1 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Inside Out, 2013, cristal y metal
CRP314
Nace en Oisterwijk (Holanda). Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.
Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.
2 Rafael Canogar (español, 1935)
Foco, 2011, óleo sobre lienzo
CRP392
Nace en Toledo; estudia con el pintor Daniel Vázquez Díaz (1949-1954). Es miembro fundador del grupo EL PASO, 1957-1960. Ha sido miembro del Consejo Asesor de la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura; del Patronato del Museo Nacional de Arte Contemporáneo y de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y vocal del Consejo de Administración del Patrimonio Nacional; es doctor honoris causa por la UNED. Ha participado en incontables exposiciones colectivas, además de sus muestras individuales, entre ellas varias retrospectivas desde los años setenta: Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Bochum Art Museum, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo de Santa Cruz de Toledo, Museo Reina Sofía, Museo Nacional de Varsovia, Museo de Bellas Artes (Buenos Aires), IVAM, Fundación Antonio Pérez (Cuenca), Fenghuang (China). Ha dirigido talleres y dado conferencias en diversos países de Europa y América, participado en jurados de premios y bienales internacionales y recibido diversos premios y distinciones, entre los que destacan: Medalla de Oro de la Comunidad de Castilla La Mancha; Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes; XV Premio Real Fundación Toledo, por su compromiso con el arte y con Toledo; Premio Nacional de Grabado, otorgado por la Calcografía Nacional (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando)… Sus obras figuran en numerosos museos y colecciones públicas del mundo: Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona y Madrid, Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca), Biblioteca Nacional (Madrid), Museo Reina Sofía, Museo de Israel (Jerusalén), MoMA, Pasadena Art Museum, Stiftung Preussischer Kulturbesitz-Staatliche Museum (Berlín), Hamburgo Kunsthalle, Chicago Art Institute, Museo Rufino Tamayo (México DF).
3 Werner Mannaers (belga, 1954)
Very Cliché (Listening to Mendelssohn), 2014, técnicas mixtas sobre lienzo
CRP363
Nace en Schoten (Bélgica); vive y trabaja en Amberes. Sus pinturas se combinan en ocasiones con textos en los que suele incluir citas filosóficas y de otros tipos, así como alusiones a destacados artistas del siglo XX. La cultura popular está muy presente en su obra, que se basa también en referencias personales, con toques muy característicos de humor y una singular combinación de lo banal y lo extraordinario. “Mi arte es caprichoso, espontáneo, no serio, pero al mismo tiempo tremendamente sincero. Mi trabajo es inquieto, provocador y autocrítico”, ha afirmado. En 2008 expuso en el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst de Gante. En 2014 y 2016 muestra su trabajo en la Roberto Polo Gallery (Bruselas). En 2016 participó en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta. Sus proyectos incluyen la publicación del libro Love Letters, pinturas hechas por el artista a lo largo de los años, cartas de amor a “Tacha”, su musa, en gouache sobre papel. Todas ellas, como es habitual en Mannaers, contienen referencias a otros creadores.
4 Carolyn Marks Blackwood (estadounidense, 1951)
The Story Series, She stood outside for what seemed like hours. It was time to be brave and go inside, 2013, impresión en tinta de pigmentos sobre papel fine art montado sobre Dibond, edición 3
CRP366
Nace en Anchorage (Alaska), pero la familia se traslada pronto a Nueva York. Se gradúa en arte en el Livingston College (Rutgers University, New Jersey). Ejerce como cantante, compositora, guionista y productora de cine antes de dedicarse a la fotografía. En 2006 la invitan a participar en una muestra colectiva en la Biblioteca Morton de Rhinebeck y sus imágenes del río Hudson atraen a la comisaria Barbara Rose, que en 2007 la incluye en The magic hour (galería Paul Rodgers/9W, Nueva York). Desde entonces expone en museos y galerías de EE. UU. y el extranjero. En 2015, Artnet News la incluye en su obra Five Artists to Watch: the Photography Edition. Sus exposiciones más recientes son On the Edge (galería Von Lintel, Los Ángeles, 2015) y The Story Series (Roberto Polo Gallery, Bruselas, 2017). Su principal fuente de inspiración es la impresionante naturaleza que ve desde su casa de Rhinecliff, en la ribera del Hudson. Influida por la pintura abstracta, experimenta con la escala, la deconstrucción y una perspectiva que permite ver la grandiosidad que se oculta en los pequeños detalles.
5 Carolyn Marks Blackwood (estadounidense, 1951)
The Story Series, Every night, he longed for her, 2016, impresión en tinta de pigmentos sobre papel fine art montado sobre Dibond, edición 3
CRP366
6 Victor, Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 1 – 1924 (Torso de mujer joven), piedra artificial
CRP084
Uno de los protagonistas de la vanguardia belga, nace en Diegem (Bélgica) y estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde se gradúa en 1917 con las más altas calificaciones y conoce a Maes, Flouquet, Baugniet y Magritte. Entre 1917 y 1919 cultiva el simbolismo. Desde 1917 participa en diversas exposiciones colectivas; en 1918, junto con Magritte, cultiva las artes aplicadas como diseñador para la fábrica de papel pintado de Peters-Lacroix, una experiencia que le indujo a pasar del fauvismo a la abstracción geométrica. En 1920 se une al movimiento La Plastique Pure. En 1922 es cofundador de la revista 7 Arts y con Magritte redacta el manifiesto L’art pur. Défense de l’estéthique, influido por Le Corbusier, Ozenfant y las teorías cubistas de Reverdy. Inspirado por Baumeister y por los puristas, abandona la figuración por la abstracción; evoca geométricamente el mundo de la máquina y la tecnología. En 1918 expone su obra por primera vez en l’Effort Moderne, lugar de encuentro de los cubistas desde la I Guerra Mundial; allí conoce a Marinetti, Van Doesburg, Léger y Duchamp. En 1926, gracias a Duchamp, toma parte en las exposiciones de la Sociedad Anónima de Katherine Dreyer en América y es invitado por Moholy-Nagy a enseñar en la Nueva Bauhaus de Chicago, oferta que rechaza. Recibe una medalla de oro en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales de París (1925). En 1926 crea las primeras abstracciones “surrealistas” y “orgánicas”, antes que Ernst. En 1928 expone en Der Sturm. Representa a Bélgica en las bienales de Venecia de 1948 y 1954. El Palacio de Bellas Artes de Bruselas organiza una gran retrospectiva; hay obras suyas en el MoMA, colección Berardo de Lisboa, Thyssen-Bornemisza de Madrid, Bellas Artes de Gante, National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París o Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Sus pinturas, esculturas y obras sobre papel han sido expuestas en museos como el Lakenhal de Leiden y la Tate Modern de Londres.
7 Victor, Servranckx (belga, 1897-1965)
Opus 1 – 1924 (Torso de hombre joven), piedra artificial
CRP085
8 Jan Vanriet (belga, 1948)
Salted Meat – Vive la Sociale!, 2014, óleo sobre lienzo
CRP270
Imagen de mortalidad y metáfora del cuerpo humano y su realidad fisica, su fuerza y su fragilidad, su vulnerabilidad y desamparo. Al igual que Paul Manes en La entrada de Cristo en Nueva York (CRP250) se inspiraba en La entrada de Cristo en Bruselas de James Ensor, Vanriet utiliza para la segunda parte de su título el lema de la gran pancarta que preside la manifestación que ocupa la pintura de su compatriota.
9 Xavier Noiret-Thomé (francés, 1971)
Donky et Spanza (ready-made), 2007-08, metal galvanizado, plástico, cemento, madera, ruedas
CRP306
Nace en Charleville-Mezières (Francia). Vive y trabaja en Bruselas. Estudia en la Escuela Regional de Bellas Artes de Rennes y desde 1995 como artista residente en el Centro de Arte Contemporáneo Domaine de Kerguéhennec y en la Real Academia de Bellas Artes en Ámsterdam. Su trabajo se mueve entre lo figurativo y lo abstracto y se caracteriza por la diversidad, la mezcla de influencias y la investigación en géneros y estilos. En 2001 es galardonado con el premio Joven Pintura Belga y en 2005 inicia una residencia en Villa Médicis, tras ser galardonado en la Academia de Francia en Roma. En 2011 diseña las vidrieras de la iglesia de Santo Tomás de Vaulx-en-Velin (Francia). Sus individuales más recientes son La parade des cannibales (galería Les filles du Calvaire, París, 2009); Bloated faces & Pop-up (AD, Atenas, 2013); Cosmogony (Museum van Deinze en Leiestreek, Deinze, 2015) y The quiet struggle (Roberto Polo Gallery, Bruselas). Participa en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, en el Vanderborght de Bruselas (2016) y el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta (2017).
10 Koen De Cock (belga,1978)
Vieillard, 2002, yeso
CRP289
Nace en Gante (Bélgica); afincado en su ciudad natal, aunque actualmente trabaja como artista y profesor de arte en Shanghai. Se graduó en escultura en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, estudió un año en la Academia de Bellas Artes de Tianjin (China) y otro en la de Tbilisi (Georgia) como estudiante de posgrado. En 2013, Shepherds, su primera individual en la galería Roberto Polo Gallery, destacó por su originalidad, por su tema, a un tiempo clásico y singular, y su técnica de acuarela sobre papel que combinaba rigor e imaginación. Luego presentó su directa sucesora, Hermits & Wrestlers, pinturas al óleo sobre lienzo. Ambos títulos aluden a su tema predilecto, el desnudo masculino luchando por fundirse con una naturaleza exuberante e ilimitada. Es admirador de Durero, Cranach el Viejo y Paulus Pontius, artistas en los que tiene presencia lo miguelangelesco; Pontius representaba partes del cuerpo de una manera tan extrema e irreal que adquirían vida propia y se convirtieron en modelo para artistas posteriores. De Cock las ha copiado para entender las transformaciones anatómicas de Pontius; este aprendizaje requería rigor técnico e imitar la línea grabada. Sus desnudos están simbiótica y simbólicamente integrados en la naturaleza, su anatomía desmembrada y a menudo luchando violentamente entre ellos.
11 Koen De Cock (belga,1978)
Jeune homme, 2009, yeso
CRP290
12 Ed Moses (estadounidense, 1926-2018)
Rumbi, 2008, acrílico sobre lienzo
CRP281
Nace en Long Beach (California, EE UU). Sirve en el Cuerpo Médico de la Armada durante la Segunda Guerra Mundial y quiere ser médico, pero opta por la creación. Estudia en el Instituto de Arte de Chicago con Pedro Miller, quien reconoce su talento. Prosigue su formación en la Universidad de California, donde se gradúa. En 1958 expone por primera vez en Ferus Gallery (Los Ángeles). Forma parte de un activo grupo de artistas formado por Craig Kauffman, Billy Al Bengston, Robert Irwin, Edward Edward Kienholz, Ken Price, Ed Ruscha, Larry Bell, John Altoon y Wallace Berman, quienes superaron los límites del arte de posguerra y dieron forma a la incipiente escena artística de Los Ángeles. Su trabajo absorbe elementos de diversas actividades de vanguardia, pero se nutre de una abstracción basada en el proceso y la repetición geométrica. Entre sus obras más conocidas se encuentran sus Rose Drawings. En 1978 se convierte al budismo y hace de la sensación de vivir el momento la clave de su obra, dando importancia al azar y a las circunstancias. En 1980 recibe una beca Guggenheim. En 1996 celebra una retrospectiva en el Contemporary Art Museum de Los Ángeles, en cuyo County Art Museum se presenta en 2015 una muestra de sus dibujos de los años 60 y 70. Además de en estas instituciones, sus obras se pueden encontrar en el centre Pompidou, MoMA y Los Angeles County Museum, entre otros.
13 Ed Moses (estadounidense, 1926-2018)
Dog-Flip, 2009, acrílico sobre lienzo, 182.9 x 152.4 cm
14 Roberto Caracciolo (italiano, 1960)
Anyday (primera de las cuatro pinturas del ciclo The Dark Night, Maybe), 1992, óleo sobre lienzo
CRP279
Nace en Nueva York; vive y trabaja en Roma. Estudia en el Instituto de Arte de Urbino y en la Studio School de Nueva York; a comienzos de los años 80 trabaja como ayudante de diseñador de escenografías con Dante Ferreti. Ha sido profesor o conferenciante en las Academias de Bellas Artes y otras instituciones de Turín, Perugia, Siena, Venecia, Nueva York, Chicago, Roma y Montecastello di Vibio. Entre 1999 y 2013 fue profesor adjunto en la Universidad de Nueva York en Florencia; entre 2007 y 2010 fue Arts Liaison de la Academia Americana en Roma, donde organizaba exposiciones.
15 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Francisco, 2012, cedro, papel y hierro
CRP346
Nace en Lyon (Francia). En 1995 se gradúa en la Real Academia de Bellas Artes, donde vive y trabaja desde 1989. Para sus esculturas utiliza sobre todo madera y bronce; son piezas monumentales que suelen evocar sensualidad y violencia. También emplea hierro, papel y cuentas de vidrio pintadas. Sus obras e instalaciones, como se indica en su página web, “hablan con delicadeza y fuerza de un mundo que no es lo que parece y donde sus esculturas cobran vida gradualmente para contar una historia que no deja indiferente a nadie”. Empieza a exponer en 1996 y desde entonces su producción se muestra con regularidad en galerías y museos de Bélgica, París, Ginebra o Lyon. En 2005, tras superar un cáncer, reproduce en su escultura órganos vitales como el corazón y recrea una “máquina del llanto”. Hasta 2011 se dedica a la enseñanza de la escultura clásica en su academia La ligne d’horizon.
16 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Seta, 2012, cedro y papel
CRP347
17 Annabelle Hyvrier (francesa, 1971)
Simon, 2012, roble y hierro
CRP348
18 Bruno Ceccobelli (italiano, 1952)
Giovin Marmo, 2018, mármol
CRP293
Nace en Montecastello di Vibio (Italia). Pintor y escultor, vive y trabaja en Todi. Fue uno de los seis fundadores de la Nuova Scuola Romana o Scuola di San Lorenzo, movimiento que surge del Arte Povera y de la Transvanguardia a fines del siglo XX; a principios de los 80 se instala junto con otros artistas en un amplio espacio industrial abandonado en el barrio de San Lorenzo de Roma. En 1984 da un curso de formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Senegal, experiencia muy importante para él. En 2003 publica una colección de ensayos sobre su anhelo de una futura sociedad estética. En 2009 se celebra en Rovereto una retrospectiva sobre el grupo de San Lorenzo. Durante todos esos años participa en diversas exposiciones en Italia e internacionales.
19 Bruno Ceccobelli (italiano, 1952)
Signora Pietra, 2018, mármol
CRP294
20 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Cuba, la lucha, Trinidad, 2015, impresión en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond, edición 5
CRP329
Nace en Schoten (Amberes, Bélgica). Estudia fotografía en la Academia de Gante. En 1982 comienza su carrera como fotógrafo independiente y es uno de los fundadores de la galería de fotos XYZ. Entre 1982 y 1989 enseña en la Real Academia de Bellas Artes de Gante, en el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes y en la Escuela de Artes Decorativas de París. En 1994 entra en la agencia Magnum. En el tríptico Trinity (2007) trata el poder y la violencia en el mundo; en Congo (2009) rememora el espíritu del país antes de su independencia; con Momentos antes de la inundación (2012) alerta de los peligros del calentamiento global: en la serie Cuba, la lucha (2015), expuesta en la galería Roberto Polo (Bruselas), analiza la lenta transición del comunismo a una mentalidad más capitalista. También se ha adentrado en los campos de trabajo de Siberia, en la vida cotidiana de India, en la Rusia de antes y después de la caída del Muro o en el entorno de la delincuencia juvenil en Flandes. Ha recibido el Premio del Libro del Festival de Arles (1990), el W. Eugene Smith (1990) y el Kodak (1992). En 2012 es elegido miembro de la Real Academia de Artes y Ciencias de Bruselas. Expone su trabajo en galerías y museos de todo el mundo.
21 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Cuba, la lucha, La Habana, 2015, impresión en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond, edición 5
CRP329
22 Carl de Keyzer (belga, 1958)
Roberto Polo, Brussels, 2016, impresión única en tinta de pigmentos sobre papel de bellas artes montado sobre Dibond
CRP330
23 Deborah Turbeville (estadounidense, 1932-2013)
Roberto Polo, New York, 1976, impresión única en gelatina de plata
CRP231
Nace en Boston (Massachusetts). A los 19 años viaja a Nueva York con intención de convertirse en bailarina o actriz, pero conoce a la diseñadora Claire McCardell, con la que empieza a colaborar. En 1963 se estrena como editora de moda en la revista Harper’s Bazaar. Su encuentro con la fotografía fue casual, pero llega a transformarla en arte de vanguardia; pasa de las pasarelas y la publicidad a las galerías de arte. Conocida por su técnica del desenfoque, sorprende con la serie Bath House (Vogue, 1975), donde las modelos aparecen en traje de baño en un aseo público, desdibujadas y en actitud lánguida. En 1978 publica en la misma revista las imágenes de Women in the Woods, fruto de un encargo para Valentino, modisto para el que realiza uno de sus últimos trabajos, la publicidad de la colección primavera-verano 2012, en México. Marcas como Chanel, Oscar de la Renta, Ungaro, Yamamoto o Comme des garçons la reclaman para sus campañas. En 2007 viaja por Europa captando instantáneas de personas y lugares peculiares.
24 Lois Lane (estadunidense, 1948)
Big Fan, 2014, óleo sobre lino, 213,4 x 243,8 cm
Big Fan, 2014, oil on linen, 213.4 x 243.8 cm
CRP332
Nace en Filadelfia (Pensilvania). Se forma en el Philadelphia College of Art y obtiene un máster en Bellas Artes en Yale University en 1971. Trabaja como ayudante de Jasper Johns. Como Susan Rothenberg o Jennifer Bartlett, forma parte de una generación posminimalista que “busca devolver las imágenes figurativas a la pintura sin caer en el realismo”, según la crítica Deborah Solomon. En su obra destaca el uso poético de las imágenes, reconocibles pero misteriosas, que en ocasiones parecen partir del inconsciente. Ventiladores, pájaros, formas vegetales, animales y prendas de vestir se yuxtaponen ante un fondo plano y neutro. Según Judith Stein, coordinadora de la William Morris Gallery (Reino Unido), “sus motivos son arquetípicos, aparentemente extraídos de rituales, recuerdos y sueños”. En 1978 Lane es una de las protagonistas de la muestra New Image Painting, en el Whitney Museum of American Art, y en 2016 figura con otros artistas norteamericanos (Walter Darby Bannard, Karen Gunderson, Martin Kline, Melissa Kretschmer, Paul Manes, Ed Moses y Larry Poons) en la exposición Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.
25 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Black Breasts (Glitter), 2017, cristal y cuerda
CRP317
Nace en Oisterwijk (Holanda). Estudia en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem y en el Moller Instituut de Tilburg. Realiza esculturas, instalaciones, arte conceptual y dibujos. Participa, en representación de Holanda, en la Bienal de Venecia de 1995.
Ha recibido importantes galardones como el Wilhelminaring de escultura holandesa (2006) y el Singer Prijs (2009). Su trabajo, cuyo proceso tiene un marcado cariz artesanal (utiliza cerámica, madera, vidrio, ganchillo) aborda asuntos como el crecimiento, la fertilidad, el amor, la amistad, la muerte y el veloz transcurrir de lo cotidiano. Ramas, frutos, girasoles, jarras, pechos, semillas o zapatos son motivos habituales en sus piezas, que muchas veces se exponen al aire libre. Habitualmente trabaja con colaboradores, ya sean bordadoras nepalesas o maestros fabricantes de vidrio de la República Checa. Considera sus esculturas como “herramientas para los sentimientos”. Su trabajo, presente en numerosas colecciones privadas, se ha expuesto en espacios como el Kunsthal KAdE de Amersfoort, el Museo de Croninger y el Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.
26 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Pink Breasts, 2017, cristal y cuerda
27 Maria Roosen (holandesa, 1957)
Glass Colours, 2014, pan de oro sobre puertas de madera pintadas
CRP315
28 Jozef Peeters (Belgian, 1895-1960)
Estantería Alles voor Vlaanderen, Vlaanderen voor Kristus, c. 1922, abedul pintado y contrachapado
CRP042
Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.
29 Lois Lane (estadounidense, 1948)
Moon Shadow, 2010, óleo sobre lienzo
CRP331
Nace en Filadelfia (Pensilvania). Se forma en el Philadelphia College of Art y obtiene un máster en Bellas Artes en Yale University en 1971. Trabaja como ayudante de Jasper Johns. Como Susan Rothenberg o Jennifer Bartlett, forma parte de una generación posminimalista que “busca devolver las imágenes figurativas a la pintura sin caer en el realismo”, según la crítica Deborah Solomon. En su obra destaca el uso poético de las imágenes, reconocibles pero misteriosas, que en ocasiones parecen partir del inconsciente. Ventiladores, pájaros, formas vegetales, animales y prendas de vestir se yuxtaponen ante un fondo plano y neutro. Según Judith Stein, coordinadora de la William Morris Gallery (Reino Unido), “sus motivos son arquetípicos, aparentemente extraídos de rituales, recuerdos y sueños”. En 1978 Lane es una de las protagonistas de la muestra New Image Painting, en el Whitney Museum of American Art, y en 2016 figura con otros artistas norteamericanos (Walter Darby Bannard, Karen Gunderson, Martin Kline, Melissa Kretschmer, Paul Manes, Ed Moses y Larry Poons) en la exposición Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta.
30 Joris Ghekiere (belga, 1955-2016)
Sin título, 2016, óleo sobre lienzo
CRP325
Nace en Kortrijk (Flandes, Bélgica). Recibió el Premio Europeo (Ostende) en 1980 y 1984 y el de Jeune Peinture Belge (Bruselas) en 1985 y 1986. Realizó proyectos en espacios públicos en diversas ciudades belgas entre 1997 y 2016. Entre sus numerosas exposiciones individuales y colectivas podemos destacar las celebradas en galerías de Dubai, Bruselas, Ámsterdam, Londres y Amberes (2010), Malinas (2011), Lovaina y Malinas (2012), Amberes (2014) y Gante (2015). En 2016 presentó sus dibujos en Ostende y participó en Painting After Postmodernism. Belgium-USA, comisariada por Barbara Rose, en el Vanderborght de Bruselas, el Palacio Episcopal de Málaga y la Reggia di Caserta. En el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (SMAK) de Gante, presentó en 2015 la muestra Tomorrow, compuesta por cuadros, pinturas murales e instalaciones con papel pintado. Exploró gran diversidad de técnicas y estilos y no se comprometía con un modo de hacer determinado, lo cual dio como resultado una producción en la cual lo figurativo y lo abstracto se influyen mutuamente. Muchas veces iniciaba el proceso colocando el lienzo sobre una plataforma giratoria para crear círculos concéntricos utilizando pintura en spray. Un grupo más reciente de pinturas guarda relación con la inestabilidad. Con la integración de los espacios dislocados y las figuras de la dislocación organiza un mundo pictórico propio, nutrido por las interrelación de la visualización y los objetos visualizados.
31 Jan Vanriet (belga, 1948)
L’invitation au voyage, 1988, óleo y carboncillo sobre lienzo
CRP264
Nace en Amberes (Bélgica). Estudia en la Royal Academy y compagina la pintura con la poesía. En 1968 participa en las acciones de protesta de los escritores contra la censura literaria en Bélgica. En 1971 se convierte en el miembro más joven del consejo editorial de la revista política De Nieuwe Maand. En 1972 expone por primera vez en la galería Zwarte Panter y después inicia su colaboración con el galerista Jan Lens (Lens Fine Arts). Sus libros, editados por Manteau, sus colaboraciones literarias y el diseño de las portadas de la revista literaria Revolver, se alternan con sus exposiciones: bienales de Sao Paulo, Venecia y Seúl; galería Isy Brachot en Bruselas y París (1082) y otras. En Amberes como Capital Cultural Europea (1993) organiza una importante exposición y pinta el techo del vestíbulo del restaurado teatro Bourla. The Lippisches Landesmuseum (Detmold) presenta Transport (1994-2004), pinturas inspiradas en parte en la II Guerra Mundial: sus padres y otros miembros de su familia colaboraron en la Resistencia contra los invasores nazis, pero fueron detenidos y deportados a Mauthausen y Ravensbrück. En 2005 viajó a Israel para instalar su tríptico Natán el Sabio. En 2010, el Museo de Bellas Artes de Amberes le invitó a “cerrar” el museo antes de su remodelación y organizó la retrospectiva Closing Time en diálogo con artistas clásicos como Rubens, Van Eyck, Tiziano, Cranach y otros; en 2012 la galería Roberto Polo de Bruselas inaugura Closed Doors, su primera exposición allí. En 2013 presenta Losing Face, una serie sobre deportados judíos desde Bélgica a Auschwitz, se muestra en el Museo Kazerne de Malinas y después en el Museo Judío y Centro de la Tolerancia en Moscú. Hay obra suya en el Museo Nacional de Gdansk, el British Museum, el Museo de la Historia de los Judíos Polacos (Varsovia), la Walsall New Art Gallery y otros.
32 Huib Hoste (belga, 1881-1957)
revistero, c. 1920, madera pintada y cuerda, 65 x 70,5 x 51 cm
CRP192
Nace en Brujas. Arquitecto y urbanista, estudia en Gante.
Al término de la guerra tiene un importante papel en la
reconstrucción de los pueblos flamencos destruidos.
Entre 1918 y 1920 publica en la revista De Stijl; en 1920
organiza con Josef Peeters el primer Congreso para el
Arte Moderno en Amberes. En los años 20 hace varias
ciudades-jardín en Bélgica. En 1928 es miembro fundador
de los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura
Moderna) y al año siguiente se adhiere al grupo Cercle et
Carré en París. Entre sus obras destacan la Maison Gombert
(Woluwe Saint-Pierre, región de Bruselas) y la Maison De
Beir, llamada también Maison Noir (Knokke).
33 Piet Hein Eek (neerlandés, 1967)
Polo Cabinet, diseñado y construido en 2010, madera de haya y cerámica, pieza encargada en una edición de dos, 175 x 70 x 70 cm
CRP405
Diseñador industrial. Estudia en la Academia
de Diseño (Eindhoven); se aleja de la tendencia minimalista
y trabaja con materiales humildes con el propósito
de lograr eficiencia, sostenibilidad y responsabilidad
social. Parte de materiales reciclados y en 1990 empieza
sus armarios “scrapwood”. Creó una empresa con el
diseñador Nob Ruijgrok y fabrica toda clase de objetos
para el hogar; fundó un restaurante equipado con sus
piezas, así como una galería de arte, todo en su estudio
de Eindhoven.
34 Shirō Kuramata, (japonés, 1934-1991)
Progetti Compiuti, Side One, cómoda, diseñada en 1970 y realizada por Cappellini en fresno, laca mate blanca, acero, ruedecitas, 171,5 x 61 x 49,5 cm.
CRP407
Nace en Tokio. Estudió arquitectura y diseño en la escuela de diseño Kuwazawa de su misma ciudad. Con apenas 30 años funda su propio taller de diseño. Entre 1970-80 trabajó como arquitecto de interiores y diseñador de mobiliario. Uno de sus clientes más destacados fue Issey Miyake, para quien proyectó almacenes en París, Tokio y New York. En 1988 se instaló en la capital francesa donde, dos años después, fue nombrado Caballero de las Artes y de las Letras por el Ministerio de Cultura. Sus creaciones actualmente forman parte de las colecciones de los grandes museos del mundo como el MoMA o el Musée des Arts Décoratifs, entre otros muchos.
35 Jacques-Henri Lartigue (francés, 1894-1986)
Florette, 1944, impresión en gelatina de plata
CRP078
Nace en Courbevoie (Francia); la familia se establece en París en 1899. Es fotógrafo y pintor. En 1915 ingresa en la Académie Julian, donde estudia con Jean-Paul Laurens y Marcel Baschet; se centra de forma creciente en la pintura y deja en gran medida la fotografía. Desde 1922 celebra muchas exposiciones (flores, coches, retratos de famosos). En 1923 es ayudante de dirección y fotógrafo en la película Les aventures du roi Pansoie, basada en una novela de Pierre Louÿs. No será reconocido como fotógrafo hasta 1960, pero luego goza de gran prestigio; sus trabajos se exponen en el MoMA en 1963. En 1973 cede sus fotografías al Estado francés y sus pinturas al alcalde de L’Isle-Adam; se crea en Val d’Oise un centro que lleva su nombre.
36 Jacques-Henri Lartigue (francés, 1894-1986)
Después de haber sido tantas veces el espectador, voy a poder convertime en el actor, 1918, impresión única en gelatina de plata y tinta
CRP07
