se han hecho del cuadro responden a su título original neerlandés, Vitters en raadgevers (Críticos y consejeros). De Troyer desconfiaba de los críticos de arte y de los marchantes, pues creía que dictaban a los artistas cómo tenían que pintar. Kurt De Boodt piensa que el personaje de la derecha podría ser Paul Colin o Gustave Van Hecke, críticos; la mujer del fondo tal vez la segunda esposa del artista, Germaine De Wilde; y el niño su segundo hijo, Hubert. La escena muestra al artista rodeado de varios consejeros y oyendo casi atemorizado las teorías más subversivas y fantásticas de los consejeros. Quiere sobre todo expresar su estado de ánimo destacando que el artista inteligente, trabajador e investigador es capaz de realizar una obra sin consejos de amigos ni de enemigos, y que sólo aislándose de la multitud puede crear obras personales. El color realza singularmente la fuerza de este fresco humorístico. 

 

 

16 Honoré Daumier (francés, 1808-1879)
Conversaciones de abogados o Dos abogados, década de 1860/860s, óleo sobre tabla
CRP007

Nace en Marsella. Caricaturista, pintor y escultor especialmente célebre por sus dibujos y grabados satíricos, en los que caricaturiza la política y la sociedad francesas de su tiempo. Estudia con Alexandre Lenoir, un discípulo de David. Durante 40 años trabaja como caricaturista en París; ejecutará unas 4.000 litografías y otros tantos dibujos. En 1832 el rey Luis Felipe ya no tolera sus sátiras y lo manda un tiempo a la cárcel. En 1848 empieza a pintar al óleo en un estilo tempranamente impresionista que influye en su producción grabada; crea la pintura de costumbres y da protagonismo a la misma crítica social que sus litografías. En 1871 es miembro de la Comuna de París; esos últimos años ya no trabaja, pues está casi ciego.

Los abogados, jueces y jurados figuran, incluso con marcada preferencia, entre los numerosos tipos que son blanco de su mordaz ingenio entre los años cincuenta y setenta ya sea utilizando pintura, acuarela, dibujo a lápiz o tinta, o litografía. Esta obra (de la que existe en colección privada neoyorquina un dibujo a lápiz, pluma y acuarela) pertenece al grupo de los coloquios privados, en los que se muestran relajados y a menudo producen la impresión de hallarse entregados a manejos turbios, siempre en provecho propio y en perjuicio del cliente, a quien, en una proeza de talento narrativo, podemos ver como la víctima de un sistema injusto, en la conclusión de un historia que se puede deducir del aire de altivez y desprecio del letrado, con frecuencia de rasgos buitrescos. Para acentuar esta apariencia siniestra, el artista aprovecha la mancha informe de la negra toga. La otra modalidad es la de los abogados actuando ante el tribunal o saliendo de la sala, escenas todas ellas de gran efectismo por su gestualidad grandilocuente, tras la cual se adivina una retórica inflada y engañosa; algunas parecen bocetos para una composición más grande. La mayoría de las escenas contienen dos o tres figuras.

 

17 Karl Schmidt-Rottluff (alemán, 1884-1976)
Casas al borde del caminio, 1931, óleo sobre lienzo
CRP035

Pintor y grabador celebrado por sus paisajes y grabados expresionistas, nació en Rottluff (Sajonia, Alemania) y empezó a estudiar arquitectura en Dresde, donde conoció a Kirchner y a Heckel. En 1905 ambos se trasladan a para estudiar y pintar; juntos formaron el grupo expresionista Die Brücke y presentaron su primera exposición en Leipzig. Añade a su nombre el de su población natal, Rottluff. En obras como Día de viento (1907) deja ver la transición de su estilo temprano al maduro de obras como Autorretrato con monóculo (1910), caracterizado por atrevidos colores disonantes. En 1911 se traslada a Berlín; numerosas obras de este período revelan su nuevo interés por el cubismo. Cuando los nazis suben al poder se le prohíbe pintar y es expulsado de la Academia Prusiana de las Artes; en 1937 se retiran de los museos muchas de sus pinturas y se incluyen algunas en la exposición Arte degenerado. En 1947 es contratado como profesor en la Universidad de las Artes de Berlín. Alemania le homenajea con numerosas retrospectivas y en 1956 recibe la medalla Pour le Mérite, la más alta distinción de Prusia. En 1964 es el principal promotor del Brücke Museum de Berlín, inaugurado en 1967 con las obras donadas por él y otros miembros de grupo. Sus obras pueden verse en el MoMA, Los Angeles County Museum, Muscarelle Museum of Art (Williamsburg), Museum am Theaterplatz (Chemnitz), etc.

 

18 Sam Dillemans (belga, 1965)
Autorretrato, 2004, óleo sobre lienzo
CRP283

Nace en Lovaina (Bélgica). Vive y trabaja en Amberes. Apasionado por la literatura y el arte, comienza a pintar en 1979, a los 14 años, tras descubrir la obra de Van Gogh. Entre 1984 y 1991 se forma en la Academia de Arte de Lovaina y en la de Tourcoing, en el norte de Francia. Posteriormente da clases de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes. En su trabajo es esencial la investigación de pintores antiguos como Rubens, Rembrandt o Turner, que adapta a su propio estilo de pinceladas oscuras y expresivas. Destacan sus retratos de pintores y escritores y su serie dedicada a los boxeadores. En 1994 presenta Belleza clásica en el Museo Real de Bellas Artes (Amberes) y después participa en individuales y colectivas en distintos museos y galerías. En 2016 inaugura con una retrospectiva su propio espacio, la Sala de Exposiciones Sam Dillemans en Amberes. En 2018 presenta Adiós a todo eso. Pinturas de la Gran Guerra, una muestra compuesta por retratos de comandantes, pilotos de combate, escritores y poetas que sirvieron en la I Guerra Mundial.

19 Edmond Vandercammen (belga, 1901-1981)
Retrato de hombre con pipa, c. 1925, óleo sobre lienzo
CRP171

Pintor y poeta en lengua francesa, nace en Ohain (Bélgica). Se forma en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y es un activo participante en la vanguardia belga. Expone en París con Flouquet en 1920 y con Bracusi en 1927; en 1929 participa en la Exposicion de Arte Abstracto. Colabora con Magritte en la revista 7 Arts. Con Flouquet funda el Journal des Poètes en 1930. Traduce a poetas españoles como Lorca, Neruda y Lope; a finales de esa década deja la pintura por la poesía. Es elegido miembro de la Academia de la Lengua y Literatura Francesas de Bélgica y en 1977 recibe el Gran Premio Internacional de poesía. Su pintura pasó inadvertida hasta la década de los ochenta: en 1981 y 1987 se organizaron sendas retrospectivas de su obra y después exposiciones internacionales. Su estilo es típico de la escuela belga de pintura moderna. Primero es cubista y colorista; luego se acerca al surrealismo pero conserva elementos cubistas y también deja ver reminiscencias del arte africano tradicional.

 

20 Maria Mela Muter (polaca, 1876-1967)
Retrato de Robert Rey, c. 1917, óleo sobre lienzo
CRP067

Nace en Varsovia, en el seno de una rica familia de comerciantes judíos; es la primera pintora judía profesional de Polonia. En 1892 asiste al centro de dibujo y pintura para mujeres de Milosz Kotarbińsky. En 1901, casada con el escritor Michel Mutermilch, marcha a París y prosigue su formación en la Académie de la Grande Chaumière y la Académie Colarossi. En 1902 empieza a exponer su obra en el Salón de París. Es miembro de la Société Nationale de Beaux-Arts y de la Société des Femmes Artistes, dentro de un privilegiado grupo de mujeres en el que se encuentran Suzanne Valadon, Berthe Morisot y Marie Laurencin. Presenta muestras individuales en las galerías José Dalmau de Barcelona (1912), Chéron (1918) y Druet (1926 y 1928) en París, y en Polonia en la Sociedad para el Fomento de las Bellas Artes (1923). Durante la ocupación alemana de Francia en la II Guerra Mundial se esconde en el sur del país. Se la suele relacionar con la Escuela de París, pero su estilo, inspirado en Whistler, Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Picasso y Severini, tiene un sello muy personal y combina posimpresionismo y expresionismo. Reconocida retratista de élite, entre sus modelos destacan Rodin, Diego Rivera, Erik Satie, Ravel y Rabindranath Tagore. En 1953 se presenta en París una retrospectiva de su trabajo. 

 

SALA 11

Vista de la sala 11, dedicada al surrealismo, con obras de Eemans, Ernst, Suro y otros.

Vista de la sala 11, dedicada al surrealismo, con obras de Eemans, Ernst, Suro y otros.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Marc Eemans, Dame qui ôte ses parures.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Sadie Murdoch, I Can See the Men Hiding in the Forest.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Marc Eemans, L’envol de Jeanne.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Max Ernst, Sade-Sit.

SALA 11

 

1 Sadie Murdoch (inglesa, 1965)
Alexandre, Aragon, Breton, Buñuel, Caupenne, Dalí, Éluard, Ernst, Fourier, Goemans, Magritte, Nougé (versión 1), 2015-16, acuarela sobre papel

I Can See the Man Hiding in the Forest, 2016, 17 impresiones únicas en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes
CRP305

Nace en Hexham (Northumberland, Inglaterra). Estudia en el Chelsea College of Art and Design (Londres) y en la Leeds Metropolitan University. Es Abbey Rome Scholar en la British School de Roma en 2002 y participa en el Programa de Estudios Independientes del Whitney Museum of American Art en 2003-2004. Actualmente es profesora en el Goldsmith College de Londres. En su trabajo aborda cuestiones de género y presta especial atención a la representación de las mujeres en el arte moderno, explorando archivos fotográficos que descodifica y reconstruye con su mirada feminista. Elabora collages a partir de fotos de creadores que tienen especial significado para ella y busca lecturas particulares donde son muy comunes las anomalías cromáticas y los fragmentos desarticulados del cuerpo. En 2011 se presenta una revisión de su trabajo en SOURCE Photographic Review. En 2016 presenta su proyecto SSS-MM, en Haus Konstruktiv (Zurich), que se acompaña del libro de artista Omnipulsepunslide. En 2017 figura en la muestra de artistas ingleses Brexit-Out of the Matrix? (Kunsthalle Palazzo Liestal, Basilea).

 

2 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 16 – 1932, Comienzos de la pintura al óleo, óleo sobre lienzo
CRP091

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

Firmado y fechado en el bastidor, ángulo superior derecho: SERVRANCKX 16 – 1932. Procedencia: Angeline Servranckx-Turcksin, Elewijt, Bélgica; Jos Gysbrechts, Kortenberg, Bélgica.

 

3 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
El ritmo soberano, 1928, óleo sobre lienzo
CRP158

Pintor, poeta y crítico belga de arte; nace en Termonde (Bélgica). Mientras estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas conoce a Victor Servranckx, que le enseña los principios del arte no figurativo. A los 15 años entra en el grupo de vanguardia belga 7 Arts. Sus primeras y revolucionarias obras son assemblages constructivistas y pinturas no figurativas meticulosamente equilibradas en solemnes y sutiles armonías de color, que prefiguran las de Mark Rothko. En 1925 empieza a alejarse del arte no figurativo y se convierte en el primer pintor surrealista de Bélgica, antes de Magritte. Exponiendo con Salvador Dalí entabla amistad también con miembros de la Societé du Mystère, grupo surrealista belga. Sus pinturas de este período se inspiran en las cualidades espirituales de los prerrafaelitas, los románticos alemanes y los simbolistas. En 1939 expone en los Indépendants en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Desde entonces sus obras se han exhibido en muchos lugares, entre ellos el Museo de Bellas Artes de Gante y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Como poeta y escritor colaboró con la revista surrealista Distances, que dirigía desde París Camille Goeman, primero en ocuparse de la obra de Dalí. Antaño en el meollo mismo de los acontecimientos ideológicos del grupo surrealista, decidió abandonarlo para desarrollar sus experiencias en solitario, pero mantuvo la amistad con Goemans, Magritte y Mesens. Su obra se conserva en colecciones públicas como las de los Museos de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

Firmado en el ángulo superior izquierdo: Marc . Eemans. Procedencia: colección particular, Bruselas.

 

4 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Señora que se quita sus adornos, 1927, óleo sobre lienzo 
CRP154

Firmado en el ángulo superior izquierdo: Marc . Eemans. Procedencia: colección particular, Bruselas.

 

5 Max Ernst  
Sade-Sit, c. 1923, óleo sobre lienzo 
CRP144

Pintor, escultor, uno de los principales defensores de la irracionalidad en el arte y creador de la facción verista del movimiento surrealista. Nace en Brühl (Alemania); en su juventud le interesan la psiquiatría y la filosofía. Tras servir en el ejército alemán durante la I Guerra Mundial, se convirtió al dadá y formó un grupo en Colonia con Arp. Sus collages y fotomontajes dadá combinan sensación de misterio y sentido del humor. En 1922 marcha a París y dos años después pasa a ser uno de los miembros fundadores del grupo surrealista; en 1925 empezó a usar las técnicas del frottage y la decalcomanía. Trabaja como actor en la película de Buñuel La edad de oro (1930). Después de 1934 sus actividades se centran de manera creciente en la escultura; utiliza técnicas improvisadas. En 1936 participa en la exposición surrealista de Londres y en 1937 celebra en esta ciudad su primera individual en la Mayor Gallery de Mayfair. Al estallar la II Guerra Mundial se traslada a EEUU, donde se reúne con su tercera esposa, la coleccionista y mecenas Peggy Guggenheim. Cuando vuelve a Francia en 1949, su obra se torna menos experimental; y sus pinturas tardías no dejan ver nada de la “violencia tranquila” de su producción de los años de guerra. Entre los muestras sobre su obra destacan Max Ernst: Dada and the Dawn of Surrealism (MoMA 1993) y las retrospectivas del Metropolitan y la Albertina de Viena (2013). Hay obra suya en los museos de Bruselas, Chicago, San Francisco, Guggenheim (Nueva York), Metropolitan, MoMA, Boijmans (Rotterdam), Reina Sofía y Thyssen (Madrid), Tel Aviv; galerías nacionales de Escocia y Washington, Tate o colección Peggy Guggenheim (Venecia).

Estuvo en la colección de Walter Schwarzenberg, propietario de la galería Le Centaure, y en la de Gilbert Sarraute-Mourchette, ambas en Bruselas.

 

6 Darío Suro (dominicano, 1917-1997)
Autorretrato, 1942, óleo sobre lienzo 
CRP199

Pintor, crítico de arte y diplomático, nace en La Vega (República Dominicana); su familia se dedica a la política y a la cultura; inicia su formación con su tío, el pintor y escultor Enrique García Godoy. Tras una fase impresionista, entre 1946 y 1948 vive en México y estudia con los muralistas Diego Rivera, Agustín Lazo y Jesús Guerrero Galván; su trabajo refleja preocupaciones sociales y raciales y utiliza colores audaces. Al volver celebra una individual en la Galería de Bellas Artes de Santo Domingo. Combina la creación con la diplomacia; de 1950 a 1963 es agregado cultural de la Embajada dominicana en Madrid, como antes en México, y luego consejero cultural en Washington. En 1954 obtiene la Medalla de la Fundación Internacional Eloy Alfaro de Panamá. Su obra, que parte de las culturas primigenias, pasa por diversas etapas (expresionismo, abstracción…). Considerado como un renovador de la plástica dominicana junto con Jaime Colson y Yoryi Morel, presenta exposiciones en su país y en Inglaterra, Francia, España, Italia, Alemania, Colombia y EE. UU. (galerías Rose Eried y Poindexter de Nueva York). Participa en bienales (Venecia, Pittsburg). En 1993 recibe el Primer Premio Nacional de Artes Plásticas de la República Dominicana. En 2001 se celebra la retrospectiva Darío Suro: metamorfosis y transmigraciones en el Centro Cultural de España en Santo Domingo.

 

7 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Espejismo sobre el mar, 1930, óleo sobre lienzo
CRP162

 

8 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
El vuelo de Jeanne, 1929, óleo sobre lienzo
CRP161

Firmado y fechado en el ángulo superior izquierdo: Marc. Eemans/’29. Idem más el título en el reverso, ángulo superior derecho: Marc. Eemans/29/Jehaantje’s le melvaant. Dedicado firmado y fechado en el bastidor, ángulo superior izquierdo: Pour ma grande amie Margareta von Bartha, ce souvenir de ma jeunese déjà bien lointaine 25.VIII.87 Marc. Eemans. Procedencia: colección del artista hasta 1987; Margareta von Bartha, Basilea; Georges Mathysen-Gerst, Nueva York; colección particular, Bruselas. 

 

9 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
El elogio del aire, 1928, óleo sobre lienzo
CRP157

Firmado y fechado en el ángulo superior izquierdo: Marc . Eemans. Título en el bastidor, ángulo superior izquierdo: L’éloge de l’air. Procedencia: Carl Laszlo, Basilea; George E. Mathysen-Gerst, Ginebra.

 

10 Huib Hoste (belga, 1881-1957)
Escritorio, 1931-32, acero cromado con teca y parte superior de linóleo
CRP192

Arquitecto y urbanista, nace en Brujas y estudia en Gante. Al término de la guerra tiene un importante papel en la reconstrucción de los pueblos flamencos destruidos. Entre 1918 y 1920 publica en la revista De Stijl; en 1920 organiza con Josef Peeters el primer Congreso para el Arte Moderno en Amberes. En los años 20 hace varias ciudades-jardín en Bélgica. En 1928 es miembro fundador de los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) y al año siguiente se adhiere al grupo Cercle et Carré en París. Entre sus obras destacan la Maison Gombert (Woluwe Saint-Pierre, región de Bruselas) y la Maison De Beir, llamada también Maison Noir (Knokke).

 

11 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Retrato de hombre imaginario, c. 1927, óleo sobre contrachapado
CRP117

Nace en París; en 1910 la familia marcha a Bruselas, en cuya Academia de Bellas Artes estudia con Constant Montald y Gisbert Combaz. Se relaciona con los vanguardistas de Amberes, Berlín, Bruselas, Lausana y París; comparte estudio con Magritte en Bruselas. En los círculos modernistas se le conoce por sus abstracciones y obras biomórficas y geométricas. En 1921 participa en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Ginebra y, con Magritte, en el Centre d’Art de Bruselas. Es cofundador del grupo vanguardista 7 Arts; es responsable de la sección de pintura de su revista y su ilustrador. Con Eisenstein, Ernst, Gropius, Schlemmer, Servranckx y otros es un invitado habitual en la Maison des Artistes de la baronesa Hélène de Mandrot, en su Château de La Sarraz, cerca de Lausana, donde se celebraron el I Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, el I Congreso de Cine Independiente en 1929 y muchas otros manifestaciones artísticas revolucionarias de comienzos del siglo. Hélène de Mandrot, como Katherine Dreier y Gertrude Stein, es uno de los puntales del arte moderno. En 1925, Flouquet fundó el grupo L’Assaut con Gailliard y organizó exposiciones bajo su égida. Convertido en líder de La Plastique Pure, expone con regularidad en el extranjero: Buenos Aires, Chicago, Leipzig, Madrid, Monza, Nueva York, París, Filadelfia y Zurich; en solitario, en 1925 en la galería Der Sturm y en 1927 en el Deutsche Werkbund de Stuttgart, fundado por Henry van de Velde, que lo invitó. Diseñó muchas portadas para la revolucionaria revista de arte Der Sturm. Su obra está representada en museos como el de Bellas Artes en Bruselas y Amberes, el de Gante y el vanguardista Musée de Grenoble; se ha expuesto en el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden, el de Gante y la Tate Modern de Londres entre otros.

 

12 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Retrato de hombre imaginario, c. 1927, tinta china sobre papel 
CRP119 

 

13 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Retrato de hombre imaginario, c. 1927, óleo sobre contrachapado
CRP118 

 

SALA 11

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 11, dedicada al surrealismo, con obras de Eemans, Ernst, Suro y otros.

Ivan Liun, Carpintero.

Marc Eemans, Dame qui ôte ses parures.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Sadie Murdoch, I Can See the Men Hiding in the Forest.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Marc Eemans, L’envol de Jeanne.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Max Ernst, Sade-Sit.

SALA 11

1 Sadie Murdoch (inglesa, 1965)
Alexandre, Aragon, Breton, Buñuel, Caupenne, Dalí, Éluard, Ernst, Fourier, Goemans, Magritte, Nougé (versión 1), 2015-16, acuarela sobre papel

I Can See the Man Hiding in the Forest, 2016, 17 impresiones únicas en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes
CRP305

Nace en Hexham (Northumberland, Inglaterra). Estudia en el Chelsea College of Art and Design (Londres) y en la Leeds Metropolitan University. Es Abbey Rome Scholar en la British School de Roma en 2002 y participa en el Programa de Estudios Independientes del Whitney Museum of American Art en 2003-2004. Actualmente es profesora en el Goldsmith College de Londres. En su trabajo aborda cuestiones de género y presta especial atención a la representación de las mujeres en el arte moderno, explorando archivos fotográficos que descodifica y reconstruye con su mirada feminista. Elabora collages a partir de fotos de creadores que tienen especial significado para ella y busca lecturas particulares donde son muy comunes las anomalías cromáticas y los fragmentos desarticulados del cuerpo. En 2011 se presenta una revisión de su trabajo en SOURCE Photographic Review. En 2016 presenta su proyecto SSS-MM, en Haus Konstruktiv (Zurich), que se acompaña del libro de artista Omnipulsepunslide. En 2017 figura en la muestra de artistas ingleses Brexit-Out of the Matrix? (Kunsthalle Palazzo Liestal, Basilea).

 

2 Victor Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 16 – 1932, Comienzos de la pintura al óleo, óleo sobre lienzo
CRP091

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

Firmado y fechado en el bastidor, ángulo superior derecho: SERVRANCKX 16 – 1932. Procedencia: Angeline Servranckx-Turcksin, Elewijt, Bélgica; Jos Gysbrechts, Kortenberg, Bélgica.

 

3 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
El ritmo soberano, 1928, óleo sobre lienzo
CRP158

Pintor, poeta y crítico belga de arte; nace en Termonde (Bélgica). Mientras estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas conoce a Victor Servranckx, que le enseña los principios del arte no figurativo. A los 15 años entra en el grupo de vanguardia belga 7 Arts. Sus primeras y revolucionarias obras son assemblages constructivistas y pinturas no figurativas meticulosamente equilibradas en solemnes y sutiles armonías de color, que prefiguran las de Mark Rothko. En 1925 empieza a alejarse del arte no figurativo y se convierte en el primer pintor surrealista de Bélgica, antes de Magritte. Exponiendo con Salvador Dalí entabla amistad también con miembros de la Societé du Mystère, grupo surrealista belga. Sus pinturas de este período se inspiran en las cualidades espirituales de los prerrafaelitas, los románticos alemanes y los simbolistas. En 1939 expone en los Indépendants en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Desde entonces sus obras se han exhibido en muchos lugares, entre ellos el Museo de Bellas Artes de Gante y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Como poeta y escritor colaboró con la revista surrealista Distances, que dirigía desde París Camille Goeman, primero en ocuparse de la obra de Dalí. Antaño en el meollo mismo de los acontecimientos ideológicos del grupo surrealista, decidió abandonarlo para desarrollar sus experiencias en solitario, pero mantuvo la amistad con Goemans, Magritte y Mesens. Su obra se conserva en colecciones públicas como las de los Museos de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

Firmado en el ángulo superior izquierdo: Marc . Eemans. Procedencia: colección particular, Bruselas.

 

4 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Señora que se quita sus adornos, 1927, óleo sobre lienzo 
CRP154

Firmado en el ángulo superior izquierdo: Marc . Eemans. Procedencia: colección particular, Bruselas.

 

5 Max Ernst  
Sade-Sit, c. 1923, óleo sobre lienzo 
CRP144

Pintor, escultor, uno de los principales defensores de la irracionalidad en el arte y creador de la facción verista del movimiento surrealista. Nace en Brühl (Alemania); en su juventud le interesan la psiquiatría y la filosofía. Tras servir en el ejército alemán durante la I Guerra Mundial, se convirtió al dadá y formó un grupo en Colonia con Arp. Sus collages y fotomontajes dadá combinan sensación de misterio y sentido del humor. En 1922 marcha a París y dos años después pasa a ser uno de los miembros fundadores del grupo surrealista; en 1925 empezó a usar las técnicas del frottage y la decalcomanía. Trabaja como actor en la película de Buñuel La edad de oro (1930). Después de 1934 sus actividades se centran de manera creciente en la escultura; utiliza técnicas improvisadas. En 1936 participa en la exposición surrealista de Londres y en 1937 celebra en esta ciudad su primera individual en la Mayor Gallery de Mayfair. Al estallar la II Guerra Mundial se traslada a EEUU, donde se reúne con su tercera esposa, la coleccionista y mecenas Peggy Guggenheim. Cuando vuelve a Francia en 1949, su obra se torna menos experimental; y sus pinturas tardías no dejan ver nada de la “violencia tranquila” de su producción de los años de guerra. Entre los muestras sobre su obra destacan Max Ernst: Dada and the Dawn of Surrealism (MoMA 1993) y las retrospectivas del Metropolitan y la Albertina de Viena (2013). Hay obra suya en los museos de Bruselas, Chicago, San Francisco, Guggenheim (Nueva York), Metropolitan, MoMA, Boijmans (Rotterdam), Reina Sofía y Thyssen (Madrid), Tel Aviv; galerías nacionales de Escocia y Washington, Tate o colección Peggy Guggenheim (Venecia).

Estuvo en la colección de Walter Schwarzenberg, propietario de la galería Le Centaure, y en la de Gilbert Sarraute-Mourchette, ambas en Bruselas.

 

6 Darío Suro (dominicano, 1917-1997)
Autorretrato, 1942, óleo sobre lienzo 
CRP199

Pintor, crítico de arte y diplomático, nace en La Vega (República Dominicana); su familia se dedica a la política y a la cultura; inicia su formación con su tío, el pintor y escultor Enrique García Godoy. Tras una fase impresionista, entre 1946 y 1948 vive en México y estudia con los muralistas Diego Rivera, Agustín Lazo y Jesús Guerrero Galván; su trabajo refleja preocupaciones sociales y raciales y utiliza colores audaces. Al volver celebra una individual en la Galería de Bellas Artes de Santo Domingo. Combina la creación con la diplomacia; de 1950 a 1963 es agregado cultural de la Embajada dominicana en Madrid, como antes en México, y luego consejero cultural en Washington. En 1954 obtiene la Medalla de la Fundación Internacional Eloy Alfaro de Panamá. Su obra, que parte de las culturas primigenias, pasa por diversas etapas (expresionismo, abstracción…). Considerado como un renovador de la plástica dominicana junto con Jaime Colson y Yoryi Morel, presenta exposiciones en su país y en Inglaterra, Francia, España, Italia, Alemania, Colombia y EE. UU. (galerías Rose Eried y Poindexter de Nueva York). Participa en bienales (Venecia, Pittsburg). En 1993 recibe el Primer Premio Nacional de Artes Plásticas de la República Dominicana. En 2001 se celebra la retrospectiva Darío Suro: metamorfosis y transmigraciones en el Centro Cultural de España en Santo Domingo.

 

7 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
Espejismo sobre el mar, 1930, óleo sobre lienzo
CRP162

 

8 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
El vuelo de Jeanne, 1929, óleo sobre lienzo
CRP161

Firmado y fechado en el ángulo superior izquierdo: Marc. Eemans/’29. Idem más el título en el reverso, ángulo superior derecho: Marc. Eemans/29/Jehaantje’s le melvaant. Dedicado firmado y fechado en el bastidor, ángulo superior izquierdo: Pour ma grande amie Margareta von Bartha, ce souvenir de ma jeunese déjà bien lointaine 25.VIII.87 Marc. Eemans. Procedencia: colección del artista hasta 1987; Margareta von Bartha, Basilea; Georges Mathysen-Gerst, Nueva York; colección particular, Bruselas. 

 

9 Marc Eemans (belga, 1907-1998)
El elogio del aire, 1928, óleo sobre lienzo
CRP157

Firmado y fechado en el ángulo superior izquierdo: Marc . Eemans. Título en el bastidor, ángulo superior izquierdo: L’éloge de l’air. Procedencia: Carl Laszlo, Basilea; George E. Mathysen-Gerst, Ginebra.

 

10 Huib Hoste (belga, 1881-1957)
Escritorio, 1931-32, acero cromado con teca y parte superior de linóleo
CRP192

Arquitecto y urbanista, nace en Brujas y estudia en Gante. Al término de la guerra tiene un importante papel en la reconstrucción de los pueblos flamencos destruidos. Entre 1918 y 1920 publica en la revista De Stijl; en 1920 organiza con Josef Peeters el primer Congreso para el Arte Moderno en Amberes. En los años 20 hace varias ciudades-jardín en Bélgica. En 1928 es miembro fundador de los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) y al año siguiente se adhiere al grupo Cercle et Carré en París. Entre sus obras destacan la Maison Gombert (Woluwe Saint-Pierre, región de Bruselas) y la Maison De Beir, llamada también Maison Noir (Knokke).

 

11 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Retrato de hombre imaginario, c. 1927, óleo sobre contrachapado
CRP117

Nace en París; en 1910 la familia marcha a Bruselas, en cuya Academia de Bellas Artes estudia con Constant Montald y Gisbert Combaz. Se relaciona con los vanguardistas de Amberes, Berlín, Bruselas, Lausana y París; comparte estudio con Magritte en Bruselas. En los círculos modernistas se le conoce por sus abstracciones y obras biomórficas y geométricas. En 1921 participa en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Ginebra y, con Magritte, en el Centre d’Art de Bruselas. Es cofundador del grupo vanguardista 7 Arts; es responsable de la sección de pintura de su revista y su ilustrador. Con Eisenstein, Ernst, Gropius, Schlemmer, Servranckx y otros es un invitado habitual en la Maison des Artistes de la baronesa Hélène de Mandrot, en su Château de La Sarraz, cerca de Lausana, donde se celebraron el I Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, el I Congreso de Cine Independiente en 1929 y muchas otros manifestaciones artísticas revolucionarias de comienzos del siglo. Hélène de Mandrot, como Katherine Dreier y Gertrude Stein, es uno de los puntales del arte moderno. En 1925, Flouquet fundó el grupo L’Assaut con Gailliard y organizó exposiciones bajo su égida. Convertido en líder de La Plastique Pure, expone con regularidad en el extranjero: Buenos Aires, Chicago, Leipzig, Madrid, Monza, Nueva York, París, Filadelfia y Zurich; en solitario, en 1925 en la galería Der Sturm y en 1927 en el Deutsche Werkbund de Stuttgart, fundado por Henry van de Velde, que lo invitó. Diseñó muchas portadas para la revolucionaria revista de arte Der Sturm. Su obra está representada en museos como el de Bellas Artes en Bruselas y Amberes, el de Gante y el vanguardista Musée de Grenoble; se ha expuesto en el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden, el de Gante y la Tate Modern de Londres entre otros.

12 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Retrato de hombre imaginario, c. 1927, tinta china sobre papel 
CRP119 

 

13 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Retrato de hombre imaginario, c. 1927, óleo sobre contrachapado
CRP118 

 

SALA 12

Vista de la sala 12 con obras de Marc Maet.

Vista de la sala 12 con obras de Marc Maet.

Jan Vanriet, The Music Boy.

Jan Vanriet, The Music Boy.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Lois Lane, Big Fan.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Marc Maet, Little Guernica or Friday Fish Day.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Peter Van Gheluwe, Flag Shadow.

 

SALA 12

 

1 Jan Vanriet (belga, 1948)
The Music Boy (Green), The Music Boy (Grey), The Music Boy (Orange), The Music Boy (Black) (cuadríptico), 2013, óleo sobre lienzo
CRP267

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas, la 1082 en París y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta  Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros. 

 

2 Lois Lane (estadounidense, 1948)
Big Fan, 2014, óleo sobre lino
CRP332

Nace en Filadelfia (Pensilvania). Se forma en el Philadelphia College of Art y obtiene un máster en Bellas Artes en Yale University en 1971. Trabaja como ayudante de Jasper Johns. Como Susan Rothenberg o Jennifer Bartlett, forma parte de una generación posminimalista que “busca devolver las imágenes figurativas a la pintura sin caer en el realismo”, según la crítica Deborah Solomon. En su obra destaca el uso poético de las imágenes, reconocibles pero misteriosas, que en ocasiones parecen partir del inconsciente. Ventiladores, pájaros, formas vegetales, animales y prendas de vestir se yuxtaponen ante un fondo plano y neutro. Según Judith Stein, coordinadora de la William Morris Gallery (Reino Unido), “sus motivos son arquetípicos, aparentemente extraídos de rituales, recuerdos y sueños”. En 1978 Lane es una de las protagonistas de la muestra New Image Painting, en el Whitney Museum of American Art, y en 2016 figura con otros artistas norteamericanos (Walter Darby Bannard, Karen Gunderson, Martin Kline, Melissa Kretschmer, Paul Manes, Ed Moses y Larry Poons) en la exposición Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.

 

3 Marc Maet (belga, 1955-2000)
Journal d’un peintre II, 1995, acrílico sobre lienzo
CRP261

Nace en Schoten (Flandes, Bélgica). Vivió y trabajó en Gante. Se ha dividido su obra en tres períodos: a principios de los 80 se acerca al expresionismo de Neue Wilde; a finales de esa década sigue las tendencias internacionales dominantes y en los 90 evoluciona a un estilo vigoroso y literario enraizado en el patrimonio artístico belga. Junto con Philippe Vandenberg, Fik van Gestel y otros es considerado como un representante destacado de la Nueva Pintura en Bélgica. En 1991-2000 se sitúa en el límite entre lo figurativo y lo no figurativo. En la tradición de Magritte, otorga un importante papel a las palabras; en sus pinturas aparecen a menudo palabras e imágenes de carácter simbólico.

 

4 Marc Maet  
L’un doit toujours soutenir l’autre, 2000, acrílico sobre lienzo
CRP263

 

5 Marc Maet (belga/Belgian, 1955-2000)
Little Guernica or Friday Fish Day, 1999, acrílico sobre lienzo 
CRP262

 

6 Peter Van Gheluwe (belga, 1957)
Flag Shadow (políptico de 11), 2013, acrílico sobre lienzo
CRP299

Nace en Gante (Bélgica) y estudia en su Instituto Superior de Bellas Artes de San Lucas, donde da clase desde 1982. En 1978 presenta su primera individual en la galería Siegfried (Buck) y gana el premio Hoppeland de pintura (Poperinge). En 1980 y 1986 obtiene distinciones en el certamen Jeune Peinture Belge y participa en colectivas en el Centro de Bellas Artes de Bruselas. En 1982 recibe el Premio de Artes Gráficas Ebes (Gante). Su trabajo se caracteriza por la exploración del espacio y la atención al comportamiento de la luz, una constante desde series iniciales como Ardens ritme (1978) y Staken in landschap (1979-1983) y que va evolucionando con el tiempo. A partir de 2003 se centra en sus orígenes familiares: su padre murió después de pasar años en un campo de trabajos forzados en Alemania durante la II Guerra Mundial. Su profunda investigación da lugar a la serie de dibujos Zie tekening, el libro de arte Hidden view (2008) y una individual en la Galería Negenpuntnegen (Roeselare). En 2013 presenta en Amberes las series Noorderlicht, Black+White y Stil-Licht en la Galería Schoots-Van Duyse, e Identity en la Woot, Ruimte voor Kunst. En 2015 interviene en la colectiva Summer en la Galería Roberto Polo (Bruselas), donde ese mismo año presenta su individual Private View y en 2016 Gnomon. Hay obras suyas propiedad del Estado belga, el Museo de Ostende, el Banco Nacional belga o la ciudad de Aalst.

 

7 Peter Van Gheluwe (belga, 1957)
Swimming Pool (hexáptico), 2008-09, acrílico sobre lienzo
CRP298

SALA 12

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 12 con obras de Marc Maet.

Ivan Liun, Carpintero.

Jan Vanriet, The Music Boy.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Lois Lane, Big Fan.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Marc Maet, Little Guernica or Friday Fish Day.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Peter Van Gheluwe, Flag Shadow.

SALA 12

 

1 Jan Vanriet (belga, 1948)
The Music Boy (Green), The Music Boy (Grey), The Music Boy (Orange), The Music Boy (Black) (cuadríptico), 2013, óleo sobre lienzo
CRP267

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas, la 1082 en París y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta  Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros. 

 

2 Lois Lane (estadounidense, 1948)
Big Fan, 2014, óleo sobre lino
CRP332

Nace en Filadelfia (Pensilvania). Se forma en el Philadelphia College of Art y obtiene un máster en Bellas Artes en Yale University en 1971. Trabaja como ayudante de Jasper Johns. Como Susan Rothenberg o Jennifer Bartlett, forma parte de una generación posminimalista que “busca devolver las imágenes figurativas a la pintura sin caer en el realismo”, según la crítica Deborah Solomon. En su obra destaca el uso poético de las imágenes, reconocibles pero misteriosas, que en ocasiones parecen partir del inconsciente. Ventiladores, pájaros, formas vegetales, animales y prendas de vestir se yuxtaponen ante un fondo plano y neutro. Según Judith Stein, coordinadora de la William Morris Gallery (Reino Unido), “sus motivos son arquetípicos, aparentemente extraídos de rituales, recuerdos y sueños”. En 1978 Lane es una de las protagonistas de la muestra New Image Painting, en el Whitney Museum of American Art, y en 2016 figura con otros artistas norteamericanos (Walter Darby Bannard, Karen Gunderson, Martin Kline, Melissa Kretschmer, Paul Manes, Ed Moses y Larry Poons) en la exposición Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.

 

3 Marc Maet (belga, 1955-2000)
Journal d’un peintre II, 1995, acrílico sobre lienzo
CRP261

Nace en Schoten (Flandes, Bélgica). Vivió y trabajó en Gante. Se ha dividido su obra en tres períodos: a principios de los 80 se acerca al expresionismo de Neue Wilde; a finales de esa década sigue las tendencias internacionales dominantes y en los 90 evoluciona a un estilo vigoroso y literario enraizado en el patrimonio artístico belga. Junto con Philippe Vandenberg, Fik van Gestel y otros es considerado como un representante destacado de la Nueva Pintura en Bélgica. En 1991-2000 se sitúa en el límite entre lo figurativo y lo no figurativo. En la tradición de Magritte, otorga un importante papel a las palabras; en sus pinturas aparecen a menudo palabras e imágenes de carácter simbólico.

 

4 Marc Maet  
L’un doit toujours soutenir l’autre, 2000, acrílico sobre lienzo
CRP263

 

5 Marc Maet (belga/Belgian, 1955-2000)
Little Guernica or Friday Fish Day, 1999, acrílico sobre lienzo 
CRP262

 

6 Peter Van Gheluwe (belga, 1957)
Flag Shadow (políptico de 11), 2013, acrílico sobre lienzo
CRP299

Nace en Gante (Bélgica) y estudia en su Instituto Superior de Bellas Artes de San Lucas, donde da clase desde 1982. En 1978 presenta su primera individual en la galería Siegfried (Buck) y gana el premio Hoppeland de pintura (Poperinge). En 1980 y 1986 obtiene distinciones en el certamen Jeune Peinture Belge y participa en colectivas en el Centro de Bellas Artes de Bruselas. En 1982 recibe el Premio de Artes Gráficas Ebes (Gante). Su trabajo se caracteriza por la exploración del espacio y la atención al comportamiento de la luz, una constante desde series iniciales como Ardens ritme (1978) y Staken in landschap (1979-1983) y que va evolucionando con el tiempo. A partir de 2003 se centra en sus orígenes familiares: su padre murió después de pasar años en un campo de trabajos forzados en Alemania durante la II Guerra Mundial. Su profunda investigación da lugar a la serie de dibujos Zie tekening, el libro de arte Hidden view (2008) y una individual en la Galería Negenpuntnegen (Roeselare). En 2013 presenta en Amberes las series Noorderlicht, Black+White y Stil-Licht en la Galería Schoots-Van Duyse, e Identity en la Woot, Ruimte voor Kunst. En 2015 interviene en la colectiva Summer en la Galería Roberto Polo (Bruselas), donde ese mismo año presenta su individual Private View y en 2016 Gnomon. Hay obras suyas propiedad del Estado belga, el Museo de Ostende, el Banco Nacional belga o la ciudad de Aalst.

 

7 Peter Van Gheluwe (belga, 1957)
Swimming Pool (hexáptico), 2008-09, acrílico sobre lienzo
CRP298

SALAS 13 y 14

Vista de la sala 14, con obras de Bannard y Maes (izquierda).

Vista de la sala 14, con obras de Bannard y Maes (izquierda).

Maria Roosen, Red Roosenary.

Jo Delahaut, Parcours.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Howard Mehring, Rythming II.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Laszlo Moholy-Nagy, Construction.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Walter Darby Bannard, Alby’s Burgundy.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Thomas Downing, Quilt.

SALA 13

 

1 Lászlo Moholy-Nagy (húngaro, 1895-1946)
Construcción, 1923, acero inoxidable, plexiglás y fibra vulcanizada pintada
CRP146

Pintor, fotógrafo y profesor de arte, nace en Bacsbarsod (Hungría). Su visión de un arte no figurativo compuesto por principios puramente visuales (color, textura, luz y equilibrio de formas) ejerció una enorme influencia en las bellas artes y en las artes aplicadas en la primera mitad del siglo XX. Estudió Derecho en Budapest; publicó xilografías de inspiración cubista en la revista de vanguardia Ma. Marcha a Berlín en 1921; de 1923 a 1929 dirige el taller de metal de la Bauhaus, la famosa escuela vanguardista de diseño. Como pintor y fotógrafo trabaja sobre todo con la luz; sus “fotogramas” están compuestos directamente sobre la película, y sus “moduladores de luz”, pinturas al óleo sobre superficies transparentes o pulidas, incluyen efectos luminosos móviles. En 1935, huyendo de la Alemania nazi, marcha a Londres; en 1937 pasa a Chicago, donde organiza y dirige la Nueva Bauhaus. Hay obra suya en el Guggenheim (Nueva York), MoMA, Metropolitan, Tate Gallery, National Gallery of Scotland,  museos de Chicago, Boston y San Francisco, y Norton Simon Collection, entre otros.

El plexiglás sustituyó al cristal original en cuanto estuvo disponible comercialmente, después de 1936.

 

2 Thomas Downing (estadounidense, 1928-1985)
Quilt, 1963, acrílico sobre lienzo
CRP222

Nace en Suffolk, Virginia (EE UU). En 1948 se licencia en artes en el Randolph-Macon College de Virginia y hasta 1950 estudia en el Pratt Institute de Brooklyn. Asiste por un breve período a la Académie Julian en París. Tras servir en el ejército, se traslada a Washington; en 1954 se matricula en la Universidad Católica, donde conoce a Kenneth Noland, miembro de la Washington Color School. Comparte estudio con otro representante de la corriente, Howard Mehring, y en 1959 ambos y Betty Pajac fundan la galería Origo (Washington). En 1964, el crítico Clement Greenberg lo incluye en la célebre exposición Post-Painterly Abstraction. En 1965 sus pinturas se presentan en la muestra The Washington Color Painters, comisariada por Gerald Nordland. Es conocido como el “pionero del punto”: en sus composiciones, unos círculos de diferentes tonos y tamaños parecen flotar en un espacio indefinido. Hasta 1975 compagina la creación con la enseñanza; en 1979 y 1980 celebra dos exposiciones en la galería Osuna (Washington), y el mismo año de su muerte otra en la Phillips Collection. Hay obra suya en la Smithsonian Institution, las colecciones Phillips y Norton Simon y el museo de Carolina del Norte.

 

3 Thomas Downing (estadounidense, 1928-1985)
Phased Red, 1968, acrílico sobre lienzo
CRP223

 

4 Erich Röhle (alemán, 1903-1991)
Marinec. 1925, acuarela sobre papel
CRP168  

Pintor abstracto nacido en Glauchau (Sajonia).

 

5 Xavier Noiret-Thomé (francés, 1971)
Coins Painting X, 2014, acrílico, monedas y collage sobre lienzo
CRP307

Nace en Charleville-Mezières (Francia). Vive y trabaja en Bruselas. Estudia en la Escuela Regional de Bellas Artes de Rennes y desde 1995 como artista residente en el Centro de Arte Contemporáneo Domaine de Kerguéhennec y en la Real Academia de Bellas Artes en Ámsterdam. Su trabajo se mueve entre lo figurativo y lo abstracto y se caracteriza por la diversidad, la mezcla de influencias y la investigación en géneros y estilos. En 2001 es galardonado con el premio Joven Pintura Belga y en 2005 inicia una residencia en Villa Médicis, tras ser galardonado en la Academia de Francia en Roma. En 2011 diseña las vidrieras de la iglesia de Santo Tomás de Vaulx-en-Velin (Francia). Sus individuales más recientes son La parade des cannibales (galería Les filles du Calvaire, París, 2009); Bloated faces & Pop-up (AD, Atenas, 2013); Cosmogony (Museum van Deinze en Leiestreek, Deinze, 2015) y The quiet struggle (Roberto Polo Gallery, Bruselas). Participa en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas (2016) y el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta (2017).

 

SALA 14

 

6 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
Alby’s Burgundy, 1959, óleo sobre lienzo
CRP206

Nace en New Haven, Connecticut (EE. UU.). Tras graduarse en la Phillips Exeter Academy estudia filosofía en la Princeton University. Entabla amistad con el artista Frank Stella, interesado como él en la abstracción minimalista. En 1964 es incluido en la histórica muestra Post-Painterly Abstraction en Los Angeles County Museum of Art y en 1965 en Responsive Eye, en el MoMA. Ese mismo año celebra una de sus primeras individuales en la galería Tibor de Nagy (Nueva York). En 1968 recibe una beca Guggenheim. Adscrito al Color Field, evolucionó de la simplicidad de sus comienzos, una sola banda pintada alrededor de un campo de color, a formas geométricas algo más complejas. Como crítico y comentarista, escribe para publicaciones como Art in America y Art International. En 1989 se convierte en jefe del Departamento de Arte de la Universidad de Miami. En la última etapa de su vida se renueva el interés por su trabajo. La galería Berry Campbell de Nueva York realiza muestras que revisan y reivindican su trayectoria. El año de su muerte su trabajo se presenta en la exposición Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta. Hay obra suya en el MoMA, Brooklyn Museum, American Art Museum de Whitney, Solomon R. Guggenheim, Centre Pompidou de París y Victoria National Gallery (Australia).

 

7 Jo Delahaut (belga, 1911-1992)
Parcours, 1954, óleo sobre lienzo
CRP213

Nace en Vottem (Bélgica). Destacada figura de la abstracción geométrica belga, estudia en la Academia de Lieja y se doctora en Historia del Arte en 1939. En 1940 empieza a pintar figuras expresionistas, pero, influido por Auguste Herbin, evoluciona hacia la abstracción y crea geometrías estáticas que otorgan un papel esencial al color. Luego su obra se simplifica y se acerca a un minimalismo que busca estimular el intelecto. Según explica, “los signos, los colores, los ritmos y sus combinaciones infinitas son medios que misteriosamente tocan los resortes inexplicados de la conciencia”. En 1942 entra en el grupo Joven Pintura Belga, y en 1946 es miembro del Salón des Réalités Nouvelles en París. En 1952 funda el grupo belga Arte Abstracto junto a Pol Bury, Jean Milo, Georges Collignon, Albert Saverys y otros. Posteriormente impulsa la creación de Abstract Art-Shapes (1956) y Art Built (1960). En 1980 se presenta una retrospectiva suya en el Museo de Arte de Valonia (Lieja). Expone en el Wilhelm Hack Museum en Ludwigshafen (Alemania) en 1981 y en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica (Bruselas) en 1982. En 1985 participa en la Bienal de Sao Paulo; se organizan otras muestras en el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, Leopold Hoesch de Düren (Alemania) y Museo Provincial de Arte Moderno de Ostende (1989). En 1990 se celebra su última gran exposición en el Museo de Arte de Valonia (Lieja).

 

8 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
Tuscan Air, 1972, acrílico y resina alquídica sobre lienzo
CRP210

 

9 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
Carrot Mountain, 1973, acrílico y resina alquídica sobre lienzo
CRP211

 

10 Howard Mehring (estadounidense, 1931-1978)
Equa, 1961, acrílico sobre lienzo
CRP220

Nace en Washington (EE. UU.). Estudia arte en el Wilson Teachers College con Leon Berkowitz. En 1955 obtiene un máster en Bellas Artes en la Universidad Católica de América, donde conoce a Kenneth Noland. Ambos forman parte de la Washington Color School, un movimiento abstracto que explora extensos campos de color, junto a Morris Louis, Paul Reed o Gene Davis. Su trabajo se distingue por la utilización de formas geométricas en sus innovadoras composiciones de intensas y vivas tonalidades. Expone por primera vez en 1959, en la galería Origo (Washington), de la que es miembro fundador. En la década de los 60 también muestra su trabajo en la Jefferson Place y en la Adams-Morgan. En 1964 varias de sus obras se incluyen en la exposición Post-Painterly Abstraction, comisariada por el crítico Clement Greenberg en el County Art Museum de Los Ángeles. En 1965 participa en The Washington Color Painters, en la Modern Art Gallery de Washington. En 1968 deja de pintar y se centra en el dibujo. En 1977 se celebra una retrospectiva en la Corcoran Gallery of Art, junto con una muestra de sus dibujos en la Phillips Collection, ambas en Washington. Hay obra suya en el Whitney Museum, el MoMA, la National Gallery of Art (Washington) y la Tate Gallery de Londres.

 

11 Walter Dexel (alemán, 1890-1973)
Komposition Serie XXVII Nr. 4, 1968, óleo sobre lienzo
CRP227

Nace en Munich (Alemania). Estudia Historia del Arte con Heinrich Wölfflin y Fritz Burger en su ciudad natal y recibe clases particulares de dibujo del paisajista H. Gröber; en 1916 se doctora en la Universidad de Jena. Pintor, tipógrafo, y diseñador, es una figura destacada en el constructivismo de los años 20. Cézanne le inspira en sus comienzos; luego se decanta por el cubismo y el expresionismo. En 1914 presenta su primera individual en la galería Dietzel (Munich). Después dirige las muestras de la Asociación de Arte de Jena (Campendonk, Moholy-Nagy y otros miembros de la Bauhaus); conoce a Van Doesburg. Encuadrado ya en la imaginería abstracto-constructiva, celebra varias individuales en la galería berlinesa de Herwarth Walden. En 1926 se instala en Frankfurt; diseña letreros de neón, anuncios de relojes e incluso cabinas telefónicas. Trabaja como profesor de diseño gráfico en la Kunstgewerbeschule de Magdeburgo hasta ser despedido por los nazis en 1935; en la muestra Arte degenerado se incluyen dos obras suyas. De 1936 a 1942 enseña en la Escuela Nacional de Arte de Berlín-Schöneberg. El Stadtmuseum Braunschweig le dedica una retrospectiva en 1962; tiene obra en el MoMA, Metropolitan, National Gallery of Art (Washington), LACMA y Harvard Art Museum, entre otros.

 

12 Howard Mehring (estadounidense, 1931-1978)
Rhytming II, 1966, acrílico sobre lienzo
CRP221

 

13 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
11.7.59 #7, 1959, acrílico en spray sobre papel
CRP207

 

14 Jo Delahaut (belga, 1911-1992)
Méditation N° 16, 1961, óleo sobre tabla
CRP214

 

15 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
Ivory Parlour II, 1964, resina alquídica sobre lienzo de lona de algodón aprestado
CRP208

 

16 Karel Maes (belga, 1900-1974) 
Sin título, década de 1950/1950s, óleo sobre tabla de madera
CRP136

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

 

17 Tom McGlynn (estadounidense, 1958)
Station 1, 2012, acrílico y gouache sobre tabla de madera engatillada
CRP354

Artista, escritor y organizador independiente de exposiciones, nace, vive y trabaja en el área de Nueva York. Estudió Relaciones Internacionales y Diplomacia, pero optó por dedicarse a la creación e hizo dos licenciaturas en Bellas Artes: en Ramapo College (Nueva Jersey) y Hunter College (City University de Nueva York). Es conocido por su planeamiento minimalista de la abstracción y por utilizar colores monocromos y en contraste; como escritor, publica en Brooklyn Railway desde 2012. En la actualidad profesor invitado en la Parson School for Design, también ha sido profesor ayudante en el Castleton State College (Vermont) y profesor invitado en la Mason Gross School of Fine Arts, de Rutgers University (Nueva Jersey). Su obra está representada en muchas colecciones nacionales e internacionales, entre ellas las del MoMA, el Whitney Museum, el Metropolitan o el Cooper-Hewitt Museum of Decorative Arts and Design (Smithsonian Institution).

 

18 Tom McGlynn (estadounidense, 1958)
Large Survey (Mana), 2015, acrílico sobre tabla de madera engatilladaCRP355 

 

19 Tom McGlynn (estadounidense, 1958)
Large Blue Survey, 2018, acrílico sobre tabla de madera engatillada
CRP356

 

20 Tom McGlynn (estadounidense, 1958)
Three Roses, 2018, acrílico sobre tabla de madera engatillada
CRP357

 

SALAS 13 y 14

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 14, con obras de Bannard y Maes (izquierda).

Ivan Liun, Carpintero.

Jo Delahaut, Parcours.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Howard Mehring, Rythming II.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Laszlo Moholy-Nagy, Construction.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Walter Darby Bannard, Alby’s Burgundy.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Thomas Downing, Quilt.

SALA 13

 

1 Lászlo Moholy-Nagy (húngaro, 1895-1946)
Construcción, 1923, acero inoxidable, plexiglás y fibra vulcanizada pintada
CRP146

Pintor, fotógrafo y profesor de arte, nace en Bacsbarsod (Hungría). Su visión de un arte no figurativo compuesto por principios puramente visuales (color, textura, luz y equilibrio de formas) ejerció una enorme influencia en las bellas artes y en las artes aplicadas en la primera mitad del siglo XX. Estudió Derecho en Budapest; publicó xilografías de inspiración cubista en la revista de vanguardia Ma. Marcha a Berlín en 1921; de 1923 a 1929 dirige el taller de metal de la Bauhaus, la famosa escuela vanguardista de diseño. Como pintor y fotógrafo trabaja sobre todo con la luz; sus “fotogramas” están compuestos directamente sobre la película, y sus “moduladores de luz”, pinturas al óleo sobre superficies transparentes o pulidas, incluyen efectos luminosos móviles. En 1935, huyendo de la Alemania nazi, marcha a Londres; en 1937 pasa a Chicago, donde organiza y dirige la Nueva Bauhaus. Hay obra suya en el Guggenheim (Nueva York), MoMA, Metropolitan, Tate Gallery, National Gallery of Scotland,  museos de Chicago, Boston y San Francisco, y Norton Simon Collection, entre otros.

El plexiglás sustituyó al cristal original en cuanto estuvo disponible comercialmente, después de 1936.

 

2 Thomas Downing (estadounidense, 1928-1985)
Quilt, 1963, acrílico sobre lienzo
CRP222

Nace en Suffolk, Virginia (EE UU). En 1948 se licencia en artes en el Randolph-Macon College de Virginia y hasta 1950 estudia en el Pratt Institute de Brooklyn. Asiste por un breve período a la Académie Julian en París. Tras servir en el ejército, se traslada a Washington; en 1954 se matricula en la Universidad Católica, donde conoce a Kenneth Noland, miembro de la Washington Color School. Comparte estudio con otro representante de la corriente, Howard Mehring, y en 1959 ambos y Betty Pajac fundan la galería Origo (Washington). En 1964, el crítico Clement Greenberg lo incluye en la célebre exposición Post-Painterly Abstraction. En 1965 sus pinturas se presentan en la muestra The Washington Color Painters, comisariada por Gerald Nordland. Es conocido como el “pionero del punto”: en sus composiciones, unos círculos de diferentes tonos y tamaños parecen flotar en un espacio indefinido. Hasta 1975 compagina la creación con la enseñanza; en 1979 y 1980 celebra dos exposiciones en la galería Osuna (Washington), y el mismo año de su muerte otra en la Phillips Collection. Hay obra suya en la Smithsonian Institution, las colecciones Phillips y Norton Simon y el museo de Carolina del Norte.

 

3 Thomas Downing (estadounidense, 1928-1985)
Phased Red, 1968, acrílico sobre lienzo
CRP223

 

4 Erich Röhle (alemán, 1903-1991)
Marinec. 1925, acuarela sobre papel
CRP168  

Pintor abstracto nacido en Glauchau (Sajonia).

 

5 Xavier Noiret-Thomé (francés, 1971)
Coins Painting X, 2014, acrílico, monedas y collage sobre lienzo
CRP307

Nace en Charleville-Mezières (Francia). Vive y trabaja en Bruselas. Estudia en la Escuela Regional de Bellas Artes de Rennes y desde 1995 como artista residente en el Centro de Arte Contemporáneo Domaine de Kerguéhennec y en la Real Academia de Bellas Artes en Ámsterdam. Su trabajo se mueve entre lo figurativo y lo abstracto y se caracteriza por la diversidad, la mezcla de influencias y la investigación en géneros y estilos. En 2001 es galardonado con el premio Joven Pintura Belga y en 2005 inicia una residencia en Villa Médicis, tras ser galardonado en la Academia de Francia en Roma. En 2011 diseña las vidrieras de la iglesia de Santo Tomás de Vaulx-en-Velin (Francia). Sus individuales más recientes son La parade des cannibales (galería Les filles du Calvaire, París, 2009); Bloated faces & Pop-up (AD, Atenas, 2013); Cosmogony (Museum van Deinze en Leiestreek, Deinze, 2015) y The quiet struggle (Roberto Polo Gallery, Bruselas). Participa en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas (2016) y el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta (2017).

SALA 14

 

SALA 14

 

6 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
Alby’s Burgundy, 1959, óleo sobre lienzo
CRP206

Nace en New Haven, Connecticut (EE. UU.). Tras graduarse en la Phillips Exeter Academy estudia filosofía en la Princeton University. Entabla amistad con el artista Frank Stella, interesado como él en la abstracción minimalista. En 1964 es incluido en la histórica muestra Post-Painterly Abstraction en Los Angeles County Museum of Art y en 1965 en Responsive Eye, en el MoMA. Ese mismo año celebra una de sus primeras individuales en la galería Tibor de Nagy (Nueva York). En 1968 recibe una beca Guggenheim. Adscrito al Color Field, evolucionó de la simplicidad de sus comienzos, una sola banda pintada alrededor de un campo de color, a formas geométricas algo más complejas. Como crítico y comentarista, escribe para publicaciones como Art in America y Art International. En 1989 se convierte en jefe del Departamento de Arte de la Universidad de Miami. En la última etapa de su vida se renueva el interés por su trabajo. La galería Berry Campbell de Nueva York realiza muestras que revisan y reivindican su trayectoria. El año de su muerte su trabajo se presenta en la exposición Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta. Hay obra suya en el MoMA, Brooklyn Museum, American Art Museum de Whitney, Solomon R. Guggenheim, Centre Pompidou de París y Victoria National Gallery (Australia).

 

7 Jo Delahaut (belga, 1911-1992)
Parcours, 1954, óleo sobre lienzo
CRP213

Nace en Vottem (Bélgica). Destacada figura de la abstracción geométrica belga, estudia en la Academia de Lieja y se doctora en Historia del Arte en 1939. En 1940 empieza a pintar figuras expresionistas, pero, influido por Auguste Herbin, evoluciona hacia la abstracción y crea geometrías estáticas que otorgan un papel esencial al color. Luego su obra se simplifica y se acerca a un minimalismo que busca estimular el intelecto. Según explica, “los signos, los colores, los ritmos y sus combinaciones infinitas son medios que misteriosamente tocan los resortes inexplicados de la conciencia”. En 1942 entra en el grupo Joven Pintura Belga, y en 1946 es miembro del Salón des Réalités Nouvelles en París. En 1952 funda el grupo belga Arte Abstracto junto a Pol Bury, Jean Milo, Georges Collignon, Albert Saverys y otros. Posteriormente impulsa la creación de Abstract Art-Shapes (1956) y Art Built (1960). En 1980 se presenta una retrospectiva suya en el Museo de Arte de Valonia (Lieja). Expone en el Wilhelm Hack Museum en Ludwigshafen (Alemania) en 1981 y en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica (Bruselas) en 1982. En 1985 participa en la Bienal de Sao Paulo; se organizan otras muestras en el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, Leopold Hoesch de Düren (Alemania) y Museo Provincial de Arte Moderno de Ostende (1989). En 1990 se celebra su última gran exposición en el Museo de Arte de Valonia (Lieja).

 

8 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
Tuscan Air, 1972, acrílico y resina alquídica sobre lienzo
CRP210

 

9 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
Carrot Mountain, 1973, acrílico y resina alquídica sobre lienzo
CRP211

 

10 Howard Mehring (estadounidense, 1931-1978)
Equa, 1961, acrílico sobre lienzo
CRP220

Nace en Washington (EE. UU.). Estudia arte en el Wilson Teachers College con Leon Berkowitz. En 1955 obtiene un máster en Bellas Artes en la Universidad Católica de América, donde conoce a Kenneth Noland. Ambos forman parte de la Washington Color School, un movimiento abstracto que explora extensos campos de color, junto a Morris Louis, Paul Reed o Gene Davis. Su trabajo se distingue por la utilización de formas geométricas en sus innovadoras composiciones de intensas y vivas tonalidades. Expone por primera vez en 1959, en la galería Origo (Washington), de la que es miembro fundador. En la década de los 60 también muestra su trabajo en la Jefferson Place y en la Adams-Morgan. En 1964 varias de sus obras se incluyen en la exposición Post-Painterly Abstraction, comisariada por el crítico Clement Greenberg en el County Art Museum de Los Ángeles. En 1965 participa en The Washington Color Painters, en la Modern Art Gallery de Washington. En 1968 deja de pintar y se centra en el dibujo. En 1977 se celebra una retrospectiva en la Corcoran Gallery of Art, junto con una muestra de sus dibujos en la Phillips Collection, ambas en Washington. Hay obra suya en el Whitney Museum, el MoMA, la National Gallery of Art (Washington) y la Tate Gallery de Londres.

 

11 Walter Dexel (alemán, 1890-1973)
Komposition Serie XXVII Nr. 4, 1968, óleo sobre lienzo
CRP227

Nace en Munich (Alemania). Estudia Historia del Arte con Heinrich Wölfflin y Fritz Burger en su ciudad natal y recibe clases particulares de dibujo del paisajista H. Gröber; en 1916 se doctora en la Universidad de Jena. Pintor, tipógrafo, y diseñador, es una figura destacada en el constructivismo de los años 20. Cézanne le inspira en sus comienzos; luego se decanta por el cubismo y el expresionismo. En 1914 presenta su primera individual en la galería Dietzel (Munich). Después dirige las muestras de la Asociación de Arte de Jena (Campendonk, Moholy-Nagy y otros miembros de la Bauhaus); conoce a Van Doesburg. Encuadrado ya en la imaginería abstracto-constructiva, celebra varias individuales en la galería berlinesa de Herwarth Walden. En 1926 se instala en Frankfurt; diseña letreros de neón, anuncios de relojes e incluso cabinas telefónicas. Trabaja como profesor de diseño gráfico en la Kunstgewerbeschule de Magdeburgo hasta ser despedido por los nazis en 1935; en la muestra Arte degenerado se incluyen dos obras suyas. De 1936 a 1942 enseña en la Escuela Nacional de Arte de Berlín-Schöneberg. El Stadtmuseum Braunschweig le dedica una retrospectiva en 1962; tiene obra en el MoMA, Metropolitan, National Gallery of Art (Washington), LACMA y Harvard Art Museum, entre otros.

 

12 Howard Mehring (estadounidense, 1931-1978)
Rhytming II, 1966, acrílico sobre lienzo
CRP221

 

13 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
11.7.59 #7, 1959, acrílico en spray sobre papel
CRP207

 

14 Jo Delahaut (belga, 1911-1992)
Méditation N° 16, 1961, óleo sobre tabla
CRP214

 

15 Walter Darby Bannard (estadounidense, 1934-2016)
Ivory Parlour II, 1964, resina alquídica sobre lienzo de lona de algodón aprestado
CRP208

 

16 Karel Maes (belga, 1900-1974) 
Sin título, década de 1950/1950s, óleo sobre tabla de madera
CRP136

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

 

17 Tom McGlynn (estadounidense, 1958)
Station 1, 2012, acrílico y gouache sobre tabla de madera engatillada
CRP354

Artista, escritor y organizador independiente de exposiciones, nace, vive y trabaja en el área de Nueva York. Estudió Relaciones Internacionales y Diplomacia, pero optó por dedicarse a la creación e hizo dos licenciaturas en Bellas Artes: en Ramapo College (Nueva Jersey) y Hunter College (City University de Nueva York). Es conocido por su planeamiento minimalista de la abstracción y por utilizar colores monocromos y en contraste; como escritor, publica en Brooklyn Railway desde 2012. En la actualidad profesor invitado en la Parson School for Design, también ha sido profesor ayudante en el Castleton State College (Vermont) y profesor invitado en la Mason Gross School of Fine Arts, de Rutgers University (Nueva Jersey). Su obra está representada en muchas colecciones nacionales e internacionales, entre ellas las del MoMA, el Whitney Museum, el Metropolitan o el Cooper-Hewitt Museum of Decorative Arts and Design (Smithsonian Institution).

 

18 Tom McGlynn (estadounidense, 1958)
Large Survey (Mana), 2015, acrílico sobre tabla de madera engatilladaCRP355 

 

19 Tom McGlynn (estadounidense, 1958)
Large Blue Survey, 2018, acrílico sobre tabla de madera engatillada
CRP356

 

20 Tom McGlynn (estadounidense, 1958)
Three Roses, 2018, acrílico sobre tabla de madera engatillada
CRP357

 

SALA 15

Vista de la sala 15, con obras de Marc Maet en primer plano.

Vista de la sala 15, con obras de Marc Maet en primer plano.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 1).

Jaroslaw Kozlowski, Facts – Lines and Surfaces (políptico).

Maria Roosen, Red Roosenary.

Jaroslaw Kozlowski, Facts – Lines and Surfaces (políptico). (2)

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Marc Maet, The Mouth of the Sky.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Karen Gunderson, Moonlite Sea.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Jozef Peeters, estantería Alles voor Vlaanderen, Vlaanderen voor Kristus.

Maria Roosen, Red Roosenary.

Carlo Mollino, silla.

SALA 15

 

1 Jaroslaw Kozlowsky (polaco, 1945)
Facts – Lines and Surfaces, 1978 – 1979, políptico 1 a 6, grafito sobre papel
CRP238

Nace en Śrem (Polonia). Estudia pintura en la actual Academia de Bellas Artes de Poznań, centro en el que enseña desde 1967 y que presidió entre 1981 y 1987. También enseña en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam. En 1972 se implica en la dirección de la Galería Akumulatory 2 (Poznan), una plataforma para artistas de vanguardia polacos y de otros países que él promueve hasta 1990. Entre 1991 y 1993 ejerce como conservador de la galería y colección del Centro de Arte Contemporáneo del Castillo de Ujazdowski, en Varsovia. Adscrito al movimiento conceptual, ejecuta instalaciones en las cuales son esenciales la luz, el sonido, el dibujo, la fotografía y objetos diversos. En 1970 se interesa por los juegos de palabras y crea obras de naturaleza lingüística. En 1980 se centra en la deconstrucción de mitos relacionados con el arte (conceptos de libertad, originalidad, valor…). Para él el arte es un campo de análisis crítico desde el que desmontar patrones mentales arraigados y convencionalismos. También trabaja en performances y es autor de libros de arte. Desde 1967 expone en museos y galerías dentro y fuera de su país y participa en bienales como la de París (1977); Sydney (1990), Estambul (1995) y Sao Paulo (2006). En 2010 destaca la muestra Continuum XXVIII, en la Profile Foundation en Varsovia.

 

2 Carlo Mollino (italiano, 1905-1973)
Silla, finales de la década de 1950-principios de la de 1960, realizada por Apelli & Varesio, Turín, en roble macizo, montada con accesorios y espaciadores de latón; asiento con tapicería original en terciopelo sintético
CRP218

Nace en Turín. Arquitecto, diseñador y fotógrafo; su arquitectura y sus muebles son famosos por su capacidad para permitir a los ocupantes manipular los volúmenes a su capricho. Inicia su carrera de arquitecto en 1930; en la década de los treinta, en colaboración con Vittorio Baudi di Selve diseñó el edificio de la Società Ippica Torinese, considerado su obra maestra pero destruido en 1960; rompía con el pasado y con el régimen fascista y se inspiraba en Aalto y en Mendelsohn. En los sesenta y setenta diseñó numerosos interiores para casas privadas y diversos edificios, sobre todo de Turín. En los cuarenta había empezado a trabajar como interiorista y diseñador de muebles.

 

3 J. S. Ford, Johnson and Company
Sillón, c. 1905, roble teñido
CRP028

La Ford fue fundada por John Sherlock Ford y Henry W. Johnson en Columbus (Ohio) en 1867 como empresa de manufactura de sillas y sillones En 1868 la compañía trasladó su fábrica a Michigan City (Indiana); en 1872, a Chicago, cambiando su denominación a J. S Ford, Johnson & Company. Hacía muebles de gran calidad, sobre todo sillas, sillones y sofás, de estilo misión, el de los sólidos muebles que se suponía equipaban las misiones españolas en EE. UU.; se vendían en todo el país. La compañía quebró en 1913 y fue vendida.

 

4 Gustave Serrurier-Bovy (belga, 1858-1910)
Sillón Silex, 1905, madera de álamo, tornillos y  arandelas pintados
CRP027

Arquitecto y diseñador de muebles nacido en Lieja. Hanka, Horta, Van de Velde y él fueron los creadores del estilo modernista. Visitó Londres en 1884 y, fascinado por la obra de Morris, se interesó por el movimiento Arts & Crafts. De regreso a Bélgica, diseñó su villa, L’Aube (Lieja), y produjo obras para la Exposición Internacional de Bruselas de 1897. Hizo muebles sencillos, lineales y elegantes; gustaba especialmente de la caoba y, como Van de Velde, tenía predilección por los trabajos de metalistería (hierro, latón, bronce y cobre). Presentó obras en las Exposiciones Internacionales de Londres, París y Saint Louis. Sus creaciones más famosas son el restaurante Pavillon Bleu para la muestra de París de 1900 y los muebles “Silex”: mesas, sillas, dormitorios. Recurrió más que sus colegas ingleses a la asimetría y fue el inventor del “mueble combinado”, que une varias piezas en una.

Hecha por Serrurier-Bovy Cie. (Lieja). 

 

5 Josef Hoffmann (austríaco, 1870-1956)
Sillón, 1905, realizado por los Wiener Werkstätte en pino pintado
CRP024 

Nacido en Plenitz (Moravia), es un arquitecto cuya obra fue importante en el desarrollo temprano de la arquitectura moderna en Europa. Estudió con Otto Wagner en Viena y en 1899 se suma a la fundación de la Secesión vienesa, más modernista que los planteamientos de Wagner. Desde 1899 enseña en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena y en 1903 participa en la creación de los Werkstätte vieneses, centro que dirigió durante 30 años. De su primera época destaca el Sanatorio de Purkersdorf; su obra maestra es la Casa Stoclet de Bruselas, cuyo exterior posee una monumental elegancia. Diseña los pabellones austríacos para la exposición del Deutscher Werkbund en Colonia (1914) y la Bienal de Venecia de 1934. En 1920 es nombrado arquitecto municipal de Viena y en 1924 y 1925 realiza diversos proyectos de casas para la ciudad.

 

6 Jozef Peeters (Belgian, 1895-1960)
Estantería Alles voor Vlaanderen, Vlaanderen voor Kristus, c. 1922, abedul pintado y contrachapado 
CRP042

Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.

 

7 Marc Maet (belga, 1955-2000)
The Mouth of the Sky, 1988, acrílico, laca, cuero y fieltro sobre lienzo
CRP257

Nace en Schoten (Flandes, Bélgica). Vivió y trabajó en Gante. Se ha dividido su obra en tres períodos: a principios de los 80 se acerca al expresionismo de Neue Wilde; a finales de esa década sigue las tendencias internacionales dominantes y en los 90 evoluciona a un estilo vigoroso y literario enraizado en el patrimonio artístico belga. Junto con Philippe Vandenberg, Fik van Gestel y otros es considerado como un representante destacado de la Nueva Pintura en Bélgica. En 1991-2000 se sitúa en el límite entre lo figurativo y lo no figurativo. En la tradición de Magritte, otorga un importante papel a las palabras; en sus pinturas aparecen a menudo palabras e imágenes de carácter simbólico.

 

8 Marc Maet (belga, 1955-2000)
Passion – Passion, 1990, acrílico y poliéster sobre lienzo
CRP258

 

9 Karen Gunderson (estadounidense, 1943)
Rounding the Cape, 2004, óleo sobre lienzo
CRP296

Nace en Racine (Wisconsin). En 1965 se gradúa en Arte y Educación en la Wisconsin University en Whitewater, y en 1968 obtiene un máster en pintura en la Iowa University. Sus primeras obras son construcciones en plexiglás usando imágenes de nubes. En 1971 realiza una gran exposición individual en el Minneapolis Institute of Art. En 1972 entra en contacto con el artista Sol Lewitt, una gran fuente de inspiración. En 1973 se traslada a Nueva York y enseña en la Tisch Art School, como antes en el Cornell College de Iowa y en la Ohio State University y después en el Mount Saint Vincent College de Riverdale (Nueva York). En 1988 inicia la etapa de sus pinturas negras iluminadas, que muestra en 1990 en la galería Cherry Stone de Wellfleet (Massachusetts). En 2001 participa en la Bienal de Florencia y gana el premio de pintura Lorenzo il Magnifico. En 2004 expone sus “cuadros negros” en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. En 2006 protagoniza el documental Karen Gunderson: the Black Paintings, dirigido por Lisa Ades. La transformación continua de la luz y la importancia de la posición del espectador son básicas en su trabajo. El mar, las montañas, la luna, las flores y las constelaciones, son algunos de sus motivos. Su interés por episodios históricos se refleja en series como Kings, donde aborda el rescate de los judíos durante la II Guerra Mundial. Hay obra suya en los museos de San Francisco y Cleveland.

 

10 Karen Gunderson (estadounidense, 1943)
Moonlite Sea, 2004, óleo sobre lienzo
CRP295

 

11 Jaroslaw Kozlowski (polaco, 1945)
Drawing Fact IV, 1979, grafito sobre papel
CRP239

 

12 Jaroslaw Kozlowski (polaco, 1945)
Empathy of the Truth to the Life and Vice Versa, 2010, 2 mesas, 4 sillas, 2 plantas (1 artificial, 1 natural)
CRP240

SALA 15

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 15, con obras de Marc Maet en primer plano.

Ivan Liun, Carpintero.

Jaroslaw Kozlowski, Facts – Lines and Surfaces (políptico).

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Jaroslaw Kozlowski, Facts – Lines and Surfaces (políptico). (2)

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Marc Maet, The Mouth of the Sky.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Karen Gunderson, Moonlite Sea.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Jozef Peeters, estantería Alles voor Vlaanderen, Vlaanderen voor Kristus.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Carlo Mollino, silla.

SALA 15

 

1 Jaroslaw Kozlowsky (polaco, 1945)
Facts – Lines and Surfaces, 1978 – 1979, políptico 1 a 6, grafito sobre papel
CRP238

Nace en Śrem (Polonia). Estudia pintura en la actual Academia de Bellas Artes de Poznań, centro en el que enseña desde 1967 y que presidió entre 1981 y 1987. También enseña en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam. En 1972 se implica en la dirección de la Galería Akumulatory 2 (Poznan), una plataforma para artistas de vanguardia polacos y de otros países que él promueve hasta 1990. Entre 1991 y 1993 ejerce como conservador de la galería y colección del Centro de Arte Contemporáneo del Castillo de Ujazdowski, en Varsovia. Adscrito al movimiento conceptual, ejecuta instalaciones en las cuales son esenciales la luz, el sonido, el dibujo, la fotografía y objetos diversos. En 1970 se interesa por los juegos de palabras y crea obras de naturaleza lingüística. En 1980 se centra en la deconstrucción de mitos relacionados con el arte (conceptos de libertad, originalidad, valor…). Para él el arte es un campo de análisis crítico desde el que desmontar patrones mentales arraigados y convencionalismos. También trabaja en performances y es autor de libros de arte. Desde 1967 expone en museos y galerías dentro y fuera de su país y participa en bienales como la de París (1977); Sydney (1990), Estambul (1995) y Sao Paulo (2006). En 2010 destaca la muestra Continuum XXVIII, en la Profile Foundation en Varsovia.

 

2 Carlo Mollino (italiano, 1905-1973)
Silla, finales de la década de 1950-principios de la de 1960, realizada por Apelli & Varesio, Turín, en roble macizo, montada con accesorios y espaciadores de latón; asiento con tapicería original en terciopelo sintético
CRP218

Nace en Turín. Arquitecto, diseñador y fotógrafo; su arquitectura y sus muebles son famosos por su capacidad para permitir a los ocupantes manipular los volúmenes a su capricho. Inicia su carrera de arquitecto en 1930; en la década de los treinta, en colaboración con Vittorio Baudi di Selve diseñó el edificio de la Società Ippica Torinese, considerado su obra maestra pero destruido en 1960; rompía con el pasado y con el régimen fascista y se inspiraba en Aalto y en Mendelsohn. En los sesenta y setenta diseñó numerosos interiores para casas privadas y diversos edificios, sobre todo de Turín. En los cuarenta había empezado a trabajar como interiorista y diseñador de muebles.

 

3 J. S. Ford, Johnson and Company
Sillón, c. 1905, roble teñido
CRP028

La Ford fue fundada por John Sherlock Ford y Henry W. Johnson en Columbus (Ohio) en 1867 como empresa de manufactura de sillas y sillones En 1868 la compañía trasladó su fábrica a Michigan City (Indiana); en 1872, a Chicago, cambiando su denominación a J. S Ford, Johnson & Company. Hacía muebles de gran calidad, sobre todo sillas, sillones y sofás, de estilo misión, el de los sólidos muebles que se suponía equipaban las misiones españolas en EE. UU.; se vendían en todo el país. La compañía quebró en 1913 y fue vendida.

 

4 Gustave Serrurier-Bovy (belga, 1858-1910)
Sillón Silex, 1905, madera de álamo, tornillos y  arandelas pintados
CRP027

Arquitecto y diseñador de muebles nacido en Lieja. Hanka, Horta, Van de Velde y él fueron los creadores del estilo modernista. Visitó Londres en 1884 y, fascinado por la obra de Morris, se interesó por el movimiento Arts & Crafts. De regreso a Bélgica, diseñó su villa, L’Aube (Lieja), y produjo obras para la Exposición Internacional de Bruselas de 1897. Hizo muebles sencillos, lineales y elegantes; gustaba especialmente de la caoba y, como Van de Velde, tenía predilección por los trabajos de metalistería (hierro, latón, bronce y cobre). Presentó obras en las Exposiciones Internacionales de Londres, París y Saint Louis. Sus creaciones más famosas son el restaurante Pavillon Bleu para la muestra de París de 1900 y los muebles “Silex”: mesas, sillas, dormitorios. Recurrió más que sus colegas ingleses a la asimetría y fue el inventor del “mueble combinado”, que une varias piezas en una.

Hecha por Serrurier-Bovy Cie. (Lieja). 

 

5 Josef Hoffmann (austríaco, 1870-1956)
Sillón, 1905, realizado por los Wiener Werkstätte en pino pintado
CRP024 

Nacido en Plenitz (Moravia), es un arquitecto cuya obra fue importante en el desarrollo temprano de la arquitectura moderna en Europa. Estudió con Otto Wagner en Viena y en 1899 se suma a la fundación de la Secesión vienesa, más modernista que los planteamientos de Wagner. Desde 1899 enseña en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena y en 1903 participa en la creación de los Werkstätte vieneses, centro que dirigió durante 30 años. De su primera época destaca el Sanatorio de Purkersdorf; su obra maestra es la Casa Stoclet de Bruselas, cuyo exterior posee una monumental elegancia. Diseña los pabellones austríacos para la exposición del Deutscher Werkbund en Colonia (1914) y la Bienal de Venecia de 1934. En 1920 es nombrado arquitecto municipal de Viena y en 1924 y 1925 realiza diversos proyectos de casas para la ciudad.

 

6 Jozef Peeters (Belgian, 1895-1960)
Estantería Alles voor Vlaanderen, Vlaanderen voor Kristus, c. 1922, abedul pintado y contrachapado 
CRP042

Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.

 

7 Marc Maet (belga, 1955-2000)
The Mouth of the Sky, 1988, acrílico, laca, cuero y fieltro sobre lienzo
CRP257

Nace en Schoten (Flandes, Bélgica). Vivió y trabajó en Gante. Se ha dividido su obra en tres períodos: a principios de los 80 se acerca al expresionismo de Neue Wilde; a finales de esa década sigue las tendencias internacionales dominantes y en los 90 evoluciona a un estilo vigoroso y literario enraizado en el patrimonio artístico belga. Junto con Philippe Vandenberg, Fik van Gestel y otros es considerado como un representante destacado de la Nueva Pintura en Bélgica. En 1991-2000 se sitúa en el límite entre lo figurativo y lo no figurativo. En la tradición de Magritte, otorga un importante papel a las palabras; en sus pinturas aparecen a menudo palabras e imágenes de carácter simbólico.

 

8 Marc Maet (belga, 1955-2000)
Passion – Passion, 1990, acrílico y poliéster sobre lienzo
CRP258

 

9 Karen Gunderson (estadounidense, 1943)
Rounding the Cape, 2004, óleo sobre lienzo
CRP296

Nace en Racine (Wisconsin). En 1965 se gradúa en Arte y Educación en la Wisconsin University en Whitewater, y en 1968 obtiene un máster en pintura en la Iowa University. Sus primeras obras son construcciones en plexiglás usando imágenes de nubes. En 1971 realiza una gran exposición individual en el Minneapolis Institute of Art. En 1972 entra en contacto con el artista Sol Lewitt, una gran fuente de inspiración. En 1973 se traslada a Nueva York y enseña en la Tisch Art School, como antes en el Cornell College de Iowa y en la Ohio State University y después en el Mount Saint Vincent College de Riverdale (Nueva York). En 1988 inicia la etapa de sus pinturas negras iluminadas, que muestra en 1990 en la galería Cherry Stone de Wellfleet (Massachusetts). En 2001 participa en la Bienal de Florencia y gana el premio de pintura Lorenzo il Magnifico. En 2004 expone sus “cuadros negros” en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. En 2006 protagoniza el documental Karen Gunderson: the Black Paintings, dirigido por Lisa Ades. La transformación continua de la luz y la importancia de la posición del espectador son básicas en su trabajo. El mar, las montañas, la luna, las flores y las constelaciones, son algunos de sus motivos. Su interés por episodios históricos se refleja en series como Kings, donde aborda el rescate de los judíos durante la II Guerra Mundial. Hay obra suya en los museos de San Francisco y Cleveland.

 

10 Karen Gunderson (estadounidense, 1943)
Moonlite Sea, 2004, óleo sobre lienzo
CRP295

 

11 Jaroslaw Kozlowski (polaco, 1945)
Drawing Fact IV, 1979, grafito sobre papel
CRP239

 

12 Jaroslaw Kozlowski (polaco, 1945)
Empathy of the Truth to the Life and Vice Versa, 2010, 2 mesas, 4 sillas, 2 plantas (1 artificial, 1 natural)
CRP240

SALA 16

Vista de la sala 4, con la obra The Falling Man de Ernest Trova en primer plano.

Vista de la sala 16, con obras de Flouquet y, en el centro, escultura de Schlemmer.

Ivan Liun, Carpintero.

Pierre-Louis Flouquet, Féminités.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Man Ray, Sin título.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Piet Hein Eek, butaca modelo Kröller-Müller Museo.

Andrew Tift, 22 Years Later (díptico 2).

Oskar Schlemmer, Grotesque III.

SALA 16

 

1 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Le penseur mol, c. 1928, óleo sobre lienzo
CRP120

Nace en París; en 1910 la familia marcha a Bruselas, en cuya Academia de Bellas Artes estudia con Constant Montald y Gisbert Combaz. Se relaciona con los vanguardistas de Amberes, Berlín, Bruselas, Lausana y París; comparte estudio con Magritte en Bruselas. En los círculos modernistas se le conoce por sus abstracciones y obras biomórficas y geométricas. En 1921 participa en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Ginebra y, con Magritte, en el Centre d’Art de Bruselas. Es cofundador del grupo vanguardista 7 Arts; es responsable de la sección de pintura de su revista y su ilustrador. Con Eisenstein, Ernst, Gropius, Schlemmer, Servranckx y otros es un invitado habitual en la Maison des Artistes de la baronesa Hélène de Mandrot, en su Château de La Sarraz, cerca de Lausana, donde se celebraron el I Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, el I Congreso de Cine Independiente en 1929 y muchas otros manifestaciones artísticas revolucionarias de comienzos del siglo. Hélène de Mandrot, como Katherine Dreier y Gertrude Stein, es uno de los puntales del arte moderno. En 1925, Flouquet fundó el grupo L’Assaut con Gailliard y organizó exposiciones bajo su égida. Convertido en líder de La Plastique Pure, expone con regularidad en el extranjero: Buenos Aires, Chicago, Leipzig, Madrid, Monza, Nueva York, París, Filadelfia y Zurich; en solitario, en 1925 en la galería Der Sturm y en 1927 en el Deutsche Werkbund de Stuttgart, fundado por Henry van de Velde, que lo invitó. Diseñó muchas portadas para la revolucionaria revista de arte Der Sturm. Su obra está representada en museos como el de Bellas Artes en Bruselas y Amberes, el de Gante y el vanguardista Musée de Grenoble; se ha expuesto en el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden, el de Gante y la Tate Modern de Londres entre otros.

Estuvo en la colección del artista belga Victor Servranckx.

 

2 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Féminités, 1923, óleo sobre lienzo 
CRP109

 

3 Piet Hein Eek (holandés, 1967)
4 butacas modelo Kröller-Müller Museum, 1990, madera reciclada
CRP393 

2 butacas modelo Tree-Trunk, 1990, madera reciclada
CRP394 

Diseñador industrial holandés. Estudia en la Academia de Diseño de Eindhoven; se aleja de la tendencia minimalista y trabaja con materiales humildes con el propósito de lograr eficiencia, sostenibilidad y responsabilidad social. Parte de materiales reciclados y en 1990 empieza sus armarios “scrapwood”. Creó una empresa con el diseñador Nob Ruijgrok y fabrica toda clase de objetos para el hogar; fundó un restaurante equipado con sus piezas, así como una galería de arte, todo en su estudio de Eindhoven.

 

4 Piet Hein Eek 
Mesa rectangular, acero reciclado
CRP395 

 

5 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Féminités, 1923-26, óleo sobre lienzo
CRP111

 

6 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Féminités (díptico), 1923-25, óleo sobre lienzo 
CRP110

 

7 Man Ray (estadounidense, 1890-1976)
Sin título, c. 1960, madera
CRP219

Fotógrafo, pintor y cineasta de los movimientos dadá y surrealista, nace en Filadelfia (EE. UU.), en una familia de inmigrantes judíos que pronto se traslada a Brooklyn. Vio el arte de la vanguardia europea en la “291 Gallery” de Alfred Stieglitz; en 1915 conoce a Marcel Duchamp, su principal influencia; con Francis Picabia crean el grupo dadá de Nueva York. Empieza a hacer ready-mades y pinturas cubistas y abstractas. En 1921 marcha a París, se asocia al movimiento surrealista y se dedica a la fotografía para financiar su pintura, experimentando sin cesar; inventó los rayogramas y otras técnicas. Cultiva la fotografía de moda y el retrato, trabaja para revistas como Harper’s Bazaar y Vanity Fair y retrata a Joyce, Hemingway, Breton, Duchamp, Peggy Guggenheim o Dora Maar. Sus fotografías aparecen en las principales revistas del movimiento entre 1920 y 1930. De 1924 data una de sus instantáneas más célebres, El violín de Ingres. En 1936 es incluido en las muestras Cubism and Abstract Art y Fantastic Art, Dada, Surrealism (MoMA). En 1940, el avance del ejército alemán lo obliga a dejar París y se traslada a Los Ángeles; en 1951, de vuelta en París, sigue pintando y experimentando nuevas técnicas para fotos en color, y empieza a escribir sus memorias. En sus últimos años expone en Nueva York, Londres o París.

 

8 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
L’ange du soir, 1931, óleo sobre lienzo
CRP121

 

9 Oskar Schlemmer (alemán, 1888-1943)
Grotesque III, 1923-32, madera de afzelia, marfil incrustado y aplicado, barra de acero, 2 clavos de latón
CRP146

Pintor, escultor, diseñador y coreógrafo de la Bauhaus; destaca en el diseño escénico para ballet. Nace en Stuttgart; estudia en la Escuela de Artes Aplicadas y en la Academia de Bellas Artes de esta ciudad con Christian Ladenberger y Friedrich von Keller. Regresa tras una estancia en Berlín; estudia con Alfred Hölzel, pionero de la abstracción. Tiende a una creciente esquematización de las figuras, a modo de variante figurativa del constructivismo. En 1919 intenta reformar el programa de la Academia de Stuttgart y que se contrate a Paul Klee, pero no lo consigue. Expone en las galerías Der Sturm de Berlín y Arnold de Dresde. En 1920 lo llama Gropius a la Bauhaus, donde dirige el taller de escultura y pintura mural y después el de teatro, como seguirá haciendo en Dessau, adonde es trasladada la Bauhaus en 1925, y expone su idea del arte total. En 1922 estrena su Ballet Triádico, que lo lleva a ser conocido internacionalmente; el título se debe a que la obra tiene tres actos, tres bailarines y tres colores; los trajes se basan en cuerpos geométricos. Refleja su interés primordial, la figura humana y su estudio de la problemática de la figura en el espacio. En 1929 ocupa un puesto en la Academia de Breslau, que cierra por la crisis económica; en 1932 ocupa otro en Berlín, pero es obligado a dimitir por los nazis, que lo incluyen entre los artistas “degenerados”. Marcha a Suiza, pero vuelve a Alemania aunque no se le permite ejercer su profesión. Sus últimas obras (1942) son una serie de ventanas por las que se ven interiores y personas. Hay obra suya en el Bauhaus Museum (Berlín), Guggenheim (Nueva York), MoMA, Dallas, Chicago, Washington, San Francisco, Reina Sofía y Thyssen (Madrid).

Ideado hacia 1916-23. Estuvo en la colección de la baronesa Hélène Revilliod de Mandrot, La Sarraz.

 

 

SALA 16

Vista de la sala 16, con obras de Flouquet y, en el centro, escultura de Schlemmer.

Vista de la sala 16, con obras de Flouquet y, en el centro, escultura de Schlemmer.

Pierre-Louis Flouquet, Féminités.

Pierre-Louis Flouquet, Féminités.

Man Ray, Sin título.

Man Ray, Sin título.

Piet Hein Eek, butaca modelo Kröller-Müller Museo.

Piet Hein Eek, butaca modelo Kröller-Müller Museo.

Oskar Schlemmer, Grotesque III.

Oskar Schlemmer, Grotesque III.

SALA 16

 

1 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Le penseur mol, c. 1928, óleo sobre lienzo
CRP120

Nace en París; en 1910 la familia marcha a Bruselas, en cuya Academia de Bellas Artes estudia con Constant Montald y Gisbert Combaz. Se relaciona con los vanguardistas de Amberes, Berlín, Bruselas, Lausana y París; comparte estudio con Magritte en Bruselas. En los círculos modernistas se le conoce por sus abstracciones y obras biomórficas y geométricas. En 1921 participa en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Ginebra y, con Magritte, en el Centre d’Art de Bruselas. Es cofundador del grupo vanguardista 7 Arts; es responsable de la sección de pintura de su revista y su ilustrador. Con Eisenstein, Ernst, Gropius, Schlemmer, Servranckx y otros es un invitado habitual en la Maison des Artistes de la baronesa Hélène de Mandrot, en su Château de La Sarraz, cerca de Lausana, donde se celebraron el I Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, el I Congreso de Cine Independiente en 1929 y muchas otros manifestaciones artísticas revolucionarias de comienzos del siglo. Hélène de Mandrot, como Katherine Dreier y Gertrude Stein, es uno de los puntales del arte moderno. En 1925, Flouquet fundó el grupo L’Assaut con Gailliard y organizó exposiciones bajo su égida. Convertido en líder de La Plastique Pure, expone con regularidad en el extranjero: Buenos Aires, Chicago, Leipzig, Madrid, Monza, Nueva York, París, Filadelfia y Zurich; en solitario, en 1925 en la galería Der Sturm y en 1927 en el Deutsche Werkbund de Stuttgart, fundado por Henry van de Velde, que lo invitó. Diseñó muchas portadas para la revolucionaria revista de arte Der Sturm. Su obra está representada en museos como el de Bellas Artes en Bruselas y Amberes, el de Gante y el vanguardista Musée de Grenoble; se ha expuesto en el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden, el de Gante y la Tate Modern de Londres entre otros.

Estuvo en la colección del artista belga Victor Servranckx.

 

2 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Féminités, 1923, óleo sobre lienzo 
CRP109

 

3 Piet Hein Eek (holandés, 1967)
4 butacas modelo Kröller-Müller Museum, 1990, madera reciclada
CRP393 

2 butacas modelo Tree-Trunk, 1990, madera reciclada
CRP394 

Diseñador industrial holandés. Estudia en la Academia de Diseño de Eindhoven; se aleja de la tendencia minimalista y trabaja con materiales humildes con el propósito de lograr eficiencia, sostenibilidad y responsabilidad social. Parte de materiales reciclados y en 1990 empieza sus armarios “scrapwood”. Creó una empresa con el diseñador Nob Ruijgrok y fabrica toda clase de objetos para el hogar; fundó un restaurante equipado con sus piezas, así como una galería de arte, todo en su estudio de Eindhoven.

 

4 Piet Hein Eek 
Mesa rectangular, acero reciclado
CRP395 

 

5 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Féminités, 1923-26, óleo sobre lienzo
CRP111

 

6 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
Féminités (díptico), 1923-25, óleo sobre lienzo 
CRP110

 

7 Man Ray (estadounidense, 1890-1976)
Sin título, c. 1960, madera
CRP219

Fotógrafo, pintor y cineasta de los movimientos dadá y surrealista, nace en Filadelfia (EE. UU.), en una familia de inmigrantes judíos que pronto se traslada a Brooklyn. Vio el arte de la vanguardia europea en la “291 Gallery” de Alfred Stieglitz; en 1915 conoce a Marcel Duchamp, su principal influencia; con Francis Picabia crean el grupo dadá de Nueva York. Empieza a hacer ready-mades y pinturas cubistas y abstractas. En 1921 marcha a París, se asocia al movimiento surrealista y se dedica a la fotografía para financiar su pintura, experimentando sin cesar; inventó los rayogramas y otras técnicas. Cultiva la fotografía de moda y el retrato, trabaja para revistas como Harper’s Bazaar y Vanity Fair y retrata a Joyce, Hemingway, Breton, Duchamp, Peggy Guggenheim o Dora Maar. Sus fotografías aparecen en las principales revistas del movimiento entre 1920 y 1930. De 1924 data una de sus instantáneas más célebres, El violín de Ingres. En 1936 es incluido en las muestras Cubism and Abstract Art y Fantastic Art, Dada, Surrealism (MoMA). En 1940, el avance del ejército alemán lo obliga a dejar París y se traslada a Los Ángeles; en 1951, de vuelta en París, sigue pintando y experimentando nuevas técnicas para fotos en color, y empieza a escribir sus memorias. En sus últimos años expone en Nueva York, Londres o París.

 

8 Pierre-Louis Flouquet (francés, 1900-1967)
L’ange du soir, 1931, óleo sobre lienzo
CRP121

 

9 Oskar Schlemmer (alemán, 1888-1943)
Grotesque III, 1923-32, madera de afzelia, marfil incrustado y aplicado, barra de acero, 2 clavos de latón
CRP146

Pintor, escultor, diseñador y coreógrafo de la Bauhaus; destaca en el diseño escénico para ballet. Nace en Stuttgart; estudia en la Escuela de Artes Aplicadas y en la Academia de Bellas Artes de esta ciudad con Christian Ladenberger y Friedrich von Keller. Regresa tras una estancia en Berlín; estudia con Alfred Hölzel, pionero de la abstracción. Tiende a una creciente esquematización de las figuras, a modo de variante figurativa del constructivismo. En 1919 intenta reformar el programa de la Academia de Stuttgart y que se contrate a Paul Klee, pero no lo consigue. Expone en las galerías Der Sturm de Berlín y Arnold de Dresde. En 1920 lo llama Gropius a la Bauhaus, donde dirige el taller de escultura y pintura mural y después el de teatro, como seguirá haciendo en Dessau, adonde es trasladada la Bauhaus en 1925, y expone su idea del arte total. En 1922 estrena su Ballet Triádico, que lo lleva a ser conocido internacionalmente; el título se debe a que la obra tiene tres actos, tres bailarines y tres colores; los trajes se basan en cuerpos geométricos. Refleja su interés primordial, la figura humana y su estudio de la problemática de la figura en el espacio. En 1929 ocupa un puesto en la Academia de Breslau, que cierra por la crisis económica; en 1932 ocupa otro en Berlín, pero es obligado a dimitir por los nazis, que lo incluyen entre los artistas “degenerados”. Marcha a Suiza, pero vuelve a Alemania aunque no se le permite ejercer su profesión. Sus últimas obras (1942) son una serie de ventanas por las que se ven interiores y personas. Hay obra suya en el Bauhaus Museum (Berlín), Guggenheim (Nueva York), MoMA, Dallas, Chicago, Washington, San Francisco, Reina Sofía y Thyssen (Madrid).

Ideado hacia 1916-23. Estuvo en la colección de la baronesa Hélène Revilliod de Mandrot, La Sarraz.