COLECCIÓN PERMANENTE

DESTACADO

Sala dedicada a Victor Servranckx; a la derecha, Opus 1-1921, escultura de yeso patinado.

COLECCIÓN PERMANENTE

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Sala dedicada a Victor Servranckx; a la derecha, Opus 1-1921, escultura de yeso patinado.

EUGENE DELACROIX (1798-1863)

La Femme du pêcheur à la plage, c. 1843-45, óleo sobre lienzo, 45,5 x 37,5 cm

El más grande de los pintores románticos franceses; su uso del color influyó en el desarrollo del impresionismo y el posimpresionismo. Nace en Charenton-Saint-Maurice, cerca de París; estudia con el famoso pintor académico Guérin y admira a Rubens, a Rafael, a los venecianos y a sus contemporáneos ingleses. Se inspira en acontecimientos históricos y contemporáneos, así como en la literatura; es gran lector y amigo de famosos escritores. En 1825 marcha a Londres y entabla relación con los pintores ingleses; la literatura inglesa le suministra también temas. En 1831 recibe la Legión de Honor; su cuadro más célebre, La Libertad guiando al pueblo, es adquirido por el Estado y expuesto en el Salón con enorme éxito. En 1832 viaja a Marruecos acompañando al embajador francés; descubre Oriente con su luz y sus colores y la experiencia le inspira escenas exóticas toda su vida. En 1839 viaja a los Países Bajos y estudia a fondo a Rubens. Durante tres décadas ejecuta numerosos ciclos decorativos en edificios oficiales e iglesias, sin dejar de enviar obras al Salón.

EUGENE DELACROIX (1798-1863)

La Femme du pêcheur à la plage, c. 1843-45, óleo sobre lienzo, 45,5 x 37,5 cm

El más grande de los pintores románticos franceses; su uso del color influyó en el desarrollo del impresionismo y el posimpresionismo. Nace en Charenton-Saint-Maurice, cerca de París; estudia con el famoso pintor académico Guérin y admira a Rubens, a Rafael, a los venecianos y a sus contemporáneos ingleses. Se inspira en acontecimientos históricos y contemporáneos, así como en la literatura; es gran lector y amigo de famosos escritores. En 1825 marcha a Londres y entabla relación con los pintores ingleses; la literatura inglesa le suministra también temas. En 1831 recibe la Legión de Honor; su cuadro más célebre, La Libertad guiando al pueblo, es adquirido por el Estado y expuesto en el Salón con enorme éxito. En 1832 viaja a Marruecos acompañando al embajador francés; descubre Oriente con su luz y sus colores y la experiencia le inspira escenas exóticas toda su vida. En 1839 viaja a los Países Bajos y estudia a fondo a Rubens. Durante tres décadas ejecuta numerosos ciclos decorativos en edificios oficiales e iglesias, sin dejar de enviar obras al Salón.

HONORE DAUMIER (1808-1879)

Conversations d’avocats o Deux avocats, década de 1860, óleo sobre tabla, 24 x 19 cm

Nace en Marsella. Caricaturista, pintor y escultor especialmente célebre por sus dibujos y grabados satíricos, en los que caricaturiza la política y la sociedad francesas de su tiempo. Estudia con Alexandre Lenoir, un discípulo de David. Durante 40 años trabaja como caricaturista en París; ejecutará unas 4.000 litografías y otros tantos dibujos. En 1832 el rey Luis Felipe ya no tolera sus sátiras y lo manda un tiempo a la cárcel. En 1848 empieza a pintar al óleo en un estilo tempranamente impresionista que influye en su producción grabada; crea la pintura de costumbres y da protagonismo a la misma crítica social que sus litografías. En 1871 es miembro de la Comuna de París; esos últimos años ya no trabaja, pues está casi ciego.

HONORE DAUMIER (1808-1879)

Conversations d’avocats o Deux avocats, década de 1860, óleo sobre tabla, 24 x 19 cm

Nace en Marsella. Caricaturista, pintor y escultor especialmente célebre por sus dibujos y grabados satíricos, en los que caricaturiza la política y la sociedad francesas de su tiempo. Estudia con Alexandre Lenoir, un discípulo de David. Durante 40 años trabaja como caricaturista en París; ejecutará unas 4.000 litografías y otros tantos dibujos. En 1832 el rey Luis Felipe ya no tolera sus sátiras y lo manda un tiempo a la cárcel. En 1848 empieza a pintar al óleo en un estilo tempranamente impresionista que influye en su producción grabada; crea la pintura de costumbres y da protagonismo a la misma crítica social que sus litografías. En 1871 es miembro de la Comuna de París; esos últimos años ya no trabaja, pues está casi ciego.

HENRI EDMOND CROSS (1856-1910)

Vue de Gravelines (nord), vu du Grand-Fort-Philippe, c. 1891, óleo sobre lienzo, 60 x 75 cm

Nace en Douai (Francia). La primera vez que expone en el Salón, en 1881, cambia su apellido, Delacroix, por la forma en inglés Cross para no ser confundido con Eugène Delacroix; al principio usa sólo el nombre Henri pero luego utiliza Henri-Edmond para evitar confusión con el escultor Henri Cross. Estudia en Lille con Alphonse Colas. En 1884 participa en la fundación de la Sociedad de Artistas Independientes. La influencia de Seurat y Signac lo hará adherirse al puntillismo. Antes se hallaba en la órbita de Manet y los impresionistas, pero en 1891 realiza su primera obra neoimpresionista. Se establece en el sur de Francia; pinta marinas y escenas de la vida campesina desde un punto de vista cercano al anarquismo. A mediados de los 90, Signac y él abandonan los puntitos de color por una técnica a modo de teselas de mosaico, un estilo importante en la formación del fauvismo. Hay obra suya en el Hermitage, el Musée d’Orsay, el Metropolitan y el Thyssen de Madrid, y en los museos de Chicago, San Francisco, Colonia.

HENRI EDMOND CROSS (1856-1910)

Vue de Gravelines (nord), vu du Grand-Fort-Philippe, c. 1891, óleo sobre lienzo, 60 x 75 cm

Nace en Douai (Francia). La primera vez que expone en el Salón, en 1881, cambia su apellido, Delacroix, por la forma en inglés Cross para no ser confundido con Eugène Delacroix; al principio usa sólo el nombre Henri pero luego utiliza Henri-Edmond para evitar confusión con el escultor Henri Cross. Estudia en Lille con Alphonse Colas. En 1884 participa en la fundación de la Sociedad de Artistas Independientes. La influencia de Seurat y Signac lo hará adherirse al puntillismo. Antes se hallaba en la órbita de Manet y los impresionistas, pero en 1891 realiza su primera obra neoimpresionista. Se establece en el sur de Francia; pinta marinas y escenas de la vida campesina desde un punto de vista cercano al anarquismo. A mediados de los 90, Signac y él abandonan los puntitos de color por una técnica a modo de teselas de mosaico, un estilo importante en la formación del fauvismo. Hay obra suya en el Hermitage, el Musée d’Orsay, el Metropolitan y el Thyssen de Madrid, y en los museos de Chicago, San Francisco, Colonia.

WASSILY KANDINSKY (1866-1944)

A Street in Murnau, c. 1908, óleo sobre cartón madera, 57,7 x 75 cm

Nace en Moscú; tras aprender música y pintura, estudia derecho y economía en la Universidad moscovita, donde enseñará desde 1892. Descubre a Rembrandt, a los impresionistas y a Wagner y decide dedicarse a la pintura. Se traslada a Munich y estudia con el pintor Anton Azbe y en la Academia. En 1902 expone por primera vez con la Berliner Sezession y en 1904 en el Salón de Otoño de París. Se inspira en la música de Arnold Schönberg y en los escritos de Wilhelm Worringer. Con Franz Marc funda el grupo expresionista Der Blaue Reiter; en 1911 celebran su primera exposición en la galería Tannhäuser de Munich. Esos años elige el camino de la abstracción pura; sus ideas teóricas se encuentran en escritos como De lo espiritual en el arte o Punto y línea sobre plano. En 1914 se traslada a Suiza y luego a Moscú; en 1917 es miembro del Comisariado Popular de Instrucción Pública. Cuando se impone el realismo socialista regresa a Alemania y da clase en la Bauhaus, que cerrarán los nazis en 1933; su arte es considerado “degenerado” y él huye a París; en Neuilly-sur-Seine su pintura recupera la abstracción libre de sus primeros años. Hay obra suya en grandes museos como el MoMA, Solomon R. Guggenheim de Nueva York, Musée National d’Art Moderne de París, Neue Pinakothek de Munich, Ludwig de Colonia,o Galería Trétiakov.

WASSILY KANDINSKY (1866-1944)

A Street in Murnau, c. 1908, óleo sobre cartón madera, 57,7 x 75 cm

Nace en Moscú; tras aprender música y pintura, estudia derecho y economía en la Universidad moscovita, donde enseñará desde 1892. Descubre a Rembrandt, a los impresionistas y a Wagner y decide dedicarse a la pintura. Se traslada a Munich y estudia con el pintor Anton Azbe y en la Academia. En 1902 expone por primera vez con la Berliner Sezession y en 1904 en el Salón de Otoño de París. Se inspira en la música de Arnold Schönberg y en los escritos de Wilhelm Worringer. Con Franz Marc funda el grupo expresionista Der Blaue Reiter; en 1911 celebran su primera exposición en la galería Tannhäuser de Munich. Esos años elige el camino de la abstracción pura; sus ideas teóricas se encuentran en escritos como De lo espiritual en el arte o Punto y línea sobre plano. En 1914 se traslada a Suiza y luego a Moscú; en 1917 es miembro del Comisariado Popular de Instrucción Pública. Cuando se impone el realismo socialista regresa a Alemania y da clase en la Bauhaus, que cerrarán los nazis en 1933; su arte es considerado “degenerado” y él huye a París; en Neuilly-sur-Seine su pintura recupera la abstracción libre de sus primeros años. Hay obra suya en grandes museos como el MoMA, Solomon R. Guggenheim de Nueva York, Musée National d’Art Moderne de París, Neue Pinakothek de Munich, Ludwig de Colonia,o Galería Trétiakov.

KARL SCHMIDT-ROTTLUFF (1884-1976)

Sin título, 1910-11, textil, 198 X 142 cm

Pintor y grabador celebrado por sus paisajes y grabados expresionistas, nació en Rottluff (Sajonia, Alemania) y empezó a estudiar arquitectura en Dresde, donde conoció a Kirchner y a Heckel. En 1905 ambos se trasladan a para estudiar y pintar; juntos formaron el grupo expresionista Die Brücke y presentaron su primera exposición en Leipzig. Añade a su nombre el de su población natal, Rottluff. En obras como Día de viento (1907) deja ver la transición de su estilo temprano al maduro de obras como Autorretrato con monóculo (1910), caracterizado por atrevidos colores disonantes. En 1911 se traslada a Berlín; numerosas obras de este período revelan su nuevo interés por el cubismo. Cuando los nazis suben al poder se le prohíbe pintar y es expulsado de la Academia Prusiana de las Artes; en 1937 se retiran de los museos muchas de sus pinturas y se incluyen algunas en la exposición Arte degenerado. En 1947 es contratado como profesor en la Universidad de las Artes de Berlín. Alemania le homenajea con numerosas retrospectivas y en 1956 recibe la medalla Pour le Mérite, la más alta distinción de Prusia. En 1964 es el principal promotor del Brücke Museum de Berlín, inaugurado en 1967 con las obras donadas por él y otros miembros de grupo. Sus obras pueden verse en el MoMA, Los Angeles County Museum, Muscarelle Museum of Art (Williamsburg), Museum am Theaterplatz (Chemnitz).

KARL SCHMIDT-ROTTLUFF (1884-1976)

Sin título, 1910-11, textile, 198 X 142 cm

Pintor y grabador celebrado por sus paisajes y grabados expresionistas, nació en Rottluff (Sajonia, Alemania) y empezó a estudiar arquitectura en Dresde, donde conoció a Kirchner y a Heckel. En 1905 ambos se trasladan a para estudiar y pintar; juntos formaron el grupo expresionista Die Brücke y presentaron su primera exposición en Leipzig. Añade a su nombre el de su población natal, Rottluff. En obras como Día de viento (1907) deja ver la transición de su estilo temprano al maduro de obras como Autorretrato con monóculo (1910), caracterizado por atrevidos colores disonantes. En 1911 se traslada a Berlín; numerosas obras de este período revelan su nuevo interés por el cubismo. Cuando los nazis suben al poder se le prohíbe pintar y es expulsado de la Academia Prusiana de las Artes; en 1937 se retiran de los museos muchas de sus pinturas y se incluyen algunas en la exposición Arte degenerado. En 1947 es contratado como profesor en la Universidad de las Artes de Berlín. Alemania le homenajea con numerosas retrospectivas y en 1956 recibe la medalla Pour le Mérite, la más alta distinción de Prusia. En 1964 es el principal promotor del Brücke Museum de Berlín, inaugurado en 1967 con las obras donadas por él y otros miembros de grupo. Sus obras pueden verse en el MoMA, Los Angeles County Museum, Muscarelle Museum of Art (Williamsburg), Museum am Theaterplatz (Chemnitz).

GEORGES VANTOGERLOO (1886-1965)

Construction, c. 1917, madera de teca, alto 47 cm

Nace en Amberes; es el más célebre pionero belga de la pintura y la escultura abstractas. Estudia en las Academias de Bellas Artes de Amberes y Bruselas. De 1914 a 1918 vive en Holanda; en 1917 expone en el Cercle Hollando-Belge. Después crea obras abstractas puramente geométricas; aunque sus composiciones a modo de rejilla puedan parecer arbitrarias, están determinadas por relaciones matemáticas. Conoce al futurista belga Schmalzigaug y a Mondrian, Van der Leck y Van Doesburg. En 1924 publica su panfleto L’Art et son avenir. En 1931 expone en el Museo de Artes Decorativas de París y es elegido vicepresidente de la asociación de artistas vanguardistas Abstraction-Création. En 1936 participa en la muestra Cubism and Abstract Art del MoMA. Expone con Bill y Antoine Pevsner en el Kunsthaus de Zurich en 1949. Su 75 cumpleaños se celebró con una individual en la galería Suzanne Bollag de Zurich; en 1962 se presentó una amplia retrospectiva en la nueva galería Marlborough de Londres; con posterioridad ha habido muchas otras. Su obra está representada en innumerables colecciones públicas: Art Institute de Chicago, Groeningemuseum de Brujas, Kroِller-Müller de Otterlo, Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, colección Berardo de Lisbon, MoMA de Nueva York, Bellas Artes de Gante, Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas, Solomon R. Guggenheim de Nueva York y Tate Modern de Londres.

GEORGES VANTOGERLOO (1886-1965)

Construction, c. 1917, madera de teca, alto 47 cm

Nace en Amberes; es el más célebre pionero belga de la pintura y la escultura abstractas. Estudia en las Academias de Bellas Artes de Amberes y Bruselas. De 1914 a 1918 vive en Holanda; en 1917 expone en el Cercle Hollando-Belge. Después crea obras abstractas puramente geométricas; aunque sus composiciones a modo de rejilla puedan parecer arbitrarias, están determinadas por relaciones matemáticas. Conoce al futurista belga Schmalzigaug y a Mondrian, Van der Leck y Van Doesburg. En 1924 publica su panfleto L’Art et son avenir. En 1931 expone en el Museo de Artes Decorativas de París y es elegido vicepresidente de la asociación de artistas vanguardistas Abstraction-Création. En 1936 participa en la muestra Cubism and Abstract Art del MoMA. Expone con Bill y Antoine Pevsner en el Kunsthaus de Zurich en 1949. Su 75 cumpleaños se celebró con una individual en la galería Suzanne Bollag de Zurich; en 1962 se presentó una amplia retrospectiva en la nueva galería Marlborough de Londres; con posterioridad ha habido muchas otras. Su obra está representada en innumerables colecciones públicas: Art Institute de Chicago, Groeningemuseum de Brujas, Kroِller-Müller de Otterlo, Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, colección Berardo de Lisbon, MoMA de Nueva York, Bellas Artes de Gante, Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas, Solomon R. Guggenheim de Nueva York y Tate Modern de Londres.

MARTHE DONAS (1885-1967)

Le livre d’images, c. 1918,  óleo sobre yeso y cartón, 67,5 x 46,5 cm

Nace en Amberes. A sugerencia de su amigo Van Doesburg, para evitar prejuicios por ser mujer firma también obras como Tour d’Onasky y Tour Donas. Según Katherine Dreier, fundadora de la legendaria Société Anonyme, es “la primera pintora abstracta de Bélgica”. Se forma en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes; en 1916 estudia el arte de la vidriera en Irlanda. La exposición de André Lothe en París la introdujo en el cubismo. Sus primeras obras plenamente abstractas y poscubistas datan de 1917. Fue también una precursora del surrealismo. En 1918 ingresa en la célebre Section D’Or en París, que se inspira en el cubismo y el orfismo. La mayor contribución de Donas al arte moderno es haber sido la primera en empujar el cubismo a la abstracción. En 1919, Van Doesburgh publicó en De Stijl varios artículos sobre ella situándola entre los protagonistas del arte moderno. En 1920 expuso en Der Sturm, la galería de Herwarth Walden y centro vanguardista de Berlín; compraron todas las obras Walden y Katherine Dreier, quienes, aconsejados por Marcel Duchamp, reunieron una impresionante colección de piezas maestras de la vanguardia internacional, núcleo de las colecciones de la Yale University Art Gallery de New Haven y del MoMA de Nueva York. Expuso de nuevo en Der Sturm en 1923. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas presentó una retrospectiva suya en 1960. Su producción se ha mostrado en el Museo de Bellas Artes de Gante, el Von der Heydt de Wuppertal, los de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes o la Tate Modern de Londres. En cooperación con la Yale University Art Gallery y la Fundación Archipenko de Bearsville (Nueva York), el Museo de Bellas Artes de Gante presentó una importante muestra de su obra en 2016.

MARTHE DONAS (1885-1967)

Le livre d’images, c. 1918,  óleo sobre yeso y cartón, 67,5 x 46,5 cm

Nace en Amberes. A sugerencia de su amigo Van Doesburg, para evitar prejuicios por ser mujer firma también obras como Tour d’Onasky y Tour Donas. Según Katherine Dreier, fundadora de la legendaria Société Anonyme, es “la primera pintora abstracta de Bélgica”. Se forma en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes; en 1916 estudia el arte de la vidriera en Irlanda. La exposición de André Lothe en París la introdujo en el cubismo. Sus primeras obras plenamente abstractas y poscubistas datan de 1917. Fue también una precursora del surrealismo. En 1918 ingresa en la célebre Section D’Or en París, que se inspira en el cubismo y el orfismo. La mayor contribución de Donas al arte moderno es haber sido la primera en empujar el cubismo a la abstracción. En 1919, Van Doesburgh publicó en De Stijl varios artículos sobre ella situándola entre los protagonistas del arte moderno. En 1920 expuso en Der Sturm, la galería de Herwarth Walden y centro vanguardista de Berlín; compraron todas las obras Walden y Katherine Dreier, quienes, aconsejados por Marcel Duchamp, reunieron una impresionante colección de piezas maestras de la vanguardia internacional, núcleo de las colecciones de la Yale University Art Gallery de New Haven y del MoMA de Nueva York. Expuso de nuevo en Der Sturm en 1923. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas presentó una retrospectiva suya en 1960. Su producción se ha mostrado en el Museo de Bellas Artes de Gante, el Von der Heydt de Wuppertal, los de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes o la Tate Modern de Londres. En cooperación con la Yale University Art Gallery y la Fundación Archipenko de Bearsville (Nueva York), el Museo de Bellas Artes de Gante presentó una importante muestra de su obra en 2016.

GUSTAV WUNDERWALD (1882-1945)

Grunewaldstrasse, Berlin-Westend, 1918, óleo sobre lienzo, 61 x 71,5 cm

Obras de este autor en: Berlinische Galerie, Neue Nationalgalerie y Stadtmuseum Berlin.

Nace en Colonia. Empieza de aprendiz con Wilhelm Kuhn; en 1899-1900 trabaja pintando decorados para muchos teatros de Alemania y el extranjero, y para la Ópera de Berlín. Tras la I Guerra Mundial se establece en Berlín; pinta escenas de la vida en los barrios de esta ciudad dentro del estilo de la Nueva Objetividad. En 1927 empieza a exponer escenas urbanas y paisajes; tendrá que dejar de hacerlo con la subida al poder de los nazis y sobrevive coloreando películas. Terminada la guerra, no tiene ocasión de volver a ejercer su profesión, pues muere al beber agua envenenada en el confuso Berlín de 1945.

GUSTAV WUNDERWALD (1882-1945)

Grunewaldstrasse, Berlin-Westend, 1918, óleo sobre lienzo, 61 x 71,5 cm

Obras de este autor en: Berlinische Galerie, Neue Nationalgalerie y Stadtmuseum Berlin.

Nace en Colonia. Empieza de aprendiz con Wilhelm Kuhn; en 1899-1900 trabaja pintando decorados para muchos teatros de Alemania y el extranjero, y para la Ópera de Berlín. Tras la I Guerra Mundial se establece en Berlín; pinta escenas de la vida en los barrios de esta ciudad dentro del estilo de la Nueva Objetividad. En 1927 empieza a exponer escenas urbanas y paisajes; tendrá que dejar de hacerlo con la subida al poder de los nazis y sobrevive coloreando películas. Terminada la guerra, no tiene ocasión de volver a ejercer su profesión, pues muere al beber agua envenenada en el confuso Berlín de 1945.

PAUL JOOSTENS (1889-1960)

Objeto dadá, c. 1920, assemblage en madera, 28 x 25,7 x 14,7 cm

Artista visual y escritor, nace en Amberes y estudia en su Academia de Bellas Artes. Creó los primeros collages y objetos dadá en 1916, tres años antes que Kurt Schwitters, a quien se suele atribuir esta hazaña, y los primeros architectons unos siete años antes que Malevich. Sus assemblages en cajas, hechos de materiales encontrados, combinan la austeridad formal del constructivismo con la fantasía del surrealismo; realiza también vigorosas pinturas poscubistas y futuristas. Sus primeras muestras individuales tienen lugar en 1917 en el Centre Artistique de Amberes y en la mítica galería Georges Giroux de Bruselas. Anarquista, junto con los dadaístas belgas Paul Neuhuys y Willy Koninck critica el orden establecido. Fue cofundador de De bond zonder gezegeld papier junto con Floris y Oscar Jespers y su amigo Paul van Ostaijen, el gran poeta vanguardista. También colabora con Léonard en las revistas Sélection, Ça ira y Het Overzicht. Desde 1927 y en los años treinta se aleja de la vanguardia y se convierte en un ermitaño. Católico estricto, en esta época crea su estilo “gótico”, inspirado en los primitivos flamencos: pinturas impregnadas de misticismo religioso y erotismo pubescente. En 1935 realiza una magnífica serie de fotomontajes. Antes de la II Guerra Mundial su pintura se llena de temas alucinatorios y fantásticos. Desde 1946 hasta su muerte domina la figura femenina, ya como la Virgen, ya como las prostitutas de los barrios populares de Amberes. Hay obras suyas en museos como los de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas y el de Gante; se han expuesto en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden y Tate Modern de Londres. La última retrospectiva se presentó en 2014 en el Mu.Zee de Ostende. El Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou dedicó un importante capítulo a Joostens en el catálogo de su exposición Dada.

PAUL JOOSTENS (1889-1960)

Objeto dadá, c. 1920, assemblage en madera, 28 x 25,7 x 14,7 cm

Artista visual y escritor, nace en Amberes y estudia en su Academia de Bellas Artes. Creó los primeros collages y objetos dadá en 1916, tres años antes que Kurt Schwitters, a quien se suele atribuir esta hazaña, y los primeros architectons unos siete años antes que Malevich. Sus assemblages en cajas, hechos de materiales encontrados, combinan la austeridad formal del constructivismo con la fantasía del surrealismo; realiza también vigorosas pinturas poscubistas y futuristas. Sus primeras muestras individuales tienen lugar en 1917 en el Centre Artistique de Amberes y en la mítica galería Georges Giroux de Bruselas. Anarquista, junto con los dadaístas belgas Paul Neuhuys y Willy Koninck critica el orden establecido. Fue cofundador de De bond zonder gezegeld papier junto con Floris y Oscar Jespers y su amigo Paul van Ostaijen, el gran poeta vanguardista. También colabora con Léonard en las revistas Sélection, Ça ira y Het Overzicht. Desde 1927 y en los años treinta se aleja de la vanguardia y se convierte en un ermitaño. Católico estricto, en esta época crea su estilo “gótico”, inspirado en los primitivos flamencos: pinturas impregnadas de misticismo religioso y erotismo pubescente. En 1935 realiza una magnífica serie de fotomontajes. Antes de la II Guerra Mundial su pintura se llena de temas alucinatorios y fantásticos. Desde 1946 hasta su muerte domina la figura femenina, ya como la Virgen, ya como las prostitutas de los barrios populares de Amberes. Hay obras suyas en museos como los de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas y el de Gante; se han expuesto en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden y Tate Modern de Londres. La última retrospectiva se presentó en 2014 en el Mu.Zee de Ostende. El Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou dedicó un importante capítulo a Joostens en el catálogo de su exposición Dada.

Edmund Kesting (1892-1970)

Verschränkungen, 1920-25, assemblage en técnicas mixtas, 36,2 x 36,2 cm

Nace en Dresde; es fotógrafo, pintor y profesor de arte. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de Dresde; luego presta servicio como soldado en la I Guerra Mundial. Terminada la contienda, continúa su formación con Richard Müller y Otto Gussmann. En 1923 celebra su primera exposición de sus fotogramas en la histórica galería Der Sturm. Establecido en Berlín, entabla relación con las vanguardias de la capital y utiliza técnicas experimentales; los nazis lo incluirán en la muestra de “arte degenerado”. Tras la II Guerra Mundial se integra en un grupo de artistas que adopta la denominación “Llamamiento a un arte en libertad”. Participa en la polémica del realismo socialista y el formalismo que tuvo lugar en la República Democrática Alemana; su obra no fue expuesta hasta 1949-1959. En 1967 ocupa un puesto de profesor en la Academia de Cine y Televisión de Potsdam.

Edmund Kesting (1892-1970)

Verschränkungen, 1920-25, assemblage en técnicas mixtas, 36,2 x 36,2 cm

Nace en Dresde; es fotógrafo, pintor y profesor de arte. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de Dresde; luego presta servicio como soldado en la I Guerra Mundial. Terminada la contienda, continúa su formación con Richard Müller y Otto Gussmann. En 1923 celebra su primera exposición de sus fotogramas en la histórica galería Der Sturm. Establecido en Berlín, entabla relación con las vanguardias de la capital y utiliza técnicas experimentales; los nazis lo incluirán en la muestra de “arte degenerado”. Tras la II Guerra Mundial se integra en un grupo de artistas que adopta la denominación “Llamamiento a un arte en libertad”. Participa en la polémica del realismo socialista y el formalismo que tuvo lugar en la República Democrática Alemana; su obra no fue expuesta hasta 1949-1959. En 1967 ocupa un puesto de profesor en la Academia de Cine y Televisión de Potsdam.

Victor Servranckx (1897-1965)

Opus 1 – 1921, yeso patinado, 40,5 x 27,5 x 28 cm

Obras de este autor en: MoMA, Museo Thyssen y Real Museo de Bellas Artes de Bélgica

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

Victor Servranckx (1897-1965)

Opus 1 – 1921, yeso patinado, 40,5 x 27,5 x 28 cm

Obras de este autor en: MoMA, Museo Thyssen y Real Museo de Bellas Artes de Bélgica

Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.

Karel Maes (1900-1974)

Sin título, 1922, gouache sobre papel, 39,5 x 28,5 cm

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

Karel Maes (1900-1974)

Sin título, 1922, gouache sobre papel, 39,5 x 28,5 cm

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la plastique pure, un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas: Amberes 1992, Bruselas 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

Jozef Peeters (1895-1960)

Sin título, c. 1923, cemento pintado, alto 43 cm

Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.

Jozef Peeters (1895-1960)

Sin título, c. 1923, cemento pintado, alto 43 cm

Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.

Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946)

Construction, 1923, acero inoxidable, plexiglás y fibra vulcanizada pintada, 79,8 x 73,5 x 42 cm

Pintor, fotógrafo y profesor de arte, nace en Bacsbarsod (Hungría). Su visión de un arte no figurativo compuesto por principios puramente visuales (color, textura, luz y equilibrio de formas) ejerció una enorme influencia en las bellas artes y en las artes aplicadas en la primera mitad del siglo XX. Estudió Derecho en Budapest; publicó xilografías de inspiración cubista en la revista de vanguardia MA. Marcha a Berlín en 1921; de 1923 a 1929 dirige el taller de metal de la Bauhaus, la famosa escuela vanguardista de diseño. Como pintor y fotógrafo trabaja sobre todo con la luz; sus “fotogramas” están compuestos directamente sobre la película, y sus “moduladores de luz”, pinturas al óleo sobre superficies transparentes o pulidas, incluyen efectos luminosos móviles. En 1935, huyendo de la Alemania nazi, marcha a Londres; en 1937 pasa a Chicago, donde organiza y dirige la Nueva Bauhaus.

Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946)

Construction, 1923, acero inoxidable, plexiglás y fibra vulcanizada pintada, 79,8 x 73,5 x 42 cm

Pintor, fotógrafo y profesor de arte, nace en Bacsbarsod (Hungría). Su visión de un arte no figurativo compuesto por principios puramente visuales (color, textura, luz y equilibrio de formas) ejerció una enorme influencia en las bellas artes y en las artes aplicadas en la primera mitad del siglo XX. Estudió Derecho en Budapest; publicó xilografías de inspiración cubista en la revista de vanguardia MA. Marcha a Berlín en 1921; de 1923 a 1929 dirige el taller de metal de la Bauhaus, la famosa escuela vanguardista de diseño. Como pintor y fotógrafo trabaja sobre todo con la luz; sus “fotogramas” están compuestos directamente sobre la película, y sus “moduladores de luz”, pinturas al óleo sobre superficies transparentes o pulidas, incluyen efectos luminosos móviles. En 1935, huyendo de la Alemania nazi, marcha a Londres; en 1937 pasa a Chicago, donde organiza y dirige la Nueva Bauhaus.

Max Ernst (1891-1976)

Sade-Sit, c. 1923, óleo sobre lienzo, 81 x 54 cm

Pintor, escultor, uno de los principales defensores de la irracionalidad en el arte y creador de la facción verista del movimiento surrealista. Nace en Brühl (Alemania); en su juventud le interesan la psiquiatría y la filosofía. Tras servir en el ejército alemán durante la I Guerra Mundial, se convirtió al dadá y formó un grupo en Colonia con Arp. Sus collages y fotomontajes dadá combinan sensación de misterio y sentido del humor. En 1922 marcha a París y dos años después pasa a ser uno de los miembros fundadores del grupo surrealista; en 1925 empezó a usar las técnicas del frottage y la decalcomanía. Trabaja como actor en la película de Buñuel La edad de oro (1930). Después de 1934 sus actividades se centran de manera creciente en la escultura; utiliza técnicas improvisadas. En 1936 participa en la exposición surrealista de Londres y en 1937 celebra en esta ciudad su primera individual en la Mayor Gallery de Mayfair. Al estallar la II Guerra Mundial se traslada a EEUU, donde se reúne con su tercera esposa, la coleccionista y mecenas Peggy Guggenheim. Cuando vuelve a Francia en 1949, su obra se torna menos experimental; y sus pinturas tardías no dejan ver nada de la “violencia tranquila” de su producción de los años de guerra. Entre los muestras sobre su obra destacan Max Ernst: Dada and the Dawn of Surrealism (MoMA 1993) y las retrospectivas del Metropolitan y la Albertina de Viena (2013). Hay obra suya en los museos de Bruselas, Chicago, San Francisco, Guggenheim (Nueva York), Metropolitan, MoMA, Boijmans (Rotterdam), Reina Sofía y Thyssen (Madrid), Tel Aviv; galerías nacionales de Escocia y Washington, Tate o colección Peggy Guggenheim (Venecia).

Max Ernst (1891-1976)

Sade-Sit, c. 1923, óleo sobre lienzo, 81 x 54 cm

Pintor, escultor, uno de los principales defensores de la irracionalidad en el arte y creador de la facción verista del movimiento surrealista. Nace en Brühl (Alemania); en su juventud le interesan la psiquiatría y la filosofía. Tras servir en el ejército alemán durante la I Guerra Mundial, se convirtió al dadá y formó un grupo en Colonia con Arp. Sus collages y fotomontajes dadá combinan sensación de misterio y sentido del humor. En 1922 marcha a París y dos años después pasa a ser uno de los miembros fundadores del grupo surrealista; en 1925 empezó a usar las técnicas del frottage y la decalcomanía. Trabaja como actor en la película de Buñuel La edad de oro (1930). Después de 1934 sus actividades se centran de manera creciente en la escultura; utiliza técnicas improvisadas. En 1936 participa en la exposición surrealista de Londres y en 1937 celebra en esta ciudad su primera individual en la Mayor Gallery de Mayfair. Al estallar la II Guerra Mundial se traslada a EEUU, donde se reúne con su tercera esposa, la coleccionista y mecenas Peggy Guggenheim. Cuando vuelve a Francia en 1949, su obra se torna menos experimental; y sus pinturas tardías no dejan ver nada de la “violencia tranquila” de su producción de los años de guerra. Entre los muestras sobre su obra destacan Max Ernst: Dada and the Dawn of Surrealism (MoMA 1993) y las retrospectivas del Metropolitan y la Albertina de Viena (2013). Hay obra suya en los museos de Bruselas, Chicago, San Francisco, Guggenheim (Nueva York), Metropolitan, MoMA, Boijmans (Rotterdam), Reina Sofía y Thyssen (Madrid), Tel Aviv; galerías nacionales de Escocia y Washington, Tate o colección Peggy Guggenheim (Venecia).

Pierre-Louis Flouquet (1900-1967)

Féminités, 1923, óleo sobre lienzo, 150 x 100 cm

Nace en París; en 1910 la familia marcha a Bruselas, en cuya Academia de Bellas Artes estudia con Constant Montald y Gisbert Combaz. Se relaciona con los vanguardistas de Amberes, Berlín, Bruselas, Lausana y París; comparte estudio con Magritte en Bruselas. En los círculos modernistas se le conoce por sus abstracciones y obras biomórficas y geométricas. En 1921 participa en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Ginebra y, con Magritte, en el Centre d’Art de Bruselas. Es cofundador del grupo vanguardista 7 Arts; es responsable de la sección de pintura de su revista y su ilustrador. Con Eisenstein, Ernst, Gropius, Schlemmer, Servranckx y otros es un invitado habitual en la Maison des Artistes de la baronesa Hélène de Mandrot, en su Château de La Sarraz, cerca de Lausana, donde se celebraron el I Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, el I Congreso de Cine Independiente en 1929 y muchas otros manifestaciones artísticas revolucionarias de comienzos del siglo. Hélène de Mandrot, como Katherine Dreier y Gertrude Stein, es uno de los puntales del arte moderno. En 1925, Flouquet fundó el grupo L’Assaut con Gailliard y organizó exposiciones bajo su égida. Convertido en líder de La Plastique Pure, expone con regularidad en el extranjero: Buenos Aires, Chicago, Leipzig, Madrid, Monza, Nueva York, París, Filadelfia y Zurich; en solitario, en 1925 en la galería Der Sturm y en 1927 en el Deutsche Werkbund de Stuttgart, fundado por Henry van de Velde, que lo invitó. Diseñó muchas portadas para la revolucionaria revista de arte Der Sturm. Su obra está representada en museos como el de Bellas Artes en Bruselas y Amberes, el de Gante y el vanguardista Musée de Grenoble; se ha expuesto en el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden, el de Gante y la Tate Modern de Londres entre otros.

Pierre-Louis Flouquet (1900-1967)

Féminités, 1923, óleo sobre lienzo, 150 x 100 cm

Nace en París; en 1910 la familia marcha a Bruselas, en cuya Academia de Bellas Artes estudia con Constant Montald y Gisbert Combaz. Se relaciona con los vanguardistas de Amberes, Berlín, Bruselas, Lausana y París; comparte estudio con Magritte en Bruselas. En los círculos modernistas se le conoce por sus abstracciones y obras biomórficas y geométricas. En 1921 participa en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Ginebra y, con Magritte, en el Centre d’Art de Bruselas. Es cofundador del grupo vanguardista 7 Arts; es responsable de la sección de pintura de su revista y su ilustrador. Con Eisenstein, Ernst, Gropius, Schlemmer, Servranckx y otros es un invitado habitual en la Maison des Artistes de la baronesa Hélène de Mandrot, en su Château de La Sarraz, cerca de Lausana, donde se celebraron el I Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, el I Congreso de Cine Independiente en 1929 y muchas otros manifestaciones artísticas revolucionarias de comienzos del siglo. Hélène de Mandrot, como Katherine Dreier y Gertrude Stein, es uno de los puntales del arte moderno. En 1925, Flouquet fundó el grupo L’Assaut con Gailliard y organizó exposiciones bajo su égida. Convertido en líder de La Plastique Pure, expone con regularidad en el extranjero: Buenos Aires, Chicago, Leipzig, Madrid, Monza, Nueva York, París, Filadelfia y Zurich; en solitario, en 1925 en la galería Der Sturm y en 1927 en el Deutsche Werkbund de Stuttgart, fundado por Henry van de Velde, que lo invitó. Diseñó muchas portadas para la revolucionaria revista de arte Der Sturm. Su obra está representada en museos como el de Bellas Artes en Bruselas y Amberes, el de Gante y el vanguardista Musée de Grenoble; se ha expuesto en el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden, el de Gante y la Tate Modern de Londres entre otros.

Oskar Schlemmer (1888-1943)

Grotesque III, 1923-32, madera de afzelia, marfil incrustado y aplicado, barra de acero, 2 clavos de latón, alto 57 cm

Pintor, escultor, diseñador y coreógrafo de la Bauhaus; destaca en el diseño escénico para ballet. Nace en Stuttgart; estudia en la Escuela de Artes Aplicadas y en la Academia de Bellas Artes de esta ciudad con Christian Ladenberger y Friedrich von Keller. Regresa tras una estancia en Berlín; estudia con Alfred Hölzel, pionero de la abstracción. Tiende a una creciente esquematización de las figuras, a modo de variante figurativa del constructivismo. En 1919 intenta reformar el programa de la Academia de Stuttgart y que se contrate a Paul Klee, pero no lo consigue. Expone en las galerías Der Sturm de Berlín y Arnold de Dresde. En 1920 lo llama Gropius a la Bauhaus, donde dirige el taller de escultura y pintura mural y después el de teatro, como seguirá haciendo en Dessau, adonde se trasladada la Bauhaus en 1925, y expone su idea del arte total. En 1922 estrena su Ballet Triádico, que lo lleva a ser conocido internacionalmente; el título se debe a que la obra tiene tres actos, tres bailarines y tres colores; los trajes se basan en cuerpos geométricos. Refleja su interés primordial, la figura humana y su estudio de la problemática de la figura en el espacio. En 1929 ocupa un puesto en la Academia de Breslau, que cierra por la crisis económica; en 1932 ocupa otro en Berlín, pero es obligado a dimitir por los nazis, que lo incluyen entre los artistas “degenerados”. Marcha a Suiza, pero vuelve a Alemania aunque no se le permite ejercer su profesión. Sus últimas obras (1942) son una serie de ventanas por las que se ven interiores y personas. Hay obra suya en el Bauhaus Museum (Berlín), Guggenheim (Nueva York), MoMA, Dallas, Chicago, Washington, San Francisco, Reina Sofía y Thyssen (Madrid).

Oskar Schlemmer (1888-1943)

Grotesque III, 1923-32, madera de afzelia, marfil incrustado y aplicado, barra de acero, 2 clavos de latón, alto 57 cm

Pintor, escultor, diseñador y coreógrafo de la Bauhaus; destaca en el diseño escénico para ballet. Nace en Stuttgart; estudia en la Escuela de Artes Aplicadas y en la Academia de Bellas Artes de esta ciudad con Christian Ladenberger y Friedrich von Keller. Regresa tras una estancia en Berlín; estudia con Alfred Hölzel, pionero de la abstracción. Tiende a una creciente esquematización de las figuras, a modo de variante figurativa del constructivismo. En 1919 intenta reformar el programa de la Academia de Stuttgart y que se contrate a Paul Klee, pero no lo consigue. Expone en las galerías Der Sturm de Berlín y Arnold de Dresde. En 1920 lo llama Gropius a la Bauhaus, donde dirige el taller de escultura y pintura mural y después el de teatro, como seguirá haciendo en Dessau, adonde se trasladada la Bauhaus en 1925, y expone su idea del arte total. En 1922 estrena su Ballet Triádico, que lo lleva a ser conocido internacionalmente; el título se debe a que la obra tiene tres actos, tres bailarines y tres colores; los trajes se basan en cuerpos geométricos. Refleja su interés primordial, la figura humana y su estudio de la problemática de la figura en el espacio. En 1929 ocupa un puesto en la Academia de Breslau, que cierra por la crisis económica; en 1932 ocupa otro en Berlín, pero es obligado a dimitir por los nazis, que lo incluyen entre los artistas “degenerados”. Marcha a Suiza, pero vuelve a Alemania aunque no se le permite ejercer su profesión. Sus últimas obras (1942) son una serie de ventanas por las que se ven interiores y personas. Hay obra suya en el Bauhaus Museum (Berlín), Guggenheim (Nueva York), MoMA, Dallas, Chicago, Washington, San Francisco, Reina Sofía y Thyssen (Madrid).

Gustave Miklos (1888-1967)

Sin título, c. 1924, ébano lacado, alto 80,5 cm

Nace en Budapest (Hungría). De 1904 a 1906 estudia en la Real Escuela Nacional de Artes y Oficios de Hungría con Kimnach Laszlo; conoce al escultor Joseph Csaky. En París estudia en la Académie de La Palette con Henri Le Fauconnier y se aproxima al cubismo. Entra en el estudio de Jean Metzinger y expone en el Salón de Otoño y en la Société des Artistes Indépendants, donde conoce a Archipenko y Léger. También cultiva la ilustración, el cartelismo y el diseño de muebles. En la I Guerra Mundial sirve en Bizerta, Túnez y Salónica; sigue dibujando y pintando acuarelas de colores vivos, inspirado por los nuevos paisajes. En 1919 expone en la Exposition des artistes d’Orient, en Atenas. En 1922 obtuvo la ciudadanía francesa. Jacques Doucet, coleccionista y diseñador de joyas, le pide que participe en la decoración de su villa de Neuilly. En 1923 expone en una colectiva en la Galerie de L’Effort Moderne de Léonce Rosenberg; en 1925, en la Exposición Internacional de Artes Industriales y Decorativas Modernas, ya inscrito en las filas del Art Deco, y en 1928 en la Galerie de la Renaissance. En 1930 entra en la Unión Francesa de Artistas Modernos. En 1939 se traslada a Oyonnax (Francia), donde imparte clases de arte y muere, ya olvidado. Se le redescubre en varias exposiciones sobre el Art Deco; hay obra suya en muchas colecciones públicas y privadas.

Gustave Miklos (1888-1967)

Sin título, c. 1924, ébano lacado, alto 80,5 cm

Nace en Budapest (Hungría). De 1904 a 1906 estudia en la Real Escuela Nacional de Artes y Oficios de Hungría con Kimnach Laszlo; conoce al escultor Joseph Csaky. En París estudia en la Académie de La Palette con Henri Le Fauconnier y se aproxima al cubismo. Entra en el estudio de Jean Metzinger y expone en el Salón de Otoño y en la Société des Artistes Indépendants, donde conoce a Archipenko y Léger. También cultiva la ilustración, el cartelismo y el diseño de muebles. En la I Guerra Mundial sirve en Bizerta, Túnez y Salónica; sigue dibujando y pintando acuarelas de colores vivos, inspirado por los nuevos paisajes. En 1919 expone en la Exposition des artistes d’Orient, en Atenas. En 1922 obtuvo la ciudadanía francesa. Jacques Doucet, coleccionista y diseñador de joyas, le pide que participe en la decoración de su villa de Neuilly. En 1923 expone en una colectiva en la Galerie de L’Effort Moderne de Léonce Rosenberg; en 1925, en la Exposición Internacional de Artes Industriales y Decorativas Modernas, ya inscrito en las filas del Art Deco, y en 1928 en la Galerie de la Renaissance. En 1930 entra en la Unión Francesa de Artistas Modernos. En 1939 se traslada a Oyonnax (Francia), donde imparte clases de arte y muere, ya olvidado. Se le redescubre en varias exposiciones sobre el Art Deco; hay obra suya en muchas colecciones públicas y privadas.

Marc Eemans (1907-1998)

Dame qui ôte ses parures, 1927, óleo sobre lienzo, 147 x 114 cm

Pintor, poeta y crítico belga de arte; nace en Termonde (Bélgica). Mientras estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas conoce a Victor Servranckx, que le enseña los principios del arte no figurativo. A los 15 años entra en el grupo de vanguardia belga 7 Arts. Sus primeras y revolucionarias obras son assemblages constructivistas y pinturas no figurativas meticulosamente equilibradas en solemnes y sutiles armonías de color, que prefiguran las de Mark Rothko. En 1925 empieza a alejarse del arte no figurativo y se convierte en el primer pintor surrealista de Bélgica, antes de Magritte. Exponiendo con Salvador Dalí entabla amistad también con miembros de la Societé du Mystère, grupo surrealista belga. Sus pinturas de este período se inspiran en las cualidades espirituales de los prerrafaelitas, los románticos alemanes y los simbolistas. En 1939 expone en los Indépendants en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Desde entonces sus obras se han exhibido en muchos lugares, entre ellos el Museo de Bellas Artes de Gante y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Como poeta y escritor colaboró con la revista surrealista Distances, que dirigía desde París Camille Goeman, primero en ocuparse de la obra de Dalí. Antaño en el meollo mismo de los acontecimientos ideológicos del grupo surrealista, decidió abandonarlo para desarrollar sus experiencias en solitario, pero mantuvo la amistad con Goemans, Magritte y Mesens. Su obra se conserva en colecciones públicas como las de los Museos de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

Marc Eemans (1907-1998)

Dame qui ôte ses parures, 1927, óleo sobre lienzo, 147 x 114 cm

Pintor, poeta y crítico belga de arte; nace en Termonde (Bélgica). Mientras estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas conoce a Victor Servranckx, que le enseña los principios del arte no figurativo. A los 15 años entra en el grupo de vanguardia belga 7 Arts. Sus primeras y revolucionarias obras son assemblages constructivistas y pinturas no figurativas meticulosamente equilibradas en solemnes y sutiles armonías de color, que prefiguran las de Mark Rothko. En 1925 empieza a alejarse del arte no figurativo y se convierte en el primer pintor surrealista de Bélgica, antes de Magritte. Exponiendo con Salvador Dalí entabla amistad también con miembros de la Societé du Mystère, grupo surrealista belga. Sus pinturas de este período se inspiran en las cualidades espirituales de los prerrafaelitas, los románticos alemanes y los simbolistas. En 1939 expone en los Indépendants en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Desde entonces sus obras se han exhibido en muchos lugares, entre ellos el Museo de Bellas Artes de Gante y el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Como poeta y escritor colaboró con la revista surrealista Distances, que dirigía desde París Camille Goeman, primero en ocuparse de la obra de Dalí. Antaño en el meollo mismo de los acontecimientos ideológicos del grupo surrealista, decidió abandonarlo para desarrollar sus experiencias en solitario, pero mantuvo la amistad con Goemans, Magritte y Mesens. Su obra se conserva en colecciones públicas como las de los Museos de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

Kurt Schwitters (1887-1948)

Sin título, 1929, madera pintada, alto 42 cm

Nace en Hannover (Alemania). Estudia en las Academias de Dresde y Berlín y en 1918 expone sus primeras obras, cubo-futuristas, en Der Sturm. Atraído por la naciente escuela dadá y rechazado por el círculo berlinés, formó su propia variante en Hannover; empezó a crear composiciones con objetos cotidianos de desecho; sus poemas son también una mixtura de materiales impresos. Se refería a todas sus actividades artísticas –y después también a todas sus actividades cotidianas y a él mismo- como Merz, una palabra sin sentido derivada de Kommerz. En 1922 recibe la influencia de De Stijl y se acerca al constructivismo; en 1927 funda Die Abstrakten Hannover, junto a Friedrich Vordemberge-Gildewart. En 1930 participa en las actividades del grupo Cercle et Carré y en 1932 se suma a Abstraction-Création. En 1937 marcha a Noruega; cuando los nazis invaden el país escapa a Inglaterra. En sus últimos años combina Merz con una vuelta a la figuración. En 1994 se crea en el Museo Sprengel (Hannover) el Archivo Kurt Schwitters, un centro de investigación internacional. Hay obra suya en los más importantes museos de arte moderno y contemporáneo del mundo, como el MoMA o la Tate Gallery de Londres.

Kurt Schwitters (1887-1948)

Sin título, 1929, madera pintada, alto 42 cm

Nace en Hannover (Alemania). Estudia en las Academias de Dresde y Berlín y en 1918 expone sus primeras obras, cubo-futuristas, en Der Sturm. Atraído por la naciente escuela dadá y rechazado por el círculo berlinés, formó su propia variante en Hannover; empezó a crear composiciones con objetos cotidianos de desecho; sus poemas son también una mixtura de materiales impresos. Se refería a todas sus actividades artísticas –y después también a todas sus actividades cotidianas y a él mismo- como Merz, una palabra sin sentido derivada de Kommerz. En 1922 recibe la influencia de De Stijl y se acerca al constructivismo; en 1927 funda Die Abstrakten Hannover, junto a Friedrich Vordemberge-Gildewart. En 1930 participa en las actividades del grupo Cercle et Carré y en 1932 se suma a Abstraction-Création. En 1937 marcha a Noruega; cuando los nazis invaden el país escapa a Inglaterra. En sus últimos años combina Merz con una vuelta a la figuración. En 1994 se crea en el Museo Sprengel (Hannover) el Archivo Kurt Schwitters, un centro de investigación internacional. Hay obra suya en los más importantes museos de arte contemporáneo del mundo, como el MoMA o la Tate Gallery de Londres.

Jo Delahaut (1911-1992)

Parcours, 1954, óleo sobre lienzo, 46,5 x 61 cm

Nace en Vottem (Bélgica). Destacada figura de la abstracción geométrica belga, estudia en la Academia de Lieja y se doctora en Historia del Arte en 1939. En 1940 empieza a pintar figuras expresionistas, pero, influido por Auguste Herbin, evoluciona hacia la abstracción y crea geometrías estáticas que otorgan un papel esencial al color. Luego su obra se simplifica y se acerca a un minimalismo que busca estimular el intelecto. Según explica, “los signos, los colores, los ritmos y sus combinaciones infinitas son medios que misteriosamente tocan los resortes inexplicados de la conciencia”. En 1942 entra en el grupo Joven Pintura Belga, y en 1946 es miembro del Salón des Réalités Nouvelles en París. En 1952 funda el grupo belga Arte Abstracto junto a Pol Bury, Jean Milo, Georges Collignon, Albert Saverys y otros. Posteriormente impulsa la creación de Abstract Art-Shapes (1956) y Art Built (1960). En 1980 se presenta una retrospectiva suya en el Museo de Arte de Valonia (Lieja). Expone en el Wilhelm Hack Museum en Ludwigshafen (Alemania) en 1981 y en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica (Bruselas) en 1982. En 1985 participa en la Bienal de Sao Paulo; se organizan otras muestras en el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, Leopold Hoesch de Düren (Alemania) y Museo Provincial de Arte Moderno de Ostende (1989). En 1990 se celebra su última gran exposición en el Museo de Arte de Valonia (Lieja).

Jo Delahaut (1911-1992)

Parcours, 1954, óleo sobre lienzo, 46,5 x 61 cm

Nace en Vottem (Bélgica). Destacada figura de la abstracción geométrica belga, estudia en la Academia de Lieja y se doctora en Historia del Arte en 1939. En 1940 empieza a pintar figuras expresionistas, pero, influido por Auguste Herbin, evoluciona hacia la abstracción y crea geometrías estáticas que otorgan un papel esencial al color. Luego su obra se simplifica y se acerca a un minimalismo que busca estimular el intelecto. Según explica, “los signos, los colores, los ritmos y sus combinaciones infinitas son medios que misteriosamente tocan los resortes inexplicados de la conciencia”. En 1942 entra en el grupo Joven Pintura Belga, y en 1946 es miembro del Salón des Réalités Nouvelles en París. En 1952 funda el grupo belga Arte Abstracto junto a Pol Bury, Jean Milo, Georges Collignon, Albert Saverys y otros. Posteriormente impulsa la creación de Abstract Art-Shapes (1956) y Art Built (1960). En 1980 se presenta una retrospectiva suya en el Museo de Arte de Valonia (Lieja). Expone en el Wilhelm Hack Museum en Ludwigshafen (Alemania) en 1981 y en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica (Bruselas) en 1982. En 1985 participa en la Bienal de Sao Paulo; se organizan otras muestras en el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, Leopold Hoesch de Düren (Alemania) y Museo Provincial de Arte Moderno de Ostende (1989). En 1990 se celebra su última gran exposición en el Museo de Arte de Valonia (Lieja).

Paul Manes (1948)

The Entry of Christ in New York, 1993-2006, óleo sobre lienzo, 231 x 445 cm

Nace en Austin, Texas (EEUU). Se gradúa en Empresariales en la Lamar University (Beaumont) y en Bellas Artes en el Hunter College de Nueva York. Desde 1985, fecha de una muestra colectiva en la galería Kouros, muestra su obra en museos y galerías de EEUU, Italia, Francia y Alemania. Ha trabajado en el ámbito de la abstracción y de la figuración; no hace distinciones entre ambas. Alejado de las tendencias artísticas en boga, se inspira en creadores como Goya, el Bosco, Velázquez, El Greco, Rembrandt, Cézanne, Pollock o Rauschenberg. “El presente está conectado con el pasado y se convierte en una proyección hacia el futuro, donde la tradición se encuentra con la innovación y el mundo se desbloquea y se vuelve líquido y gaseoso y las formas se transforman en nuevas formas”, declara. Tras más de 30 años en Nueva York, en 2014 se traslada a Carbondale (Colorado). Actualmente hay obras suya en el MoMA, Solomon R. Guggenheim, Houston Museum of Fine Arts, Detroit Institute of Arts o Art Museum of Southwest Texas. En 2016 es incluido en la muestra Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.

Paul Manes (1948)

The Entry of Christ in New York, 1993-2006, óleo sobre lienzo, 231 x 445 cm

Nace en Austin, Texas (EEUU). Se gradúa en Empresariales en la Lamar University (Beaumont) y en Bellas Artes en el Hunter College de Nueva York. Desde 1985, fecha de una muestra colectiva en la galería Kouros, muestra su obra en museos y galerías de EEUU, Italia, Francia y Alemania. Ha trabajado en el ámbito de la abstracción y de la figuración; no hace distinciones entre ambas. Alejado de las tendencias artísticas en boga, se inspira en creadores como Goya, el Bosco, Velázquez, El Greco, Rembrandt, Cézanne, Pollock o Rauschenberg. “El presente está conectado con el pasado y se convierte en una proyección hacia el futuro, donde la tradición se encuentra con la innovación y el mundo se desbloquea y se vuelve líquido y gaseoso y las formas se transforman en nuevas formas”, declara. Tras más de 30 años en Nueva York, en 2014 se traslada a Carbondale (Colorado). Actualmente hay obras suya en el MoMA, Solomon R. Guggenheim, Houston Museum of Fine Arts, Detroit Institute of Arts o Art Museum of Southwest Texas. En 2016 es incluido en la muestra Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.

Marc Maet (1955-2000)

Little Guernica or Friday Fish Day, 1999, acrílico sobre lienzo, 200 x 200 cm

Nace en Schoten (Flandes, Bélgica). Vivió y trabajó en Gante. Se ha dividido su obra en tres períodos: a principios de los 80 se acerca al expresionismo de Neue Wilde; a finales de esa década sigue las tendencias internacionales dominantes y en los 90 evoluciona a un estilo vigoroso y literario enraizado en el patrimonio artístico belga. Junto con Philippe Vandenberg, Fik van Gestel y otros es considerado como un representante destacado de la Nueva Pintura en Bélgica. En 1991-2000 se sitúa en el límite entre lo figurativo y lo no figurativo. En la tradición de Magritte, otorga un importante papel a las palabras; en sus pinturas aparecen a menudo palabras e imágenes de carácter simbólico.

Marc Maet (1955-2000)

Little Guernica or Friday Fish Day, 1999, acrílico sobre lienzo, 200 x 200 cm

Nace en Schoten (Flandes, Bélgica). Vivió y trabajó en Gante. Se ha dividido su obra en tres períodos: a principios de los 80 se acerca al expresionismo de Neue Wilde; a finales de esa década sigue las tendencias internacionales dominantes y en los 90 evoluciona a un estilo vigoroso y literario enraizado en el patrimonio artístico belga. Junto con Philippe Vandenberg, Fik van Gestel y otros es considerado como un representante destacado de la Nueva Pintura en Bélgica. En 1991-2000 se sitúa en el límite entre lo figurativo y lo no figurativo. En la tradición de Magritte, otorga un importante papel a las palabras; en sus pinturas aparecen a menudo palabras e imágenes de carácter simbólico.

Jan Vanriet (1948)

Salted Meat – Vive la Sociale!, 2014, óleo sobre lienzo, 200 x 550 cm

Obras de este autor en: British Museum, Albertina, Museo de Arte de San Diego, Museo de Arte Contemporáneo de Seúl y Museo de Arte Contemporáneo de La Jolla.

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1971 se convierte en el miembro más joven del consejo editorial de la revista política De Nieuwe Maand. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas y París (1082) y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros.

Jan Vanriet (1948)

Salted Meat – Vive la Sociale!, 2014, óleo sobre lienzo, 200 x 550 cm

Obras de este autor en: British Museum, Albertina, Museo de Arte de San Diego, Museo de Arte Contemporáneo de Seúl y Museo de Arte Contemporáneo de La Jolla.

Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1971 se convierte en el miembro más joven del consejo editorial de la revista política De Nieuwe Maand. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas y París (1082) y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros.

Maria Roosen (1957)

Red Roosenary, 2008, cristal, cuerda de escalada y talla de virgen del siglo XVI, 350 x 1.500 cm

Nace en Oisterwijk (Holanda). Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.
Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.

Maria Roosen (1957)

Red Roosenary, 2008, cristal, cuerda de escalada y talla de virgen del siglo XVI, 350 x 1.500 cm

Nace en Oisterwijk (Holanda). Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.
Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.